Документ Microsoft Word


Билет 1
1Искусство Северного Возрождения
До конца XV в. Ренессанс был явлением только итальянской культуры. Но на рубеже XV-XVI вв. возрожденческая культура преодолела национальные границы Италии и быстро распространилась по странам Западной Европы к северу от Альп — в Нидерландах, Германии и Франции. Каждая страна имела свои особенности в становлении культуры Возрождения, но наиболее самобытный характер Северного Ренессанса проявился в художественной культуре Нидерландов и Германии. Главными центрами искусства были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле, Амстердам.
Использование термина «Возрождение» по отношению к культуре этих стран довольно условно, так как ее формирование опиралось не на возрожденное античное наследие, а на идеи религиозного обновления. Тем не менее сущность происходивших процессов и в Италии, и в этих странах была общей — расшатывание феодального мировоззрения, становление буржуазного гуманизма, рост самосознания личности.
Философской основой Северного Возрождения был пантеизм (обожествление вселенной, природы). Не отрицая прямо существование Бога, это учение растворяет его в природе, наделяя ее божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, и делали вывод, что любое проявление природы достойно изображения. Такие представления привели к появлению в художественной культуре Северного Возрождения пейзажа как самостоятельного жанра.
В итальянском Возрождении на первом плане была эстетическая сторона, в Северном — этическая.
В искусстве Северного Ренессанса сформировался и получил развитие (прежде всего в Нидерландах) такой жанр, как бытовая картина. Нидерландских художников отличала необычайная виртуозность письма: любая мельчайшая подробность изображалась с большой тщательностью. Это делало картины очень увлекательными для зрителя: чем больше разглядываешь, тем больше находишь интересных деталей.
Главное различие между итальянским и Северным Возрождением заключается в том, что первому присуще стремление к восстановлению античной культуры, к раскрепощению, освобождению от церковных догм, светской образованности, тогда как в Северном Возрождении главное место занимали вопросы религиозного совершенствования, обновления католической церкви и ее учения. Северный гуманизм привел к реформации и протестантизму.
Живописцу Яну ваи Эику безоговорочно принадлежит первенство в нидерландском ренессансе. Главное творение ван Эйка- грандиозный Гентский алтарь — полиптих (т.е. сложенный много раз) для одной из капелл в Генте, в котором выражено новое мировоззрение, новое представление о человеке и вселенной. Образ вселенной создают 12 изображений на наружных створках полиптиха (в закрытом виде) и 14 на внутренних (в раскрытом виде) — небесные сферы, населенные небожителями, и земля с се далями, лесами, долинами и горами.
Ван Эйку традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Это не совсем точно, поскольку способ применения растительных масел как связующего вещества для краски был известен и раньше. Но художник усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин. Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.
В XV в. впервые в европейском искусстве бытовой жанр становится самостоятельным направлением в живописи. У нидерландских художников не было стремления к идеализации, героизации, возвеличиванию человека и его деяний. Напротив, их отличали пристальный взгляд на мир и его правдивое, непосредственное изображение, уважение к будничной жизни и любовь к миру вещей. Все это привело к появлению картин на бытовые темы. Особое место в формировании и утверждении этого жанра принадлежит Босху и Брейгелю.
Творчество Хиеронимуса Босха современным зрителем воспринимается как очень сложное и загадочное, поскольку он постоянно прибегал к иносказаниям. Вероятно, современникам аллегорический смысл его образов был понятен, ибо его произведения пользовались большой популярностью. Сюжеты ею картин демонстрировали отрицательные явления жизни. В своем творчестве Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира. В его картинах дьявол принимает разнообразные причудливые обличья, зло проникает повсюду, а человек предстает как раб греховности, как безвольное, бессильное и ничтожное существо.
Свои картины на темы ада, рая, Страшного Суда, искушения святых художник населил легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части разных животных, растений, предметов, а иногда человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования. Ни один из последующих мастеров живописи не создал столь фантастических, граничащих с безумием образов.
Сад земных насложденийСтрашный суд
Семь смертных греховвТворчество Брейгеля характеризуют жизненный уклад и обычаи страны середины XVI в. Для мировосприятия Брейгеля были характерны представление об извечно существующем в мире противостоянии добра и зла, умение видеть глубоко заложенный высший смысл в любых проявлениях жизни. В его картинах отражается активная деятельность людей, не имеющая никакого смысла. Картины объединяет мысль о безумии человеческого существования в условиях «перевернутого мира». Композиционно это множество мелких суетящихся фигурок, которые снуют между домами, выходят из дверей, выглядывают из окон и т.д. Они не составляют единого целого, их облик — это облик людей, живущих по законам «перевернутого мира». На них печать глупости, дурашливого веселья, бессмысленного внимания. Их веселые и бестолковые забавы — своего рода символ абсурдной деятельности всего человечества. В мировой живописи пейзажи Брейгеля занимают особое место, ибо нет других таких изображений природы, где космический аспект мироощущения был бы гак органично слит с житейской повседневностью. Поэтому не случайно Брейгель считается основателем пейзажного жанра в нидерландской живописи.
Игры детей
Падение икараЖатва
Альбрехт Дюрер был основоположником немецкого Возрождения и единственной универсальной фигурой, подобной итальянским титанам Ренессанса. Великий гравер, живописец и рисовальщик в своем творчестве сумел оченьтонко пере дать дух эпохи с ее настроениями хилиазма (вера в тысячелетнее правление Иисуса Христа и праведников), предчувствием конца света, но вместе с тем и появлением нового гуманистического мышления. При этом Дюрер в своем творчестве с наибольшей полнотой выразил особенности именно немецкого Возрождения, отличного от искусства не только Италии, но и Нидерландов: в его творчестве рациональное и классическое неотделимо от готической экспрессивности и одухотворенности, тяга к знаниям соединяется с глубокой, страстной религиозностью.
На художественное сознание Дюрера оказало большое влияние его путешествие по Италии, поэтому его манера письма близка к итальянской. Его художественное видение мира отличается стремлением как можно более объективно отразить действительность, добиться от живописи и рисунка полной достоверности. По разнообразию сюжетов, широте восприятия действительности Дюрер является типичным представителем Высокого Возрождения. В изобразительном языке мастера нет дробности, красочной пестроты, линеарной жесткости. Его портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокая одухотворенность отличает каждое лицо. Это становится возможным при сочетании идеального образа с конкретно-индивидуальным прототипом.
Выбор тематики и особенности стиля Дюрера, как и всех немецких художников, обусловлены его глубокой религиозностью. Накаленная религиозными распрями атмосфера, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость воплотились в величайшем творении Дюрера «Апокалипсис». Вершиной творчества мастера стали три знаменитые гравюры: «Всадник, смерть и дьявол», «Святой Иероним», «Меланхолия», в которых ярче всего выражены стой кость духа людей того времени
Среди огромного творческого наследия Дюрера особое внимание привлекают многочисленные автопортреты, что было необычно для искусства Возрождения
Четыре апостораМучение десяти тысяч христьянРуки молящегося2 Русь 11-15 век. Деревостроение и каменное зодчество.
Особенности культуры 12 века
Однако, несмотря на двоеверие, принятие христианства дало огромный толчок к развитию русской культуры, что стало особенно заметно в 12 веке. Более всего христианство повлияло на архитектуру, живопись и литературу. Начавшийся в 11 веке процесс развития грамотности, в 12 веке получил новый виток, что не могло не отразить на культур и, прежде всего, литературе. В целом, культура Руси в 12 веке во многом переняла традиции Византии и Греции, откуда и было перенято христианство. Основная концепция религии и религиозного искусства этих культур состояла в том, чтобы показать бренность земной жизни в противовес важности жизни духовной. Именно поэтому все чаще художники перестали изображать картины реальной жизни человека, они стали обращаться к библейским историям, к жизни духа, предпочтение теперь отдавалось священному, непостижимому, акцент делался на духовности и божественности.
Таким образом, главное внимание искусства в 12 веке постепенно перешло от человека во плоти, к человеческому духу.
Золотые ворота (Владимир)
Строгие пропорции проездной арки, перекрытой мощным полуциркульным сводом, и особое изящество небольшой церкви наверху придавали сооружению величественный характер, хорошо соответствующий его назначению. Дата закладки ворот относится к 1158 году, окончание строительства — 26 апреля 1164 года, когда была освящена надвратная Ризположенская церковь.
До наших дней дошли лишь Золотые ворота.
Это были самые парадные ворота города в XII—XIII веках. Ипатьевская летопись сообщает, что князь их золотом «учини», имея в виду, что они были покрыты листами золоченой меди, ярко блестевшей на солнце и поражавшей воображение современников. Вплотную к воротам с севера и юга примыкали насыпные валы с глубокими рвами с наружной стороны. Через рвы от ворот проходил мост, выводивший за город. Высота арки достигала 14 метров. Массивные дубовые створы ворот, висевшие на кованых петлях, примыкали к арочной перемычке, сохраняющейся и ныне
Ворота сохранились с сильными перестройками. К древним частям этого сооружения относится широкая проездная арка с мощными боковыми пилонами и боевая площадка над ними, дошедшая фрагментарно.
Частые опустошительные пожары и нашествия врагов значительно исказили облик Золотых ворот.
Софийский собор в Киеве
Приказ о строительстве собора отдал в 11 веке Ярослав Мудрый. Одна из версий гласит, что возведение храма было связано с приездом в город митрополита Феопемпта — будущий предстоятель русской церкви, грек, переезжал из Константинополя.
Изначально собор представлял собой 13-купольное сооружение, к которому через несколько веков добавили еще 6 глав. А к 17 веку здание реконструировали в стиле украинского барокко.
На протяжении десяти веков своего существования собор не раз подвергался нападкам захватчиков
Софийский собор знаменит своей архитектурой и интерьером. Изначально он строился как главный храм Руси, поэтому очень сложно найти аналогичные здания, например, в Византии. Хотя строители были выписаны прямо из Константинополя.
С точки зрения символики высокий купол храма напоминает прихожанам об Иисусе Христе. Двенадцать небольших куполов — об апостолах, а четыре из них символизируют евангелистов, которые проповедовали учение Христа.
Центральное подкупольное пространство собора выполнено в форме креста. Такую же — крестообразную форму — имеют в сечении столпы собора. Для хоров здесь было создано прекрасное освещение — знать очень любила слушать богослужения.
Сегодня в Софийском соборе можно увидеть мозаику, которая сохранилась с 11 века. Палитрой более чем в 170 оттенков, она украшает центральный купол, арки, столпы.
Самая известная мозаика называется Богородица «Нерушимая стена». Она находится в сводчатой части центральной алтарной апсиды и изображает причащение апостолов Христом.
Также собор богат фресками, на которых изображены различные сцены из Библии — детство Богоматери, деяния апостолов, житие и образы святых, сцены страстей Христовых и многие другие.
В соборе можно насчитать более 100 захоронений. Здесь есть саркофаг Ярослава Мудрого и его жены Ирины. Впрочем, некоторые захоронения в течение многих веков были утрачены.
Софийский собор в Новгороде
С самого момента основания, а произошло это на заре 11 века, новгородский собор Святой Софии был и остается по сей день одним из символов этого древнерусского города. Построенный «по образу и подобию» Софийского собора в Киеве, он все же имеет свои особенности и сам становится образчиком для новгородского стиля церквей. Величавое, мощное здание из прочного камня венчают пять куполов в форме шлемов древнерусских воинов, четыре из которых свинцового цвета, а пятый сверкает на солнце золотыми бликами.
Справедливости ради надо сказать, что дошедший до современников Софийский собор — это второе его воплощение. Впервые собор Святой Софии в Новгороде создали из дерева искусные новгородские плотники. Однако здание простояло около полувека и в очередном пожаре сгорело дотла. После этого князь Владимир (сын Ярослава Мудрого) и решил возвести каменную церковь, похожую на так любимый отцом киевский Софийский собор. Собственно, и мастера-то для строительства были вызваны из Киева — в Новгороде в ту пору практиковалось возведение деревянных строений.
Интересные факты
Стены собора скрывали (а может быть, и верно стерегут какие-то сокровища по сей день) в себе немало кладов и тайников, где хранились богатства зажиточных новгородцев и самого князя Владимира. По легендам, именно его «схоронку» нашел Иван Грозный, неизвестно откуда прознавший о тайнике. Однако царь точно указал место, где в стену церкви были вмурованы сокровища, и перевез их в Москву. Кроме личных кладов в тайниках собора в свое время хранилась и казна Новгородской республики.
Церковь Покрова на Нерли в Боголюбово, Россия
Церковь Покрова на Нерли – выдающийся мировой памятник владимиро-суздальской школы, шедевр древнерусского белокаменного зодчества. Белокаменная церковь расположена на живописном лугу в месте, где река Нерль впадает в Клязьму.
Церковь Покрова на Нерли сравнивают с невестой, называют вершиной творчества владимирских мастеров, поэмой запечатленной в камне, самым лирическим и непревзойденным шедевром во всей русской архитектуре. Этот белокаменный храм удивительно гармонично сочетается с окружающим пейзажем.
Даты постройки церкви в различных источниках разнятся. Распространенным считается мнение, что церковь Покрова на Нерли была построена в 1165 году князем Андреем Боголюбским в память о погибшем сыне во время похода на Булгарское царство.
По своей архитектурной конструкции храм чрезвычайно прост. Это типичный для древнерусского зодчества четырёхстолпный, одноглавый, трёхапсидный храм крестовокупольного типа. Церковь Покрова на Нерли отличает, отмеченная многими специалистами и исследователями, общая гармоничность и изысканность пропорций, она выглядит невесомой, словно парящей в воздухе. Потрясающую картину можно наблюдать весной, когда храм, словно горящая свеча, возвышается к небу над разлитыми водами Нерли.
Ощущение подвижности и полета храму придают, слегка наклоненные внутрь стены, что практически незаметно, а так же бросающиеся в глаза вертикальные линии — высокие узкие окна, удлиненные колонки аркатурного пояса. Такие приемы зрительно увеличивают высоту здания. Стены церкви украшают резные рельефы. В композиции трёх фасадов храма центральной фигурой является восседающий на троне царь Давид с псалтырью в левой руке, двуперстно благословляющий правой рукой. Также в оформлении используются женские маски, птицы, и львы.
Дмитриевский собор во Владимире
История
В конце 12 века князь Всеволод Большое Гнездо заказал построить храм на территории своего поместья в честь святого. К работе над великокняжеским собором были приглашены русские и греческие мастера, и его открытие состоялось приблизительно в 1997 г. Затем из Салуни (ныне — Салоники) привезли артефакты, принадлежащие святому Димитрию.
Позднее Дмитриевский собор подвергался набегам неприятеля и пожарам, после чего его подновляли. В процессе неумелых реставраций внешний облик здания был искажен и большинство фресок утеряно. Во время революции 1917 г. церковь передали Городскому музею Владимира, а реставраторы 20 века смогли извлечь из-под штукатурки фрагменты изначальных фресок и защитить белокаменную резьбу. Сейчас собор действующий, он открыт для прихожан и туристов.
Дмитриевский (или Дмитровский) собор во Владимире построен в честь христианского великомученика Димитрия Солунского, правящего в Салуни в 1 веке н. э. и казненного за приверженность христианству. Эта небольшая крестово-купольная церковь из белого камня, внешне напоминающая знаменитый храм Покрова на Нерли — один из памятников, входящих в Список всемирного наследия ЮНЕСКО. Это не только образец искусства, но и святыня: паломники приходят поклониться иконе и частице одежды с кровью мученика.
Собор известен богатейшими настенными барельефами: на них запечатлены жития святых и мифические животные. Интерьер не столь впечатляющий, но здесь есть несколько фресок и музейная экспозиция.
Соборы Кремля.
Архангельский собор (ещё его называют Собор святого Архистратига Михаила), был построен в 1333 г. по приказу великого князя Ивана Калиты на месте старого деревянного, время создания которого до сих пор под вопросом. Архангельский собор предназначался как последнее пристанище великого князя. В 1340 г. его предназначение было исполнено, и с тех пор всех царей, за некоторым исключением, вплоть до начала правления Петра I хоронили здесь. Всего в соборе 54 погребения. В 1505 г. из-за ветхости собор разобрали и построили новый, который дошёл до наших дней. Во время войны 1812 г. Архангельский собор сильно пострадал - французы устроили в нём походную кухню. Также большие разрушения собор перенёс во время обстрела Московского Кремля в 1917 г. До 1955 г. Архангельский собор был закрыт, и только после смерти Сталина собор открыли для посещения и сделали в нём музей. Теперь я понял, что совершил ошибку, не купив билет в собор. В следующий раз надо будет обязательно сюда попасть, чтобы увидеть усыпальницы царей.
Успенский собор – наиболее известный из соборов Кремля. Был заложен в 1326 г. митрополитом Петром. В те времена это был небольшой храм всего с одной башней. Он был посвящён Пресвятой Богородице. В 1327 г. Успенский собор был достроен и освящён, но митрополит Пётр не дожил до этого дня. Его похоронили в новопостроенном соборе, в им самим сделанном гробу. С тех пор всех патриархов хоронят в Успенском соборе. В 1453 г. царь Иван III решил построить новый Успенский собор, но в 1474 г. почти достроенный собор обрушился, по некоторым сведениям во время землетрясения (!). После этого происшествия Иван III пригласил итальянского мастера для строительства собора. Итальянцы были лучшими строителями в то время. Новый Успенский собор был построен в 1479 г. Через год после этого произошло освобождение Руси от татаро-монгольского ига. Это отразилось в архитектуре собора. Если посмотреть на его купола, то легко можно найти их сходство с воинскими шлемами того времени.
В Успенском соборе хранились самые ценные реликвии, которые были в России: риза Господня – часть одежды Иисуса Христа и Гвоздь Господень, один из тех, которым были пробиты руки и ноги его на кресте. Многие знатные князья и бояре приносили в дар религиозные святыни, которые также хранились здесь - в Успенском соборе. Боярин Татищев передал камень с Голгофы, обагренный кровью Христа и камень от гроба Богоматери. Князь Василий Голицын передал часть ризы Пресвятой Богородицы, привезённой им из Крымского похода. В Успенском соборе проходила коронация русский царей и цариц, праздновали падение татаро-монгольского ига, победы в различных войнах и др. великие торжества. Здесь же в 1613 г. был провозглашён царём первый из рода Романовых, а в 1903 отлучён от церкви Лев Толстой
Грановитая палата была предназначена для званых обедов, государственных совещаний, дворцовых церемоний, приемов иностранных послов и заседания земских соборов. Например, в 1552 году Иван IV праздновал здесь взятие Казани, а Петр I в 1709 году — Полтавскую победу.
Для строительства пригласили не только русских зодчих, но и итальянских архитекторов — Алевиза Фрязина, Марко Фрязина, Пьетро Антонио Солари. Грановитая палата называется так по граненому камню, которым облицован ее фасад. Такая обработка камня была характерна для итальянской архитектуры эпохи Возрождения. Ее еще называли «бриллиантовым рустом». Поэтому по архитектурному стилю Грановитая палата больше похожа на итальянское палаццо.
Внутри палаты огромный зал площадью 495 м2. Интерьеры богато декорированы резьбой и позолотой. Причем убранство Грановитой палаты менялось несколько раз: и росписи на библейские темы, и алое сукно, и иконопись. Вообще долгое время именно здесь был самый большой парадный зал Москвы.
Снаружи вход в Грановитую палату запирает Золотая решетка. По легенде, ее отлили из медных денег, изъятых из обращения после Медного бунта. На самом деле решетка железная, но расписана красками и позолочена.
Также к палате примыкают сени с «тайником». Из них царица и ее приближенные, которым не позволялось присутствовать на приемах, могли наблюдать за происходящим.
Колокольня Ивана Великого
В центре Кремля на Соборной площади расположена колокольня «Иван Великий». Она имеет особое значение, поскольку объединяет все храмы Кремля в единый архитектурный ансамбль. История колокольни началась еще в 1329 году, когда при Иване Калите на этом месте была построена каменная церковь в честь Иоанна Лествичника. В 1505 году ее разобрали, а уже через три года итальянский архитектор Бон Фрязин в память об умершем Иване III возвел новую церковь — основу современной колокольни. Кстати, колокольня Ивана Великого — это пример влияния итальянской традиции строительства отдельно стоящих колокольных башен.
Интересно, что после надстройки до высоты 81 метра в 1600 году, колокольня была самым высоким зданием Москвы до начала 18 века.
Постепенно вокруг колокольни появлялись новые здания. Так, в 1532—1552 годах итальянский архитектор Петрок Малый построил церковь, которая после преобразования в 17 веке в звонницу получила название Успенской. В 1624 году Бажен Огурцов дополнил ансамбль Филаретовой пристройкой — звонницей с шатровым верхом.
В 1812 году, когда Москва была захвачена французами, Наполеон приказал снять позолоченный крест, однако его подопечные так и не смогли это сделать, и крест в итоге упал. Интересно, что французам мешала огромная стая ворон, летавшая над крестом. Во время своего отступления войска Наполеона взорвали колокольню, однако ее основание — столп — устоял, а вот звонница и Филаретова пристройка полностью разрушились. Спустя три года их возвели снова.
3 модерн архитектура 20-го века
Архитекту́ра моде́рна (архитектура ар-нуво) — архитектурный стиль, получивший распространение в Европе в 1890-е—1910-е годы в рамках художественного направления модерн. Архитектуру модерна отличает отказ от классических линий и углов в пользу более декоративных (необарочных, неоготических[1], неорусских[2]) линий при использовании новых материалов таких как металл[3], бетон, железобетон[2][4] и стекло[5].
Новые материалы и технологии позволили повысить этажность зданий, увеличить масштаб арок и окон (витрина). «Ярким харизматическим примером модерна» называют металлическую Эйфелеву башню в Париже (1889 год)[6], высота которой достигла 324 метров. В отличие от поздней архитектуры, модерн сохраняет интерес к декору, который уже выражается в плиточной облицовке (майоликовые панно) и кованных металлоконструкциях. Стиль модерн уделяет большое внимание комфорту, снабжая здания лифтами и центральным отоплением. Он отвечал запросам массового, индустриального общества. В этом стиле строились не только церкви и жилые дома, но также вокзалы, мосты[4] и промышленные павильоны.
Особняк Рябушинского"Самый гадкий образец декадентского стиля. Нет ни одной честной линии, ни одного прямого угла. Все испакощено похабными загогулинами, бездарными наглыми кривулями. Лестница, потолки, окна - всюду эта мерзкая пошлятина. Теперь покрашена, залакирована и оттого еще бестыжее", - так писал К. Чуковский в своем дневнике об этом здании.
В действительности же особняк Рябушинского является классическим образцом модерна. Каждый фасад отличается своим неповторимым обликом. По законам стиля, пространство развивается изнутри наружу: планировка интерьеров обуславливает асимметрию внешних стен здания. Здесь преобладают массивный кубический объем, контраст изгибов и строгих линий.
Фриз здания облицован глазурованным кирпичом и мозаикой. Оплывшие формы наружных порталов и крылец вместе с узорами оконных рам и ограды предвещают плавность форм внутреннего пространства.
Интерьеры дома спланированы рационально, внутреннее пространство используется с экономией и расширяется при помощи витражей. Композиция помещений группируется вокруг парадной 12-метровой лестницы-волны.
В декоре использовано множество растительных узоров, изображений насекомых, животных надводного и подводного мира: черепахи, медузы, морские коньки, ракушки и др. Окна вестибюля украшены витражами в виде огромного крыла бабочки, мозаика пола изображает водную зыбь, рельеф лепнины напоминает подернутый ряской пруд с нерасторопной улиткой.
В этом доме С.П. Рябушинский держал знаменитую реставрационную мастерскую икон. В 1917 году
здание ярославского вокзала
Место для расположения станции выбиралось с большим трудом. Предлагалось разместить вокзал у Сухаревой башни, у Крестовской заставы, или вообще его не строить, а отправлять поезда с уже существовавшего вокзала Петербурго-Московской железной дороги. После долгих споров решили строить вокзал на Каланчёвской площади.
Проектирование вокзала было поручено архитектору М.Ю. Левестаму, однако, его проект не одобрило Правление дороги. Окончательный проект вокзала составил архитектор Р.И. Кузьмин. Это было небольшое П-образное изящное двухэтажное здание с башенкой в середине, близкое по архитектуре вокзалу Петербурго-Московской железной дороги. Вокзал был тупикового типа с раздельными платформами для прибытия и отправления поездов. Новая железная дорога, названная Троицкой, была открыта в 1862 году. Для освящения вокзала был приглашён митрополит Филарет, который раньше никогда не видел ни железной дороги, ни поезда. Поэтому специально для него от поезда отцепили паровоз и он совершил несколько манёвров по станции, что крайне заинтересовало митрополита.
С продлением дороги до Ярославля в начале 1870-х годов вокзал был перестроен. Полностью сохранился фасад, выходящий на Каланчёвскую площадь, но были надстроены боковые корпуса, что создало довольно нелепую композицию из небольшого центрального объёма и значительно превышающих его по размерам боковых корпусов.
Здание вокзала включило в себя элементы древнерусской архитектуры, творчески осознанные и переработанные мастером. Высокая, как у древнерусских теремов, кровля, широкий фриз из зелено-коричневой глазурованной плитки, майоликовые вставки с сюжетами по «северным» рисункам Шехтеля, устремленная ввысь боковая левая башня, гигантская входная арка вестибюля с килем-козырьком и полукруглыми башенками по бокам – все эти элементы перетекают друг в друга и создают неповторимый былинно-эпический образ здания. Удачное расположение башен приводит к совершенно разному восприятию здания из разных точек Каланчёвской площади.
здание гостиницы метропольГрандиозное сооружение, в создании которого участвовали Мамонтов, Врубель, Андреев, Коровин, Поленов, Кекушев, пережило пожар, революционный штурм, советскую эпоху и вошло в новый век отелем категории 5 звезд.
После пожара 1812 г. это место долго пустовало. Затем Театральная площадь была организована по проекту О. Бове. В 1838 г. участок на льготных условиях покупает купец П.И. Челышев. До 1898 г. здесь стояли «Челыши»: «Чего-чего не было в этом доме: и трактир, и полпивная, и бани, и закусочная, и мелкие мастерские».
Здание «Метрополя» — грандиозное сооружение: крыша перекрыта стеклянным куполом, плоские светлые стены чередуются со стеклянными эркерами, по первому этажу идут арки, отделанные гранитом. На первый взгляд, отель выбивается из ансамбля площади, но арочные своды фасада продолжаются на здании Малого театра, а башенки на крыше продолжают линию, начатую Третьяковским проездом, и подхватываются Китай-городом и Историческим музеем. По двум главным фасадам тянется лента изумительных по пластике барельефов Андреева «Времена года». Над окнами третьего этажа — мозаичная цитата из Ницше: «Опять старая история: когда выстроишь дом, то замечаешь, что научился кое-чему». Фасады украшают 23 мозаичных панно. Самое большое — «Принцесса Греза» Врубеля — находится по фасаду Театрального проезда. Пять больших панно Головина расположены по углам здания, авторство маленьких панно не установлено. Решетку балкона проектировал М.М. Перетяткович.
В 1901 г., когда внешняя отделка подходила к концу, в «Метрополе» вспыхнул пожар. Барельефы и панно не пострадали, но Мамонтов, бывший тогда под следствием, не мог позволить себе роскошного строительства. Метрополь» спас Кекушев, составивший более дешевый проект. К 1903 г. тут разместился отель, 10 магазинов, 11 залов ресторана под танцевальные вечера, выставки и маскарады, а также двухзальный кинотеатр «Модерн».
«Метрополь» был закрыт на реставрацию с 1986 до 1991 г. Сейчас это пятизвездочный отель.
Дом Мила в Барселоне – творение Антонио Гауди
Дом Мила в Барселоне является одним из шедевров зодчества в столице Каталонии, созданным каталонским архитектором Антонио Гауди в 1906–1910 годах. Это последнее завершенное творение Гауди. После окончания работы он погрузился в строительство Храма Святого Семейства, отказавшись от каких-либо других проектов.
Дом Мила называется так не случайно: он был построен Антонио Гауди по заказу текстильного магната и политика Пере Мила-и-Кампс. По проекту бельэтаж отводился под жилые помещения для семьи заказчика, а остальные этажи предназначались для сдачи в аренду, что было традиционно для того времени.
Финансовое положение Пере Мила заметно пошатнулось в ходе строительства дома. Причина в том, что в итоге здание превысило действующие нормативы по высоте и ширине, и власти Барселоны неоднократно штрафовали заказчика. Строительство дома было закончено уже без Гауди: из-за финансовых разногласий с заказчиком архитектор отказался от руководства проектом в 1909 году, а для получения гонорара был вынужден обратиться в суд.
Фасад Ла Педреры напоминает скалы, омываемые морскими волнами. Кованые элементы балконов похожи на морские водоросли. Волнистые линии, переходящие одна в другую, и игра светотени создают иллюзию постоянного движения. Гауди был глубоко религиозным человеком, поэтому каждое его творение содержит определенную религиозную символику. На верхнем карнизе здания расположены резные бутоны роз с надписями из молитвы «Аве Мария» на латыни.
Внутренний интерьер здания выполнен в традиционном для Гауди стиле. Округлые и эллиптические формы являются характерными элементами оформления. Активно использована настенная живопись на мифологические и религиозные темы
Отдельного внимания заслуживает терраса на крыше дома. Сочетание конических башен и витых колонн причудливой формы, покрытых керамической плиткой, создает непередаваемое впечатление. Считается, что дизайн башен и колонн является предвестником появления абстрактного стиля в архитектуре.
церковь саграда фамилия
В каждой туристической Мекке, куда ежегодно стекаются тысячи любознательных паломников со всего света, есть свое ассоциативное сооружение-визитка. Это самая главная достопримечательность, которая является обязательным must look’ом для каждого иностранного туриста, и без которой уже невозможно представить ту или иную страну или город. Так, только при одном упоминании о Париже моментально всплывает образ Эйфелевой башни, при виде изображения статуи свободы в сознании мигают проблесковым маячком буквы USA, а значок пирамиды Хеопса вполне может заменять собой название Египта на географической карте. Однако, пожалуй, больше ни в одной стране мира нет такой специфической особенности, которая отличает визитку испанского города Барселоны от других всемирно известных сооружений. Речь идет, разумеется, о знаменитом произведении великого архитектора Гауди, о соборе Саграда Фамилия.
Фасад Рождества, большая часть которого создана при жизни Гауди, образован тремя порталами, прославляющими христианские добродетели — Веру, Надежду и Милосердие.
Порталы украшены выполненными в реалистичной манере скульптурами, посвящёнными земной жизни Христа
Веретенообразная форма башен-колоколен, напоминающая песчаные замки, определяется структурой находящихся внутри винтовых лестниц. Каждая башня посвящена своему апостолу, статуи которых помещены в точках изменения формы башен от квадратного к круглому сечению.
В декоре широко использованы тексты литургии, главные врата фасада Страстей украшены цитатами из Библии на нескольких языках.
живописи: Модерн
Модерн в живописи – это сюжеты, наполненные характерными для символизма образами. Их сложный ритм сочетают в линейной композиции с оригинальными декоративными элементами.
Первым и главным признаком данного стиля является специфическая плавность форм. Мы видим вытянутые, растущие в высоту фигуры, с четкими выделенными контурами на одноцветной поверхности. Рассматривая работы известных художников модерна, стоит приглядеться, и вы заметите, что на них нет привычного эффекта глубины. Изображения выглядят плоскими, словно это настенные аппликации.
Изначально, когда модерн в живописи только набирал обороты, его представители использовали экзотические растительные мотивы, причудливые орнаменты и узоры. Не редко в их сплетении на холстах возникали женские фигуры или мистические существа. Это символ, некая аллегория на главную тему картины, например любви, греха, смерти или войны. Важно отметить, что язык стиля формировался долгие годы, во многом не без идей символистов из Франции и России. В каждой стране он именовался по-разному. Это вам и ар нуво, и югендстиль, и сецессион.
Модерн в живописи представлен работами таких культовых личностей как П. Гоген и П. Боннар, Г. Климт и Э. Мунк, М. Врубель и В. Васнецов.
В картинах Климта сочетаются две противоборствующие силы; с одной стороны — это жажда абсолютной свободы в изображении предметов что приводит к игре орнаментальных форм. Эти картины живописца в действительности являются символичными и их надо рассматривать в контексте символизма как выражение недостижимого мира стоящего над временем и реальностью. С другой стороны - это сила восприятия натуры и природы, влияние которой смягчает пышность орнаментальности в картинах австрийского живописца.
Среди наиболее восхитительных работ художника — панно для «Бургтеатра» в Вене (1888), ряд мозаичных фресок во дворце Стокле, богатом частном замке-особняке в Брюсселе. К концу жизни в 1917 году Климт завоевал полное официальное признание, став почетным профессором Венской и Мюнхенской академий изобразительных искусств.
Климт написал большое количество портретов, в основном женских, а также мифологические и аллегорические композиции. Эскизы предметов прикладного искусства и мозаик Густава Климта пользовались огромным успехом, однако созданные художником настенные росписи для венского университета вызвали скандал и были сочтены художественными критиками начала двадцатого века «порнографическими». «Золотой период» творчества австрийского живописца отмечен позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной художником во многих работах с начала двадцатого века. Скончался Густав Климт 6 февраля 1918 года в Вене от инсульта и тяжелой формы пневмонии.
Билет 2
1 искусство первобытного человека
Первобытное (или, иначе, примитивное) искусство территориально охватывает все континенты, кроме Антарктиды, а по времени — всю эпоху существования человека, сохранившись у некоторых народностей, живущих в отдалённых уголках планеты, до наших дней.
Больше всего древнейшей живописи найдено в Европе (от Испании до Урала).
Хорошо сохранилась на стенах пещер - входы оказались наглухо заваленными тысячелетия назад, там поддерживалась одна и та же температура и влажность.
Сохранилась не только настенная живопись, но и другие свидетельства деятельности человека - четкие следы босых ног взрослых и детей на сыром полу некоторых пещер.
Причины зарождения творческой деятельности и функции первобытного искусства Потребность человека в красоте и творчестве.
Верования того времени. Человек изображал тех, кого почитал. Люди того времени верили в магию: они считали, что с помощью картин и других изображений можно воздействовать на природу или исход охоты. Считалось, например, что нужно поразить стрелой или копьём нарисованного зверя, чтобы обеспечить успех настоящей охоты.
Периодизация
Сейчас наука меняет свое мнение о возрасте земли и временные рамки меняются, но мы будем изучать по общепринятым названиям периодов.
1. Каменный век
1.1 Древнекаменный век – Палеолит. … до 10 тыс. до н.э.
1.2 Среднекаменный век – Мезолит. 10 – 6 тыс. до н.э.
1.3 Новокаменный век – Неолит. С 6 – по 2 тыс. до н.э.
2. Эпоха бронзы. 2 тыс. до н.э.
3. Эпоха железа. 1 тыс. до н.э.
Древнейшие наскальные рисунки первобытных людей представляли собой удивительные изображения, которые были, в основном, нарисованы на каменных стенах. Стоит отметить, что вообще, пещерная живопись является уникальной. Сегодня, пожалуй, каждый человек выдел по видео либо фото, что наскальные изображения - это олени, люди со стрелами, мамонты и многое другое. В то время художники не знали такого понятия как композиция. Специалисты утверждают, что звери, которые изображены на скалах либо иных основаниях – священные животные, родоначальники рода, либо один из объектов почитания того или иного племени.
Бытует мнение, что наскальная живопись первобытных людей – это животные, на которых охотились люди того времени. В данном случае эти рисунку выполняли роль магических обрядов, с помощью которых охотники хотели привлечь реальных зверей во время охоты.
Основная часть таких росписей находится в глубинах пещер – местах, которые считались неким святилищем. Если говорить об эпохи Мадлен, то этот период стал достаточно ярким в развитии палеолитического искусства. Большая часть таких находок находится в юго-западной части Франции, в районах Пиренеев, а также в северо-западной части Испании.
Мегалитические сооружения
Мегалиты (от греч. μέγας - "большой", λίθος - "камень"). Они подразделяются на менгиры, дольмены, кромлехи и так называемые крытые аллеи - в зависимости от их архитектуры. Менгиры (бретонск. "высокие камни") - это одиноко стоящие камни до 20 м высотой, которые напоминают столпы или стелы. Дольмен (бретонск. "камень-стол") похож на ворота, сложенные из огромных каменных плит. Кромлех (бретонск. "круг из валунов") представляет собой круг из отдельных вертикально поставленных камней. Иногда кромлехи имеют более сложное строение - составляющие их камни могут быть попарно или по три разом перекрыты сверху горизонтальными плитами, как крышей. В середине круга может быть установлен дольмен или менгир.
дпиИскусство первобытного человека изобилует разнообразными графическими рисунками и силуэтами, яркими живописными изображениями, выполненными минеральными красками, миниатюрными скульптурами, высеченными из камня или искусно вылепленными из глины; а также декоративной резьбой по камню и кости; рельефами и барельефами, причудливым орнаментом.
Если такое искусство существовало в ту пору, то можно с полной уверенностью утверждать достаточно высокий уровень культуры человека каменного века и опровергнуть домыслы о его якобы примитивной «дикости».
Первобытный человек впервые осваивает такие материалы, как кость, камень и глина, затем металл, он делает первые робкие шаги, пытаясь поначалу неумело и слегка грубовато обрабатывать их. Он пробует свои силы и с каждым разом его творчество становится все более красивым и совершенным. Какая несказуемая радость в этих первых попытках приукрасить свой быт, одежду, внешность, сколько искренней неподдельной восторженности скрыто в этих первых творениях первобытного искусства! Представим себе, как создавались эти маленькие шедевры: наскальные росписи, фигурки древних богинь, янтарные бусины и подвески, сколько в них вложено кропотливого труда, терпения и любви к своему творению.
2 портрет в русской живописи
Никитин
Русский живописец-портретист Иван Никитич Никитин родился, приблизительно в 1690 и скончался не ранее 1742 года. Считается основателем русской портретной школы 18 века.
Имеется всего три подписанных работы Никитина, вместе с теми, что ему приписываются, всего около десяти. Ранние работы ещё содержат следы парсуны, бывшей единственным стилем портрета в России в XVII веке. Никитин является одним из первых (часто называется первым) русских художников, отошедших от традиционного иконописного стиля русской живописи и начавших писать картины с перспективой, так, как в это время писали в Европе. Тем самым он является основателем традиции русской живописи, продолжающейся до настоящего времени.
Все произведения, где авторство Никитина несомненно, являются портретами.
Список известных произведений Ивана Никитича Никитина:
Портрет казака в красном кафтане, 1715
Царевна Наталья Алексеевна, 1716
Портрет Петра Первого, 1725,.
Портрет Анны Петровны,.Портрет С. П. Строгонова
Матве́евMатвеев Андрей — русский художник-портретист, один из основоположников русской светской живописи, мастер монументально-декоративного искусства, первый русский заграничный пенсионер, получивший полное академическое образование,
Наиболее известная работа Матвеева — «Автопортрет с женой[3созданный в 1729 году.Помимо росписей соборов, церквей и императорских дворцов, Матвеев писал аллегорические картины и замечательные портреты, на которых изображены: император Петр I, князь Иван Алексеевич Голицын и его супруга Анастасия Петровна Голицына, русский врач итальянского происхождения Анаретти и другие сановные лица. Замечательный русский художник рано ушел из жизни, Андрей Матвеевич Матвеев умер в 1739 году в Петербурге.
антроповВыдающийся живописец-портретист. Участвовал в декоративных росписях Зимнего и других дворцов в Петербурге. Писал портреты венценосных особ. Занимался также церковной живописью. Творчество Антропова - важный этап в развитии русской живописи
Произведения
Портрет А. М. Измайловой (1759, ГТГ)
Портрет М. А. Румянцевой (1764, ГРМ)
Портрет Екатерины II (1766, Областная картинная галерея, Тверь)
Портрет архиепископа Сильвестра Кулябки (1760, ГРМ)
Портрет Петра III (1762, ГРМ)
Портрет атамана Ф. И. Краснощёкова (1761, ГРМ)
Портрет А. М. Голицына из экспозиции Музея искусств Узбекистана
Портрет княгини Татьяны Алексеевны Трубецкой (1761, ГТГ)
Боравиковский.
В его творчестве преобладает камерный портрет. В женских образах В. Л. Боровиковский воплощает идеал красоты своей эпохи. На двойном портрете «Лизонька и Дашенька» (1794) портретист с любовью и трепетным вниманием запечатлел горничных семьи Львовых: мягкие локоны волос, белизна лиц, лёгкий румянец.
Художник тонко передаёт внутренний мир изображаемых им людей. В камерном сентиментальном портрете, имеющем определённую ограниченность эмоционального выражения, мастер способен передать многообразие сокровенных чувств и переживаний изображаемых моделей. Примером тому может послужить выполненный в 1799 году «Портрет Е. А. Нарышкиной».
Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет Е. Н. Арсеньевой, 1796). В 1795 году В. Л. Боровиковский пишет «Портрет торжковской крестьянки Христиньи», отзвуки этой работы мы найдём в творчестве ученика мастера — А. Г. Венецианова.
(портреты А. А. Долгорукова, 1811, М. И. Долгорукой, 1811, и др.).
В. Л. Боровиковский — автор ряда парадных портретов. Наиболее известными из них являются «Портрет Павла I в белом далматике», «Портрет князя А. Б. Куракина, вице-канцлера» (1801—1802). Парадные портреты Боровиковского наиболее ярко демонстрируют совершенное владение художником кистью в передаче фактуры материала: мягкость бархата, блеск золочёных и атласных одеяний, сияние драгоценных камней.
Боровиковский также является признанным мастером портретной миниатюры. В коллекции портреты А. А. Менеласа, В. В. Капниста, Н. И. Львовой и другие. В качестве основы для своих миниатюр художник часто использовал жесть.
И. Я. Вишняков
Под его наблюдением украшались росписями многие дворцы Петербурга и его пригородов, церкви, триумфальные ворота. И. Я. Вишняков и работавшие под его руководством ученики (наиболее известны А. П. Антропов, И. И. и А. И. Бельские, И. И. Вишняков, И. Скородумов, И. Фирсов и др.) расписывали Зимний и Петергофский, частично Летний и Аничков дворцы, церковь Зимнего дворца и некоторые другие здания.
И. Я. Вишняков писал также портреты и иконы, реставрировал картины, производил экспертизу произведений русских и иностранных мастеров (в том числе Ж. Б. Лепренса и С. Торелли).
Среди наиболее известных работ И. Я. Вишнякова — портреты Сарры Элеоноры и Вильгельма Георга Фермор (1750-е, Русский музей, Санкт-Петербург), портрет императрицы Елизаветы Петровны (1743, Третьяковская галерея, Москва). Несмотря на соблюдение условностей придворного искусства, застылость и плоскостность фигур, в них проявляется поэтичное и безыскусственное восприятие художником натуры.
Две единственные подписные работы И. Я. Вишнякова — портреты Николая Ивановича и Ксении Ивановны Тишининых
Рокотов Федор Степанович (1735? — 1808), художник, один из лучших русских портретистов “века Просвещения”.
Желающих заказать портрет много, поэтому приходится ждать своей очереди. Иметь портрет, написанный Рокотовым, было престижно
В начале своей творческой деятельности, несмотря на молодость, он пользовался широкой популярностью в кругах петербургской знати. Его часто приглашали ко двору. В 1758 г. он писал портрет великого князя Петра Федоровича (будущего Петра IIIПортрет А.П. Струйской. 1772
Портрет В.Е. Новосильцевой. 1780
Портрет графа А.И. Воронцова. Около 1765
Портрет графа Г.Г. Орлова в латах. 1762-1763
Портрет неизвестного в треуголке
3 импресеонизмИмпрессионизм (Impressionism, франц. impression - впечатление) — это направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. и во многом определившее развитие искусства 19 века. Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуар и Сислей, и вклад каждого из них в его развитие уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить "впечатление" от того, что глаз видит в конкретный момент.
Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своём творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар - очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.
Импрессионисты не стремились к затрагиванию острых социальных проблем, философии или эпатажу в творчестве, сосредотачиваясь только на различных способах выражения впечатления окружающей повседневности. Стремясь "увидеть мгновение" и отразить настроение.
Название "Импрессионизм" возникло после выставки 1874 г. в Париже, на которой экспонировалась картина Моне "Впечатление. Восходящее солнце" (1872 г.; картина в 1985 г. украдена из музея Мармоттан в Париже и сегодня числится в списках Интерпола).
МАНЕ Эдуард (1832-1883) - французский живописец и график, один из ярчайших художников, положивших начало импрессионизму.
Э.Мане резко выступал против академических форм творчества, но на протяжении почти всей своей жизни он испытывал глубокое уважение к традициям некоторых великих мастеров, непосредственное или опосредованное влияние которых проявляется во многих его произведениях ("Балкон", 1868-1869, Музей Орсэ, Париж; "За кружкой пива", 1873, Собрание К.Тисен, Филадельфия).
Характер его живописи во многом определяется опытом его предшественников: великих испанцев Веласкеса и Ф.Гойи, знаменитого голландского мастера Ф.Хальса, французских живописцев О.Домье и Г.Курбе, но также и стремлением перешагнуть за существующие традиции и создать новое, современное, отражающее окружающий мир искусство. Первым шагом на этом пути явились две картины, прозвучавшие как вызов официальному искусству: "Завтрак на траве" (1863, Музей Орсэ, Париж) и "Олимпия" (1863, Музей Орсэ, Париж). После их написания художник подвергся жестокой критике со стороны публики и прессы, на его защиту встала лишь небольшая группа художников, среди которых были К.Моне, Э.Дега, П.Сезанн и дрК.Моне начал свою творческую деятельность еще в юном возрасте с написания смешных карикатур, которые он выставлял в витрине гаврского окантовщика, а первые уроки живописи получил у пейзажиста Э.Будена, скитаясь с ним по побережью и постигая приемы работы на открытом воздухе.
Первой значительной работой, подводящей итоги творческих поисков этого периода, стал для К.Моне "Завтрак на траве" (1865-1866), написанный им вслед за одноименной программной работой Э.Мане. Сама работа до нас не дошла: художник оставил ее в счет уплаты за жилье в деревушке Шайи, в окрестностях которой он работал. Но сохранилась ее уменьшенная копия, позволяющая составить общее представление о картине. Сюжет картины прост: на опушке леса расположились несколько мужчин и нарядно одетых женщин. Сочная темно-зеленая гамма с вкраплениями коричневого и черного напоминает традиции художников барбизонской школы, но в отличие от их сгущающегося сумрака и движений "влажной" живописной атмосферы, возникающих из нюансов тонального письма, полотно наполнено прозрачным, восхитительным в своей обыденности и реальности воздухом.
"Лягушатник"
"Сирень на солнце"
"Бульвар Капуцинок"
"Впечатление, Восход солнца".
Пьер Огюст Ренуар, знаменитый живописец и скульптор, родился в 1841 году на юге Франции, в небогатой многодетной семье. С ранних лет мальчик проявлял удивительные способности в живописи. С детства он зарабатывал деньги для семьи, раскрашивая фарфоровую посуду, а по вечерам посещал художественную школу.
Снискав славу как талантливый импрессионист, Ренуар в середине 1890-х годов вступает в новый этап своей жизни. Его давняя любовница Лиза Трео выходит замуж и оставляет художника. Он постепенно теряет интерес к импрессионизму, все чаще возвращаясь в своих произведениях к классике
Портрет актрисы жанны самориДевушки в черномЗонтики
Собирание цветов
роденПочему же творчество молодого скульптора Родена вызвало такое недоброжелательное отношение? Все дело в том, что образ, созданный им, и сами приемы обработки скульптуры резко отличались от всех привычных, традиционных норм и правил.
Современники Родена, как правило, обращались к аллегорическим и мифологическим образам. Античное представление о гармонии и красоте давно уже утратило для них свою жизненную выразительность, превратившись лишь в определенные каноны.
Скульптура, которую одобряла Академия, не обладала выразительностью и богатством пластики, разнообразием форм. Ей были свойственны черты отвлеченности, сухости и холодности, внутренней неподвижности. Преобладал тип парадного портрета, внешне эффектного, но лишенного истинной глубины в раскрытии характера человека.
«Мыслитель»
Портрет Виктора Гюго
«Граждане города Кале»
Сера
В историю живописи Ж.Сёра вошел как один из создателей нового художественного метода, основанного на законах спектрального анализа. Сёра отказался от смешения красок и использовал точечные мазки чистого цвета, располагая их рядом друг с другом. В глазах зрителей, находящихся на некотором расстоянии от картины, мазки сливались, образуя яркое красочное полотно. С оптической точки зрения Ж.Сёра изучил возможности красок для создания более темных или более светлых оттенков. Причем главным в его экспериментах было не соответствие полученной гаммы естественным краскам природы, а достигаемый их игрой особый декоративный эффект ("Остров Гранд-Жатт", 1884, частное собрание, Нью-Йорк; "Сена в Курбевуа", 1885, частное собрание, Париж; "В Онфлёре", 1886, Национальная галерея,"Сена в Курбевуа"
"Натурщицы"
."Воскресная прогулка на острове Гранд Жатт"
"Остров Гранд Жатт".
"Парад"
СиньякГлавное место среди пейзажных работ П.Синьяка занимают марины с изображением средиземноморского побережья Франции.
Работу в мастерской П.Синьяк предпочитал работе на открытом воздухе, считая, что техника масляной живописи мало подходит для пленэра, поэтому его акварели, выполненные на натуре, темпераментнее и живее его картин.
П.Синьяк всегда стоит на земле и отсюда воспринимает все происходящее, поэтому природа на его полотнах более обыденная, а потому более близкая и знакомая ("Пинии и паруса", 1896, частное собрание; "Песчаный берег моря", 1890, ГМИИ, Москва; "Лодки на солнце", 1891, частное собрание; "Красный буй", 1895, Музей Орсэ, Париж; "Сен-Тропез", 1897, Музей Аннонсиад, Сен-Тропез; "Порт Роттердама", 1907, Музей Бойманс-ван Бейнинген, Роттердам; "Марсельский порт", 1907, Эрмитаж, Санкт-Петербург; "Сосна в Сен- Тропезе", 1909, ГМИИ, Москва).
3 билет
1 византийское искусство
Особенности мира византийского искусства
История развития Империи Ромеев представляет собой движение от заимствованных культурных форм Востока и Запада к достижению собственной идентичности.
Доминирующим фактором формирования эстетики государства было христианство. Религия воспринималась как центровая ось развития не только искусства, но и политического устройства.
Если говорить об особенностях кратко, Византийской культуре были свойственны:
-зрелищность и спиритуализм;
-эклектизм стилей и направлений;
-сакральность и культовость.
Базилика
В Древнем Риме базилики служили судебными залами, рынками, биржами и пр. В дальнейшем базилика стала одним из основных типов христианских храмов, получив широкое распространение в византийской, сирийской, романской и готической архитектуре; применялась также в архитектуре Возрождения и барокко.

Базилика. План: 1 – центральный неф; 2 – боковые нефы; 3 – трансепт; 4 – средокрестие; 5 – пресбитерий; 6 – апсида (хор)
Живопись / Искусство Византии
Техника иконописи
В монументальной живописи господствовала мозаика, позднее, во времена заката империи, вытесненная фреской.
Техника станковой живописи была такова:
На доску (в Византии - кипарисовую, на Руси - сосновую или липовую) или холст ("поволока") наносили слой белого шлифованного грунта из гипса и мела ("левкас"), в XIII-XIV веках часто покрываемый золотом. Затем наносили контуры рисунка и красочный слой (энкаустика, темпера). Поверх красочного слоя наносили защитный слой (закрепитель) - олифу, лак. Обрамление иконы - Оклад - выполняли из дерева, золота, серебра, украшали драгоценными камнями.
Пропорции фигур
Известные с античных времен пропорции человеческого тела сознательно нарушаются. Фигуры устремляются вверх, становятся выше, тоньше, плечи сужаются, пальцы рук и ногти удлиняются. Все тело, кроме лица и рук, скрывается под складками одежды.
Тип лица и выражение
Овал лица удлиняется, лоб пишется высоким, нос и рот - мелкими (нос - с горбинкой), глаза - большими, миндалевидными. Взгляд - строгий и отрешенный, святые смотрят мимо зрителя или сквозь него.
Внешность и поза
Внешность всех святых, одежда, в которой их следует писать, позы, которые они могут принимать, строго определены. Так, апостола Иоанна Златоуста следует изображать русым и с короткой бородой, а Святого Василия - темноволосым с длинной заостренной бородой.
"Уплощение", игнорирование линейной перспективы
Кресто́во-ку́польный храм (в литературе также встречается вариант написания «крестовокупольный») — архитектурный тип христианского храма, сформировавшийся в Византии и в странах христианского Востока в V—VIII веках. Стал господствующим в архитектуре Византии с IX века и был принят христианскими странами православного исповедания в качестве основной формы храма. В классическом варианте представляет собой прямоугольный объём, центр которого разделен четырьмя столбами на девять ячеек. Перекрытием служат крестообразно расположенные цилиндрические своды, а над центральной ячейкой, на подпружных арках, возвышается барабан с куполом.
Центрические постройки Палестины IV века, возведенные при Константине Великом на местах земной жизни Иисуса Христа представляли собой простые ротонды или октагоны (восьмигранники) без апсиды и дополнительных пристроек. Со временем у них появилась апсида, функция которой первоначально не обязательно совпадала с алтарем храма. В апсиде могли совершать начальную часть литургии с чтением Евангелия, а Евхаристия совершалась в центре здания под куполом[2]. Со временем ротонды дополнялись пристройками, например, помещениями для паломников, посещавших святые для христиан места.
ДПИ
Декоративно-прикладное, как и все другое искусство Восточно-Римской империи, иначе Византии, характер­изуется монотеистической направленностью. Христианство стало «культурным» лицом государства.
Орнамент. Не меньший интерес представляет и восточ­но-римский орнамент. В византийском орнаменте присутст­вует сложнейший, многогранный, во многом эклектичный художественный мир, сформировавшийся в результате слож­ных взаимодействий наследия разлагающейся римской куль­туры и греческого эллинизма, индо-персидских влияний и позднее — арабо-мусульманского мира. Среди них самый из­вестный — мотив виноградной лозы. Характерен для визан­тийской орнаментики мотив драгоценного камня, являющий­ся изобразительной имитацией натуральных камней. Орна­ментальные композиции строятся на принципе простого пересечения горизонтальных и вертикальных линий, диаго­налей, сеток. Византийская культура как бы подготавливала почву для будущей истории орнаментики христианского мира. Это и простейшие формулы свастик, меандров, спира­лей, пальметт, и композиции, построенные на сочетании круг — крест — квадрат.
Также, благодаря греческому влиянию, широко распро­страняется искусство резьбы по камню. Известны превосход­ные камеи на поделочных камнях, выполненные византий­скими резчиками.
Металл. Византийских ювелирных украшений сохрани­лось относительно немного, в основном это серьги, перстни, браслеты, ожерелья. В их декоре часто использовали драго­ценные камни, жемчуг, эмали и чернь. Гравированный орнамент из геометрически стилизо­ванных мотивов виноградных лоз становится более рельеф­ным и сочным, со множеством светотеневых и цветовых эф­фектов.
Византийское ювелирное искусство славилось своими распятиями, чеканными литургическими сосудами, окладами и другими предметами культа, которые часто украшались тончайшей перегородчатой эмалью. В работах византийских ювелиров широкое распространение получило сочетание зо­лота или позолоченного серебра с алмазами, бирюзой, руби­нами, изумрудами, жемчугом. Среди культовых ювелирных изделий главную роль играют золотые овальные медальоны — энкол- пионы, служившие для хранения реликвий, для обозрения которых в корпусе делалось специальное «оконце». Такие реликварии с изображением Богоматери или Иисуса Христа но­сили епископы
Мозаика Рассказать об искусстве византийской мозаики в рамках общей статьи невозможно. Многообразные техники, стили – мастера совершенствовали свои навыки под влиянием развития церковного зодчества. Уникальные орнаментальные или натуралистические картины украшали фасады светских и религиозных сооружений. Многие из них были уничтожены во время крестовых походов, османского завоевания или войн последнего столетия. К XI в. сложился уникальный стиль византийской мозаики – смальта. Это особый материал для прикладного искусства, представлявший собой стекло, покрытое тонким слоем золота. Когда в вечерних сумерках зажигали свечи, выполненные в такой технологии святые, сияли, создавая смиренную и одухотворенную атмосферу во время проведения служб.
Собор Святой Софии в Константинополе
 Здесь использовались поделочный камень, золото, серебро, жемчуг, драгоценные камни, слоновая кость.
В плане собор представляет собой продолговатый четырёхугольник (75,6×68,4 м), образующий три нефа: средний — широкий, боковые — более узкие. Это базилика с четырёхугольным средокрестием, увенчанным куполом. Гигантская купольная система собора стала шедевром архитектурной мысли своего времени. Прочность стен храма достигается, по мнению турецких исследователей, за счёт добавления в строительный раствор экстракта листьев ясеня[31].
Подкупольное пространство с северной и южной сторон сообщается с боковыми нефами с помощью арок, поддерживаемых порфировыми и малахитовыми колоннами, вывезенными их храмов Малой Азии и Египта[32]; под этими арками идёт ещё по ярусу подобных же арок, которыми открываются в подкупольное пространство устроенные в боковых нефах галереи гинекея, а ещё выше — громадные арки, поддерживающие купол, заделаны прямой стеной с окнами, расположенными в три ряда. Кроме этих окон, внутренности храма дают обильное, хотя и несколько рассеянное освещение 40 окон, опоясывающих основание купола, и по пяти окон в больших и малых нишах.

Базилика Сан-Витале (итал. Basilica di San Vitale) — раннехристианская базилика[1] в Равенне (Италия),
Базилика построена в форме восьмиугольного мартирия византийского типа, близкого по архитектуре к церкви Сергия и Вакха в Константинополе.[5] Наружные стены не имеют каких либо декоративных элементов и расчленены вертикальными и горизонтальными контрфорсами. Здание увенчано гранёным барабаном купола. Архитектура Сан-Витале сочетает элементы классического римского зодчества (купол, порталы, ступенчатые башни) с византийскими веяниями (трёхлопастная апсида, узкая форма кирпичей, трапециевидные капители, пульван и т. д.). Низ внутренних стен базилики облицован мрамором, наборный пол храма украшен геометрическим орнаментом.
3 билет 2 вопрос
Искусство русского классицизма
Русский классицизм — стиль в искусстве, возникший в России в процессе европеизации при Екатерине II, и распространённый во второй половине XVIII — первой половине XIX веков.
Классицизм возникает и развивается под воздействием просветительских прогрессивных тенденций общественной мысли. Господствующими становятся идеи патриотизма и гражданственности, создания «нового отечества», внесословной ценности человеческой личности. В античности, особенности классической эпохе Древней Греции находят пример идеального государственного устройства и гармоничных соотношений человека с природой. Античность (известная по памятникам литературы, скульптуры и архитектуры) воспринимается как благодатная эпоха свободного развития личности, духовного и физического совершенства человека, идеальной порой человеческой истории без общественных противоречий и социальных конфликтов.
Временные рамки господства стиля в России — 1760—1830-е гг., от времени раннего екатерининского правления до первого десятилетия царствования Николая I. В рамках классицизма существовало несколько фаз.
-Ранний классицизм (1760-е — 1-я пол. 1780-х годов), когда еще не до конца изжиты признаки барокко и рококо
-Зрелый классицизм, строгий классицизм (1780-е — 1790-е годы) — почти декларативное неприятие любых неклассических тенденций, принципиальное тяготение к антикизации-Высокий классицизм, поздний классицизм, русский ампир (1-я треть XIX века) — чувствуется влияние романтизма, окрепшего в живописи и графике.
Здание Академии художеств.
Здание окрашено в светло-песочные тона, не считая элементов ордера и декора, которые по традиции сделаны более светлыми. Главный фасад имеет трехосевую композицию с четырехколонными портиками в центре и по краям. Центральный вход расположен в центральном портике, между сдвоенными колоннами которого стоят статуи Геракла и Флоры — копии античных оригиналов. Они не связаны напрямую со стеной, но тем не менее хорошо сочетаются с архитектурой благодаря обрамляющим их колоннам. Над фигурами в третьем этаже также введена скульптура, но уже в форме барельефов, изображающих подвешенные на лентах предметы – палитры, мольберты и т.д. Центральная ось здания подчеркнута также куполом со скульптурной группой «Минерва, коронующая художества и науки»
Строгость главному фасаду Академии придают тосканские колонны, объединяющие два верхних этажа (так называемый большой ордер), но этажи зрительно не сливаются, их разделяет узкая декоративная полоса; к тому же, верхний этаж более высокий, чем нижний. Ряд пилястр также придает строгость облику здания; между базами пилястр тянется невысокая балюстрада. Следует отметить, что ордерные элементы в здании Академии выявляют архитектоническую основу здания, подчеркивают членение по этажам. Венчает композицию сильно выступающий карниз. Аналогична, но более сдержана композиция фасада, выходящего в сад. Предельно просто решены фасады вдоль 3-й и 4-й линий
Трехэтажные учебные корпуса расположены по сторонам прямоугольника; в центр этой композиции вписан кольцеобразный безордерный корпус (так называемый «циркуль»), ограничивающий круглый двор диаметром 55 метров.
Здание Академии художеств стало первым в Петербурге, построенном в стиле классицизма
Мраморный дворец — первое здание в Петербурге, фасады которого облицованы естественным камнем. Архитектор А. Ринальди при строительстве использовал различные сорта мрамора, особенно эффектно смотрелся розово-красный тивдийский камень, но от времени он потускнел. Аттик главного входа украшен скульптурами Ф. И. Шубина.
Парадный двор с юга и со стороны Невы ограничен кованой решеткой на гранитных столбах с мраморными вазами. Ограда соединяет дворец со служебным флигелем, построенным архитектором П. Е. Егоровым в 1780—1787 гг. Флигель перестраивался архитектором А. П. Брюлловым в 1844—1847 гг. Со стороны двора служебный флигель украшен рельефным фризом «Служение лошади человеку» П.К.Клодта. Сейчас в бывшем служебном флигеле размещается Северо-Западный государственный заочный технический университет (ул. Миллионная, д.5).
Мрамор использовался и для внутренней отделки дворц]. Один из красивейших интерьеров — Мраморный зал
Парадная лестница Мраморного дворца выполнена по проекту Ринальди из мрамора серо-серебристых оттенков
Большой Кремлёвский дворец Баженова — нереализованный проект строительства дворца в Московском Кремле. Проект разрабатывался архитектором В. И. Баженовым, который представил план грандиозного дворца в южной части Боровицкого холма. В 1771-1773 шла подготовка к строительству и начало строительства, которое было прекращено после просадки грунта возле Архангельского собора, что создало угрозу сохранности древнего сооружения. Отголоском этого нереализованного проекта явился Сенатский дворец, построенный по проекту ученика Баженова — М. Ф. Казакова. В конце концов все что они там пытались построить разволилось и они поняли, что все говно и больше не будем строить такие болшие здания. Снесли все и успокоились.
СЕНАТСКИЙ ДВОРЕЦ — здание на территории Московского Кремля, построенное по проекту русского архитектора Матвея Казакова в 1776—1787 годах. Дворец выполнен по заказу императрицы Екатерины Великой в характерном для того времени классическом стиле. По первоначальному замыслу здание должно было служить резиденцией высшего органа государственной власти Российской империи
при Советской власти во дворце находился кабинет В. И. Ленина, позднее он становится зданием Правительства СССР. В настоящее время Сенатский дворец является рабочей резиденцией Президента Российской Федерации
СОЗДАНИЕ АНСАМБЛЯ СТРЕЛКИ ВАСИЛЬЕВСКОГО ОСТРОВА По-прежнему центром города оставалась Нева с ее набережными, уже одетыми в гранит, парадной торжественностью зданий на берегах. При этом каждый, кто любовался городом, с невской набережной, отмечал недостаточное благоустройство восточной части Васильевского острова, так называемой Стрелки, делившей Неву на два рукава и находившейся в самом центре живописной невской панорамы. Здесь по-прежнему был порт, одно из самых оживленных мест города, здесь по проекту архитектора Кваренги начали строить здание Биржи, но строительство затянулось, и Биржа так и стояла без кровли. строительство нужно было завершить
Томон сумел тонко почувствовать неповторимую красоту северной столицы и создать ансамбль, который подчеркнул эту красоту. По его предложению незавершенную постройку Кваренги полностью разобрали, новое же здание Биржи решено было строить в самом центре Стрелки, ориентируя его на водораздел Невы.
На фоне полуциркульных окон его восточного и западного фасадов установили скульптурные группы - "Нептун с двумя реками" с восточной стороны, навстречу течению Невы, и "Навигация с Меркурием и рекой" с западной.
ЗДАНИЕ АДМИРАЛТЕЙСТВА
Адмиралтейство было кораблестроительной верфью Петербурга - главного центра мореплавания и строительства судов в России. Первое здание Адмиралтейства было заложено практически сразу после основания города располагались в виде буквы "П" вокруг открытого к Неве обширного двора
В начале XIX века появилась необходимость перестройки старого здания Адмиралтейства. Это задание было поручено А.Д. Захарову. Архитектор превратил Адмиралтейство в главный ансамбль Петербурга, символ его славы и градостроительный узел, превосходящий по своему значению даже Казанский собор и Биржу.
Центральный фасад разбит на три части. В середине - мощный куб с прорезанной в нём аркой. Над кубом, постепенно облегчаясь, следуют другие объёмы, завершающиеся шпилем. По сторонам центрального объёма - крылья главного фасада, каждое их которых имеет три колонных портика. Боковые фасады-крылья выходят к Неве и завершаются двумя одинаковыми павильонами
ВОРОНИХИН КАЗАНСКИЙ СОБОР
По воле императора Павла I А.Воронихин при строительстве Казанского собора в качестве архитектурного прототипа использовал собор Св. Петра в Риме, но о знаменитом прообразе напоминает лишь мотив полукруглой колоннады перед зданием собора, в остальном Воронихин создал самостоятельное архитектурное сооружение, гармонично вошедшее в застройку Невского проспекта.
Полукруглая колоннада, украсившая северный фасад храма, обращенный в сторону проспекта, очерчивает небольшую площадь. Колоннаду образуют 95 колонн, а справа и слева она завершается монументальными порталами. У колоннады есть и особое назначение, она закрывает основное тело храма.
По православным канонам собор ориентирован с Запада на Восток, но такое, же направление имеет Невский проспект, таким образом, главный вход в Казанский собор находится не со стороны проспекта, а со стороны Казанской улицы. В плане собор имеет форму латинского креста, над средокрестием возносится грандиозный купол на высоком барабане
МОНФЕРАН ИСААКИЕВСКИЙ СОБОР
Исаакиевского собора, который уже 150 лет остается самым большим и красивым храмом Петербурга, одним из главных символов города, весьма драматичная судьба его строили четыре раза.
Первый, деревянный, возвели в 1707 году, еще при царе Петре I. Первый, деревянный, возвели в 1707 году, еще при царе Петре I.
В конце своего царствования императрица Екатерина II взялась возродить собор, однако ставить его было решено на новом месте, за спиной знаменитого "Медного всадника", памятника Петру. В 1816 году во время богослужения с потолка храма рухнул огромный кусок штукатурки, вызвав ужас среди верующих . нужен был ремонт, Александр I, предпочел решить проблему кардинально и его решили нахрен перестроить.
Монферран принял неординарное архитектурное решение: установить колонны до возведения стен. Когда все уже двигалось к финалу, на крышу был поднят огромный сферический купол диаметром 22 метра. Его медную обшивку трижды заливали расплавленным золотом. На куполе был водружен крест внушительных размеров расставив по углам здания башни с куполами
АНСАМБЛЬ ТЕАТРАЛЬНОЙ ПЛОЩАДИ В МОСКВЕ (БОВЕ)
До 1820 года местность в центре Москвы, где теперь находится Театральная площадь, была изрезана оврагами и непроходима из-за топких берегов реки Неглинной. По решению комиссии Неглинную заключили в подземную трубу, овраги и русло реки засыпали, землю осушили. Группа архитекторов и инженеров под руководством О.И. Бове приступила к планировке площади и строительству зданий вокруг неё.
С севера площади в 1821-1824 годах О.И. Бове возвел здание Большого театра
Театральная площадь была архитектурным ансамблем, в котором все было должным образом придумано и рассчитано. Так, чтобы добиться соразмерности возводимого Большого театра и площади, пришлось изменить размеры театра. Чтобы высота здания соответствовала размерам площади, Бове построил его на 3 метра ниже, чем следовало по проекту А. Михайлова, изменил пропорции аттика, выдвинул вперед квадригу Аполлона. Созданная архитектором и его помощниками Театральная площадь, безусловно, была лучшим ансамблем московского классицизма. Недаром современник строительства площади записал: "Много знаменитых городов европейских хвалятся площадями своими, но мы, русские, теперь можем сею перед всеми гордиться".
3 билет. 3 вопрос.
Английская живопись.
Среди английских художников первой половины XVIII века наиболее яркой и самобытной фигурой был Уильям Хогарт (1697-1764) - английский график и художник-жанрист, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, Хогарт – выдающийся иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Прославился сатирическими рисунками и реалистическими портретами. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.
Самые знаменитые произведения Уильяма Хогарта: серии гравюр «Модный брак», «Карьера проститутки», «Карьера мота», «Выборы в парламент», гравюры «Улица пива», «Переулок джина», «Характеры и карикатуры», картины «Автопортрет», «Портрет капитана Корема», «Девушка с креветками».Художником, как бы обобщившим в своем искусстве все прогрессивные устремления своего времени, явился Джон Констебль (1776-1837), которого по праву называют отцом реалистического пейзажа XIX века. Отбрасывая традиционные нормы и образы, Констебль с первых шагов выступает как последовательный реалист, стремящийся сочетать живость непосредственного впечатления с глубоким изучением природы.
Свои картины, простые по мотивам, естественные и вместе с тем величественные по композиции, полные ощущения гармонического единства природы, Констебл писал на основе исполненных им на открытом воздухе этюдов, смелыми беспокойными мазками воссоздавая свежесть и живую динамику красок, градации света, изменчивое состояние световоздушной среды (“Мельница в Флэтфорде”, “Телега для сена”, “Собор в Солсбери из сада епископа”, 1823, “Детхэмская долина”, 1828,).В искусстве Томаса Гейнсборо (1727-1787), величайшего английского живописца XVIII века, пейзаж и портрет играют одинаковую роль. Подобно Хогарту, этому наиболее самобытному английскому гению, Гейнсборо был, в сущности, самоучкой и так же как Хогарт никогда не покидал пределов Англии. Его ранние интимно-реалистические пейзажи, вроде «Вида на Дедэм» в своем исполнении еще несут в себе следы влияние голландских художников, однако они подкупают искренностью и правдивостью в передаче простой сельской природе.
Гейнсборо всё чаще пишет большие портреты в рост. В которых явно сказывается влияние Ван Дейка.
Один за другим создает Гейнсборо свои шедевры: «Мисс Робинсон в роли Пердитты». «Утреннюю прогулку», «Сара Сиддонс», «Миссис Ширидан» и многие другие.
4 билет 1 вопрос
Общая характеристика Романского стиля Для романского стиля характерна массивность, строгость и отсутствие излишеств, а также суровость внешнего облика. Романская архитектура знаменита тяжеловесными замками и храмами, скорее напоминающие неприступную крепость в духе Средневековья. В романском стиле доминируют мощные стены, массивные полукруглые двери, толстые колонны, кресто- или бочкообразные своды, полукруглые или круглые окна. Пол – мрамор, плитка с рисунком. Зеркала – шифоновая бронза. Стены – венецианская штукатурка. Роспись (религиозные мотивы) .Характерные черты искусства
Помимо архитектуры романский период в искусстве характеризовался очень энергичным стилем, как в скульптуре, так и в живописи. Живопись продолжала по существу следовать византийским иконографическим традициям по наиболее распространенной церковной тематике вета красок в большинстве случаев очень выразительны, по большей части они сохранились в первозданном виде, хотя в настоящее время остались яркими только в витражах и в некоторых хорошо сохранившихся рукописях. Именно в этот период стали широко использоваться витражи, но их сохранность оставляет желать лучшего.
отведённое пространство втиснуть заглавные буквы-рисунки, капители колонн, а также церковные тимпаны. Это сковывание тесных рамок, из которых иногда выскальзывает композиция, является постоянным лейтмотивом в романском искусстве. Фигуры по-прежнему часто меняются в размерах в зависимости от их важности, а пейзажи, если их вообще пытались вставить, были ближе к абстрактному украшению, чем к реальности, как, например, деревья на «странице Моргана» из Винчестерской Библии. Портретной живописи в то время вообще ещё не существовало.
Особенности архитектуры романского собора:
В основе плана — раннехристианская базилика, то есть продольная организация пространства
Увеличение хора или восточной алтарной части храма
Увеличение высоты храма
Замена в крупнейших соборах кессонного (кассетного) потолка каменными сводами. Своды были нескольких видов: коробовые, крестовые, часто цилиндрические, плоские по балкам (характерно для итальянской Романской архитектуры).
Тяжёлые своды требовали мощных стен и колонн.
Основной мотив интерьера — полуциркульные арки
Своды по конструкции делятся на:
цилиндрические – имеют простую форму и легкое исполнение, но большой вес, поэтому должны опираться на толстые стены;
крестовые – в виде пересечения двух полуцилиндров, использовался над квадратными помещениями, в них нагрузки равномерно распределялись по ребрам, а через них по угловым опорам помещения.
Капитель с фигурами на верхуКроме толстых стен, которые могли выдерживать нагрузки от высоких тяжелых сводов, в романском стиле использовались специальные колонны — составной пилон – к основной колонне добавлялись две полуколонны, на которые опирались арки.
Колонны тоже имеют свои особенности: появились маленькие колоннеты для декоративной отделки оконных и дверных проемов, зубчатые капители — широкие с отделкой в виде желобков.
Украшают колонны рисунки в виде геометрических зигзагов, спиралей, причем в одном и том же сооружении Фигурные колоннымогут находиться капители с совершенно различной отделкой.
Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма. Романтики укоряли своих предшественников в «холодной рассудочности» и отсутствии «движения жизни». В 20-30-х годах работы многих художников отличались патетикой, нервной возбуждённостью; в них наметилось тяготение к экзотическим мотивам и игре воображения, способного увести от «тусклой повседневности». Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти полстолетия. Первым, кому удалось закрепить новое направление и «оправдать» романтизм, был Теодор Жерико.
Представители: Франсиско Гойя, Антуан-Жан Гро, Теодор Жерико, Эжен Делакруа, Карл Брюллов,
Мастера романтической скульптуры (П. Ж. Давид д'Анже, А. Л. Бари, Ф. Рюд) от строго тектонических композиций перешли к свободной трактовке форм, от бесстрастности и спокойного величия классицистической пластики - к бурному движению.
Русская культура 16-17 век
17 столетие - период решительного столкновения исключающих друг друга художественных устремлений. Эта противоречивость ярко выразилась в художественной практике. Руководство искусством было централизовано, изменения в нем регламентировались властью
Борьба в искусстве в огромной степени усиливалась воздействием народных художественных вкусов. В результате влияния народного творчества господствовавшие формы обретали особые черты, подчинялись новым художественным представлениям.
Важные изменения претерпевало само религиозное содержание искусства. Искусство сохраняло религиозный характер, но вместе с тем все более и более проникалось светским началом. Все усиливавшийся интерес художников к реальной жизни сообщал и архитектуре, и живописи, и произведениям прикладного искусства черты необыкновенного жизнелюбия.
Храм Василия Блаженного воздвигнутого на Красной площади в Москве в 1555–1561 гг. двумя русскими зодчими Бармой и Постником. Храм заложен в память о взятии войсками Грозного Казани, происшедшем в день праздника Покрова. Архитектурный ансамбль храма Василия Блаженного состоит из 9 объемов, из которых центральный, увенчанный шатром, как раз и посвящен празднику Покрова Богородицы, а восемь столпообразных храмов расположены вокруг этой главной церкви по осям и диагоналям. Выдвинутая центральная апсида, разнообразные лестничные всходы, различная высота самих столпов, многообразные приделы, величественные кокошники, само сочетание красного кирпича с белокаменными деталями, общая живописная асимметричность композиции. Светское начало в нем, конечно, не превалирует над культовым, но выражено отчетливо, Луковичные главы собора появились в конце XVI в., а сохранившаяся до наших дней многоцветная роспись храма исполнена в XVII–XVIII вв. В XVI столетии была только цветная майоликовая облицовка центрального шатра, общее же декоративное решение строилось, как уже говорилось, на сочетании белокаменных деталей с краснокирпичной поверхностью стен.Шатровые храмы — особый архитектурный тип, появившийся и ставший распространённым в русском храмовом зодчестве. Вместо купола здание шатрового храма завершается шатром. Шатровые храмы бывают деревянными и каменными. Каменные шатровые храмы появились на Руси в начале XVI века и не имеют аналогий в архитектуре других стран.
Церковь Вознесения Господня в КоломенскомЦерковь выполнена из кирпича с многочисленными белокаменными элементами декора в виде центрического храма-башни; её высота составляет 62 метра. План представляет собой равноконечный крест. Внутреннее пространство храма сравнительно невелико — чуть более 100 квадратных метров. Вокруг храма расположена двухъярусная галерея-гульбище с тремя высокими лестницами-всходами. На фасадах углы церкви оформлены вытянутыми плоскими пилястрами с капителями в духе раннего Возрождения. Между ренессансными пилястрами сделаны остроконечные готические вимперги. На основной крестообразный объём церкви поставлен восьмерик, в нижней части оформленный рядами больших килевидных арок в традиционном московском стиле, а выше украшенный сдвоенными ренессансными пилястрами. Храм перекрыт шатром с чётко выделенными рёбрами.
Церковь Святой Живоначальной Троицы в НикитникахЦерковь увенчана пятью чисто декоративными главками (из которых только центральная является световой), покоящимися на двух ярусах кокошников. С северной и южной стороны к нему примыкают приделы с похожими горками кокошников и одной главкой. В западной части храма располагается паперть с галереей, к которой с северной стороны примыкает парадно оформленный, высокий шатёр колокольни, а с южной — демонстративно вынесенное на проезжую часть переулка крыльцо, также оформленное небольшим шатром.
Стены храма богато украшены белокаменной резьбой. Используется несколько различных типов наличников. Активно применяются изразцы. Аналогию этим декоративным решениям можно найти в Теремном дворце; не исключено, что это работа одной артели[4].
В Филях находится выдающийся памятник архитектуры и образец так называемого московского или «нарышкинского барокко» — церковь Покрова в Филях (1690-1693 годов постройки). Документов об авторе церкви не сохранилось, и поэтому авторство ее не известно, но предполагается, что проект храма — работа крепостного архитектора Якова Бухвостова. Однако стилистические особенности Покровской церкви сильно отличаются от других строений Бухвостова, но сильно схожи с работами Петра Потапова — создателя ансамбля Новодевичьего монастыря в Москве и церкви Успения на Покровке.
Центральный объем храма типа «иже под колоколы» (когда здание завершает колокольня) расположен на высоком подклете, окруженном открытым гульбищем. К четверику, несущему два яруса восьмериков и восьмигранный барабан главы, примыкают полукруглые объемы притворов и алтаря. Стройность композиции и пышный белокаменный декор придают зданию торжественный, нарядный вид.
3 вопрос хаподноевропейское барокко
Баро́кко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. pérola barroca (дословно «жемчужина с пороком»); существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в эпоху Позднего Возрождения, в конце XVI — начале XVII веков в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму.
Итальянское барокко (итал. Barocco) — период в истории итальянской культуры XVI-XVIII вв. Если в других странах можно говорить о вариациях и локальных разновидностях барокко, то Италия это и есть родина барокко[1]. Исторически, барокко приходит на смену Ренессансу, однако между ними существует водораздел в виде маньеризма. "Отцом барокко" считается Микеланджело БуонарротиДжованни-Лоренцо Бернини (1598-1680) - крупнейший скульптор и архитектор Италии XVII века был наиболее чистым представителем итальянского барокко. В его искусстве сказались требования верховной власти церкви и в то же время выразились самые распространенные, наиболее общие вкусы, представления и идеалы современников, найдены новые образы и новые оттенки выразительности. Бурная динамика и повышенная экспрессивность в органическом сочетании с конкретными наблюдениями, подчас натуралистическими подробностями (характерные черты барокко), нашли в его творчестве законченное выражение. Бернини создавал церкви, уличные фонтаны, портреты, статуи и группы на мифологические и религиозные сюжеты, торжественные надгробия, церковные алтари. Барочная скульптура украшает фасады и интерьеры церквей, вилл, городских палаццо, сады и парки, алтари, надгробия, фонтаны. В барокко иногда невозможно разделить работу архитектора и скульптора. Художником, который соединял в себе дарование и того, и другого был Бернини
Мост святого ангела
Фонтан тревиСанта-Мария-дель-ПополоБалдахин берниниМеризи да Караваджо (1573—1610),
Прекрасно зная жизнь простого народа, Караваджо сделал его своим героем. Первые годы жизни художника в Риме, куда он прибыл около 1590 года, были суровыми. Для заработка он писал цветы и фрукты на картинах других художников, а затем стал самостоятельно создавать своеобразные жанровые сцены и натюрморты. Изображая уличных мальчишек, посетителей кабачков, корзины с фруктами, он одним из первых утвердил право на существование этих жанров. Главное в произведениях Караваджо — не повествование, но характерный типаж.
К числу таких картин относится «Юноша с лютней»
Караваджо утверждает превосходство непосредственного воспроизведения жизни. Болезненному изяществу еще распространенного маньеризма и патетике развивающегося барокко он противопоставляет простоту и естественность повседневного.
Мальчик, укушенный ящерицей,
Шулеры
Юноша с корзиной фруктов,
Особую окраску стиль барокко приобрёл в Испании, художест­венная атмосфера которой отличалась религиозной экзальтацией и склонностью к мистике. В отличие от итальянского, испанское ба­рокко воскрешало атмосферу национального средневековья.
здесь барокко приобрело не только религиозный, но и фанатический характер, активно проявлялось стремление к потустороннему, подчеркнутый аскетизм. Однако именно здесь ощущается влияние народной культуры.
Эль Греко
Его творчество, аристократическое, утонченно-интеллектуальное, отличают страстность, пылкая фантазия, доходящая до мистической экзальтации. Трагизм образов Эль Греко, их повышенная выразительность отразили дух современной ему жизни — острый кризис гуманистических идеалов, начавшийся в Европе во второй половине 16 столетия. Чувство одиночества, душевная неуравновешенность, как и настроение смятенности, безверия и тревоги, не были случайными.
Эль Греко — величайший мастер колорита. Он любил пронзительно-светлый голубовато-серо-стальной тон, яркую киноварь, лимонно-желтые, изумрудно-зеленые, синий, бледно-розово-фиолетовые цвета во множестве оттенков, увеличивал силу каждого цветового пятна дополнительными. Однако цвет для Эль Греко не постоянный признак предмета, а выразитель взволнованных чувств. Контрастные холодные и горячие краски словно находятся в состоянии напряженной борьбы. Они насыщены мерцающим светом, как бы излучаемым предметами.
Молитва святого Доминика Христос, несущий крест, Мария Магдалина, Дама в мехах,
 Диего Веласкес
Сила творчества Веласкеса — в глубине психологического анализа и чеканной отточенности характеристик. В своих портретах он не льстил моделям, но представлял каждого в индивидуальной неповторимости, национальной и социальной характерности. Своеобразие метода Веласкеса проявилось в эмоциональной сдержанности, с которой он стремился раскрыть в целостном единстве существенные черты характера, душевного и умственного склада человека в их сложности и противоречиях.
Инфанта Мария Анна, королева Венгерская, Вышивальщица, Портрет папы Иннокентия ХХосе или Хусепе де Рибе́раНатуралистичность полотен Риберы сделала его героем жутких легенд и сплетен. Многие годы он делал зарисовки во время допросов в тюрьмах, наблюдая, как ведут себя люди под пытками. В творческом наследии Риберы преобладают мифологические и религиозные темы. Его влекли античная история, события Ветхого и Нового Заветов, сцены из жизни святых. Сохранилось также несколько портретов.
Прометей
Мученичество св. Филиппа
"Святая Инесса и ангел, укрывающий её покрывалом"
Одним из лучших произведений художника считается картина «Св. Инесса»
фламанское Сюжеты из Священного Писания, античные мифологические сцены, портреты именитых заказчиков, сцены охот, огромные натюрморты — основные жанры искусства Фландрии XVII в. В нем смешались черты и испанские, и итальянского Возрождения с собственно нидерландскими традициями. А в итоге сложилось фламандское искусство барокко, по-национальному жизнерадостное, эмоционально-приподнятое, материально-чувственное, пышное в своих изобильных формах. Фламандское барокко мало проявило себя в архитектуре.
Центральной фигурой фламандского искусства XVII в. был Питер Пауль Рубенс (1577—1640). Универсальность таланта Рубенса, его поразительная творческая продуктивность роднят его с мастерами Возрождения.
Искусство Рубенса — типичное выражение стиля барокко, об­ретающего в его произведениях свои национальные особенности. Огромное жизнеутверждающее начало, преобладание чувства над рассудочностью характерны даже для самых драматических произ­ведений Рубенса. В них начисто отсутствует мистика, экзальтация, присущие немецкому и даже итальянскому барокко. Рубенс прославляет национальный тип красоты.
Снятие с креста
Три грации
Избиение невинныхГолландская жанровая живопись освобождается от обязательного исторического (античного) сюжета. На этом месте возникает особый жанр «гражданская картина», которая описывает современные события.
Основные стилистические черты голландской живописи отго времени проявились в картинах «малых голландцев», названных так за маленький размер картин. Для них было свойственно:
совершенный рисунок, который являлся основой композиции;
предельная реалистичность (правдивость искренность) полотен;
блестящая живописная техника;
небольшие размеры, концентрирующие внимание зрителя.
Рембрандт и его творчество стоит особняком голландской живописи 17 века. В его работах проявляется противоречие между мыслителем и художником. Стремление совместить идеал с жизненным правдоподобием (например «Даная»), предать факту возвышенный характер с помощью света (картина «Ночной дозор»), независимо от предметов и колорита существование света и тени («Флора», «Блудный сын»), глубочайший психологизм, переданный через крайнюю степень реалистичности, это особенно проявилось в его портретном творчестве («Портрет старика в красном»).7 билет
1 эгейское искусство
В развитии культуры народов, живших у Средиземного моря, большую роль сыграла эгейская культура. Она развивалась на островах и берегах Эгейского моря, в восточной части Средиземноморья, в течение почти двух тысяч лет, с 3000 до 1200 г. до н.э. одновременно с искусством Египта и Двуречья. Центром эгейской культуры был остров Крит. Она захватывала также Кикладские острова, Пелопоннес, где находились города Микены, Пилос и Тиринф, и западное побережье Малой Азии, в северной части которого находилась Троя. Эгейскую культуру называют также крито-микенской.
Хотя религия и играла важную роль в жизни критян, она не сковывала их мировоззрения в той мере, как это было характерно для стран Древнего Востока, и в частности, Египта. Критяне воспринимали мир в нерасчленённом природном движении. Для минойской культуры характерно стремление раствориться в окружающем, вобрать его в себя, овладеть им так, что подчас исчезают границы вещи и мира.
Роспись
Очень большую роль играли здесь и стенные росписи, отличающиеся исключительной декоративностью; контрастность цветовых сопоставлений этих росписей
Эгейское искусство или крито-микенское искусство. Так называют художественную культуру Греции XXX-XII вв. до н. э., основными центрами которой были остров Крит, материковая Греция и острова Эгейского моря
В декоративно-прикладном искусстве Крита орнаментально-декоративный стиль (XX - XVIII вв. до н. э.), достигший совершенства в вазописи стиля «камарес», названный так по месту нахождения в пещере. Это живой, подвижный, легкий морской и растительный узор; спирали смело расположены в вихревом направлении, зигзаги нарисованы наклонно и идут рядом в разных направлениях; узенькие полоски бегущей спирали на сосудах раннего минойского периода расположены по тулову не только горизонтально, но и пересекают его наискось, ложатся на тёмную поверхность подвижными светлыми штрихами.
Богиня со змеями — тип вотивных женских статуэток с пресмыкающимися в руках, датируемых примерно 1600 г. до н. э. Находки относятся к крито-минойской цивилизации и найдены в ранних слоях Нового Дворца в Кноссе. Всего известно два предмета.
Статуэтки изображают женщин в пышных одеждах, с широкой юбкой и обнажённой грудью, держащих в руках змей. Меньшая из этих фигурок имеет высоту 29,5 см, она держит змей в поднятых руках. Её головной убор увенчан изображением какого-то животного из семейства кошачьих. Она была разбита (шапка и левая рука были найдены как отдельные фрагменты) и реставрирована Эвансом[1]. Сама голова и шея являются реконструкцией на основе второй статуэтки. Принадлежность шапки именно этой статуэтке также на совести Эванса.
Вторая фигурка высотой 34,2 см — в высоком головном уборе, одна змея оплетает её руки и спину, другая змея узлом опоясывает её талию и грудь, третья сидит на головном уборе. Эта фигурка тоже дошла не в идеальном состоянии: английский археолог реконструировал её на основании сохранившегося торса, правой руки, головы и шапки, и пользуясь сравнением с первой статуэткой.
«Львиные ворота», широкий пролет которых венчал треугольный рельеф с изображениями двух львиц. Недалеко от ворот были обнаружены гробницы ахейских царей с огромным количеством драгоценных украшений и утвари, а также золотыми посмертными масками.
Ворота построены из четырёх монолитных глыб известняка
Фронтон, венчающий ворота, выполнен из твёрдого известняка и украшен рельефным изображением двух львов. Они изображены стоящими на задних лапах, повёрнуты друг к другу и передними лапами опираются на два жертвенника, которые поддерживают колонну. На верхнюю часть колонны опирается крыша какого-то сооружения.
Кносский дворец
Архитектура и особенности строения
В середине дворца довольно обширный двор. Вокруг него, на первый взгляд, совершенно беспорядочно разбросаны, прилеплены, втиснуты разнообразные помещения: залы, лестницы, галереи, колоннады, переходы. Стены многих помещений изящно декорированы: фрески изображают юношей, занимающихся спортом, девушек, прыгающих через быка.
Все фигуры на фресках изображены очень искусно, с большим количеством деталей. Изображения эти складываются в удивительно приятный глазу ритм.
Помещения также отличаются изысканным вкусом: никаких излишеств — лишь то, что подчинено гармонии. Широкая лестница ведет в царские покои. Здесь всё строго и лаконично: чередуются черные и красные колонны, расширяющиеся к верху, образуют световую шахту. Но не всё так просто, как кажется: колонны служат еще и для направления воздушного потока нужной температуры, который поступает с внешней колоннады.
Церемониальной являлась западная часть дворца. Три каменных колодца служили ритуальным целям, в тронном зале, где могли разместиться до шестнадцати человек, пришедших на аудиенцию, стоит перед входом большая порфировая чаша.
Лабиринт Минотавра
Нередко именно Кносский дворец считают тем самым лабиринтом, в котором обитало страшное существо с телом человека и головой быка, которое пожирало людей и наводило страх на окружающее население. Дворец и в самом деле огромен, планировка его невероятно запутанна, а на стенах часто встречается знак лабиринта — лаброс. Видимо, именно поэтому возникла такая гипотеза.
Керамика
аннюю минойскую керамику украшали рельефной лепкой, представляющей собой замкнутый по кругу змееобразный зигзаг. Первые гончарные изделия минойской культуры Крита, расписывали традиционным травным орнаментом и минойскими двусторонними топорами — лабрисами, напоминающими бычьи рога, предмет поклонения жителей Крита.
Особенности искусства древней грецииХарактерная черта мифологической подосновы греческого искусства — очеловечение ее образов. В образах Аполлона (Бога солнца), Афины (покровительницы ремесел и земледелия) и других богов и героев греки воплощали свое представление о совершенных качествах человека, о господстве разума, закона, гармонии, порядка, как качеств общественных, побеждающих в героической борьбе неразумное, звериное начало. Греческие храмы постоянно украшались изображениями, утверждающими красоту и величие человеческого коллектива, например, победоносной борьбы людей – греков, руководимых Аполлоном, с безобразными кентаврами (согласно мифам, кентавры — полулюди, полукони), которые воплощали темные стихийные силы природы.
Скульптурные особенности Древней Греции
Как правило, статуи в то время вырезались из известняка или камня, после этого покрывались краской и украшались красивыми драгоценными камнями, элементами из золота, бронзы или серебра. Если статуэтки небольшого размера, то они выполнялись из терракоты, дерева или бронзы.
классический период скульптура достигла своих высот. Мастера научились не просто придавать статуям естественные позы, но даже изображать эмоции, которые якобы испытывает человек. Это могла быть задумчивость, отрешенность, радость или строгость, а также веселье.
Керамика грецГреческие вазописцы при создании орнаментов, декорировании керамических изделий применяли самые разнообразные краски. В ходу были белая, пурпурная и красно-бурая минеральные краски. Широко использовались и краски с меньшей прочностью, в настоящее время они имеют название акварель.
Существовали разные типы сосудов, в которых вино хранилось, подавалось, разливалось. Ойнохойя — небольшой одноручный кувшин для разливания вина,
Кроме амфор и пифосов, древнегреческими мастерами изготавливались самые разные формы посуды: тарелки, чаши, вазы, светильники, кубки и другая посуда. Например, мало кто знает, что современные кружки-«непроливашки» для кормления маленьких детей были изобретены в Древней Греции.
Изделия греческих мастеров до сих пор считаются классическим образцом керамики, хотя во многих регионах в разное время существовали свои оригинальные керамические школы и направления.
Древние греки были высокоодаренным народом. Среди различных открытий и искусств особое место занимают изготовление и роспись чрезвычайно разнообразной керамики. Благородная простота и изысканность форм, мастерство исполнения снискали греческой керамике заслуженную славу нормы и образца на многие века во всем мире.
Тири́нф) — древний город в Арголиде, на полуострове Пелопоннес. Укреплённое поселение на холме, существовавшее с начала бронзового века
один из центров крито-микенской культуры. Поселение на месте Т. возникло в эпоху неолита. В последней трети 3-го тыс. до н. э. в Т. было построено монументальное круглое здание (диаметр 28 м) на акрополе, видимо, культового назначения.
Время расцвета города приходится на 16-14 вв. В это время был выстроен большой царский дворец, украшенный фресками.
Тро́я),— древнее укреплённое поселение в Малой Азии на полуострове Троада у побережья Эгейского моря, недалеко от входа в пролив Дарданеллы в современной турецкой провинции Чанаккале.
2русская икона
Феофан Грек
Это один из немногих византийских мастеров-иконописцев, чье имя осталось в истории, возможно, благодаря тому, что, находясь в расцвете творческих сил, он покинул родину и до самой смерти работал на Руси, где умели ценить индивидуальность живописца. Этому гениальному "византийцу", или "гречину", суждено было сыграть решающую роль в пробуждении русского художественного гения.
Здесь Феофан руководил росписями Благовещенского собора в Кремле
Его кистью написан ряд замечательных икон, среди которых (предположительно) знаменитая Богоматерь Донская, ставшая национальной святыней России
деонисийЧем отличается живопись Дионисия от живописи других мастеров? Композиции его работ торжественны, краски нежны и светлы, словно летний день, фигуры грациозно удлинены, лики святых красивы. Произведения Дионисия легки и радостны, они как бы рассчитаны на то, чтобы поведать миру о счастливой Руси, о том, что великая держава готова идти в будущее с надеждами, а не со скорбью в сердце.
Дионисий продолжал и развивал наследие А. Рублева, создавая произведения, исполненные оптимизма и торжественной ясности
Иконы технология
Таким образом, икона обладает неким слоистым строением, которую вкратце можно описать примерно так:
1. Первый слой - основание. Основанием служит доска, или несколько склеенных досок, соответствующим образом обработанные и подготовленные для нанесения последующих слоев.
2. Далее идет слой клея. Подготовленная доска проклеивается горячим и жидким столярным клеем. Предпочтение обычно отдавалось мездровому клею, в крайнем случае, может быть использован пищевой, или технический желатин. В настоящее время существуют технологии позволяющие обойтись без проклейки.
3. Паволока. После проклейки на доску наклеивается паволока из редкой ткани. Обычно используется марля, или ей подобная ткань.
4. Грунт. Грунт (левкас) представляет смесь столярного клея с мелом. Для грунта используется клей более крепкий, чем для проклейки доски. В нынешнее время используются и иные по составу грунты, в частности акриловые, качество которых превосходит качество мелового грунта.
5. Позолота. Если икона должна иметь позолоченный фон, или другие элементы, то позолота выполняется перед нанесением красочного слоя. Обычно слой позолоты не покрывается лаком, но в отдельных случаях, обычно когда имеется позолоченный фон, часть позолоты пожет быть под слоем лака.
6. Красочный слой. Или слой живописи. В иконописи традиционно используется яичная темпера. Краски натуральной яичной темперы приготовляются из натуральных пигментов и яичной эмульсии.
7. Защитный слой. После того как икона написана ее необходимо предохранить от неблагоприятных воздействий внешней среды, для чего живописный слой покрывается тонким слоем олифы или масляного лака.
Техника иконописи отличается большой продуманностью и внутренней логикой, обеспечивающими добротность письма, которое на неповрежденных иконах полностью сохраняет былую свежесть красок. Веками складывавшиеся ремесленные приемы были настолько тщательно разработаны, что они не нуждаются ни в каких современных коррективах.
Творчество Рублева знаменует высшую точку в развитии московской школы живописи.
В полном расцвете творческих сил создал Рублев наиболее прославленное свое произведение - икону Троицы
«Владимирская Богоматерь»
Из фресок Рублёва в Успенском соборе наиболее значительна композиция «Страшный суд», где традиционно грозная сцена превратилась в светлый праздник торжества справедливости, утверждающий духовную ценность человека.
Самые знаменитые рублевские работы — список
Это:
-Икона Архангел Михаил
-«Троица»,
-миниатюры из Евангелия Хитрово,
-владимирская икона «Богоматерь «Умиление»,
-иконы Звенигородского чина «Спас»,
-«Архангел Михаил»,
-«Апостол Павел»,
-фрески Владимирского Успенского собора («Страшный суд»УШАКОВВ.СТот факт, что Ушаков всегда оставлял на созданных им образах авторскую подпись, часто содержащую не только дату, но и имя заказчика и место, куда предназначается икона, свидетельствует не только о становлении личностного самосознания в XVII веке, но и о такой новой черте менталитета, как принятие авторской ответственности за созданное произведение.
Его работоспособность и энергия поразительны. Он расписывает стены храмов, пишет иконы и миниатюры, чертит карты, делает рисунки для знамен, монет, украшений на ружьях, гравюр и сам гравирует. Много пишет по заказам для храмов Москвы, Новгорода, Твери, Ростова, для Троице-Сергиева монастыря
-Спас Нерукотворный
-Богоматерь Владимирская
-Голгофский крест
-Благовещение
3 модернизм
«Модернизм» — широкое направление в культуре ХХ века, связанное с абстрактными и авангардными течениями, ориентированное на преодоление устоявшейся художественной традиции и построенное на последовательном стремлении к новизне.
В конце XIX века художники (особенно импрессионисты) стали устраивать свои выставки, а торговцы картин — популяризировать работы живописцев. Представление о том, что искусство должно правдиво отражать реальные предметы, уходило в прошлое. Гоген и Мунк окончательно подорвали в начале XX столетия теоретические основы реализма.
«Салон отверженных»
мункМногим обязанный в творческом плане Винсенту ван Гогу и Полю Гогену, Мунк (1863-1944) стремился к новому, глубокому и подлинному искусству. Сегодня его «Крик» превратился в один из самых известных образов - это часть народной культуры и одновременно ироническая «апроприация» постмодернизма.
МАДОННА. 
ГЛАЗА В ГЛАЗА.
ПАРИЖСКАЯ ОБНАЖЕННАЯ.
ПИКАССО
Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, дабы рисовать так, как рисует ребёнок.
Пикассо меняет стиль чаще, чем носки. Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди.
И хотя он вошел в историю мирового искусства как создатель кубизма, однако кубизм как таковой был лишь одним из периодов его творчества, и занял лишь одно десятилетие. А он творил более 70 лет!
Один из великих фотографов 20 века, Дэвид Дуглас Дункан как-то спросил его, какой из периодов ему наиболее близок, какой он считает самым значимым в своем творчестве. Пикассо растопырил пятерню: «Как вы думаете, какой из пальцев мне наиболее дорог? Они нужны мне все!»
РАННОИЙ ПЕРИОД
“Желтый пикадор” (1889) считается одной из первых картин Пикассо, которую мальчик написал под впечатлением от боя быков. Коррида всю жизнь оставалась его страстью.
Вид на порт Малаги
Портрет матери художника
Розовый период. В картинах этого периода прослеживается больше радости. В них преобладают оранжевые и розовые тона.
Актер, 
Голубой период. Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках. Герои — это бедные дети и матери, старики
Сидящая женщина в капюшоне
Женщина со скрещенными руками,
Африканский период. 1907 год, Пикассо — в эпицентре художественного авангарда начала века, соcредоточенного в Париже — поэты, художники, арт-критики, ведущие французские арт-дилеры. Пикассо авангарднее всех. Художник отходит от изображений конкретного человека, и больше интересуется африканскими мотивами.
Авиньонские девицы
Кубизм.
Девушка с мандолиной
Девушка с мандолиной
Неоклассицизм.ЪПортрет Ольги в кресле
Две женщины, бегущие по пляжу
МАЛЕВИЧ
Сначала он писал картины в импрессионистском стиле, затем увлекся футуризмом.
В первой половине 1910-х годов основал новое направление в искусстве под названием Супремати́змЖенщина с ведрами
Атлеты
Самой известной работой в биографии и творчестве Малевича является произведение «Черный квадрат». Эту работу дополняют полотна «Черный круг», «Кельтский крест». Среди других известных картин художника — «Красный квадрат», «Скачет красная конница».
«Черный квадрат» — это темный прямоугольник
Начнем с того, что «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.
Малевич должен был написать несколько картин. Время уже поджимало, и художник то ли не успевал дописать картину к выставке, то ли не был доволен результатом и, сгоряча, замазал ее, нарисовав черный квадрат. В этот момент в мастерскую зашел один из его друзей и, увидев картину, закричал «Гениально!».
Анри́ Эмиль Бенуа Мати́сс французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Известен своими изысканиями в передаче эмоций через цвет и форму.Анри Матисс (), выдающийся французский художник
Анри Матисс заявил: «Я просто хочу, чтобы усталый человек, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой»
Творчество этого человека невозможно охарактеризовать в рамках какого-либо отдельного направления, поскольку он постоянно выходил за любые ограничивающие его рамки, снова и снова устремляясь туда, где до него никто еще не бывал. Всю свою жизнь Анри Матисс находился в безостановочном поиске.
Анри Матисс всегда чувствовал в цвете силу, способную подчеркнуть ощущение. В своих произведениях он заставил цвет излучать свечение и ритмическую танцевальную пульсацию. Стремясь к максимальному выражению целого, художник удалял все несущественные детали и предельно упрощал формы, считая вредным и ненужным все, что не влияло напрямую на эмоционально-энергетический импульс
Радость жизни
Голубая обнаженная
Красная студия
Филонов не стремится к прямому воздействию на зрителя с помощью обнажения собственных чувств, а, напротив, замыкается в создаваемом им образе, погружается в анализ предмета. Но анализ этот не раскрывает предмет. Филонов как бы разлагает мир на составные элементы (на своеобразные первоэлементы, равноценные слогам, буквам и звукам в поэзии Хлебникова и других поэтов-футуристов#2) и, пропустив их сквозь увеличительное стекло своего анализирующего глаза, синтезирует в сложные образы.
Победитель города»
«Семейный портрет»
Мужчина и женщина
10 билет
Особенности готического искусства.
Готический стиль, в основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря — бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.
В готическом стиле обязательно присутствуют:
Арки, аркатурные пояса, витражные окна, контрфорсы, пинакли.
Помещение храма внутри делится колоннами на несколько нефов. В готическом стиле нет куполов. Отличает готический стиль стремление вверх и некая невесомость и легкость, которая удивительно сочетается с тем, что сооружение из камня. Внутри собора или храма обычно есть Орган.
Периоды готики.
В целом в готическом искусстве Западной Европы выделяют:
- Раннюю готику - вторая половина XII - первая четв. XIII века.
Примером ранней готики является собор в Лане. Стены собора прорезаны глубокими проемами, козырьки порталов и окон выступили вперед. Огромная роза потеснила боковые окна. Башни потянулись вверх пинаклями.
Собор Парижской Богоматери начали строить в 1163 году симметрично королевскому дворцу на восточной стороне острова Ситэ. Сочетание высоты и тонкости стены (60-70 см) требовали особого укрепления. Для этого были использованы контрфорсы и перекинутые к ним от верхней части стен главного нефа десятиметровые аркбутаны. Тем самым внешняя опорная система главного нефа стала открытой. Своды собора разделены на шесть сегментов в каждом переплете главного нефа, имеющем в плане квадратную форму. Контрфорсы переходят в аркбутаны над боковыми нефами. Начиная с собора Парижской Богоматери архитекторы стали стремится увеличить высоту зданий. Новым мотивом для ранней готики было расположенная на фасаде "галерея королей", в которой изображались скульптуры 28 ветхозаветных персонажей.
Еще одно нововведение - наличие хора, все формы которого рисуются на фоне проникающего в собор света. Наконец, в скульптуре порталов, витражах капелл были изображены события Ветхого Завета, а над ними как бы продолжая располагали сцены Нового Завета. В готических соборах порталы начинают украшаться барельефами и статуями тружеников.
- Зрелую (высокую) готику - XIII век.
На рубеже XII-XIII веков обозначился переход к высокой готике в соборах в Бурже и Шартре. Шартрский собор имеет самый значительный ансамбль этого периода, включающий более ста восьмидесяти витражей.
Шпиль Шартрской башни вознесся на высоту 105 м.
Самым большим по размерам и самым совершенным по конструкции был собор в Реймсе, в котором короновали французских королей. Порталы собора не утоплены в стене, а выступают вперед, место тимпанов над входами заняли окно. Ряд, изображающий королей, поднят очень высоко и сливается с аркадой третьего этажа.
Вершиной зрелой готики стала Сент-Шапель - Святая Капелла в Париже, которая строилась как королевская церковь. В ней находился вывезенный из Константинополя "терновый венец Христа", для которого двухэтажная капелла служила реликварием. В капелле почти не было стен: пространство между опорами свода на две трети всей высоты капеллы заполняют двучастные окна, соединенные попарно шестилепистковыми розами.
В XIII веке готика завоевывает почти все области Франции, приобретая при этом на севере и юге страны специфические особенности.
- Позднюю готику - XIV - XV век иногда называемую «лучистой», а затем «пламенеющую».
Название высокая, или лучистая, готика получила по форме каменных перемычек в окне-розе, лучами расходящихся от центра. Помимо узора в окне-розе признаками лучистого стиля стали глубокие перспективные порталы и венец капелл вокруг апсиды. Капеллы, отделенные от алтаря коридором обхода, были возведены по распоряжению короля Людовика IX Святого для различных гильдий ремесленников, чтобы они, собираясь в храме, могли обсуждать свои профессиональные дела, но не мешать при этом службе в алтаре. Подобная конструкция восточной зоны храма стала классической для любой христианской базилики.
Поздняя готика XIV–XV вв. характеризовалась чрезмерной декоративностью. Это и избыток скульптурных украшений, и спиралью закрученные фигурные шпили, уподобленные языкам пламени, и сложный рисунок перемычек в окне-розе, словно распахивающей все свои роскошные лепестки. Ярким образцом стиля является собор Нотp-Дaм в Руане. Его стены, будто изморозью, покрыты невероятным количеством стрельчатых арок, кружевных вимпергов, кокетливо изогнутых статуй с откинутым назад корпусом и выставленным вперед животом.
На родине готики, во Франции, выделяют следующие этапы этого стиля:
- Стрельчатая готика. Конец XII - XIII век.
- Лучистая готика - 1270 - 1380 гг. - в честь типичного для того периода орнамента в форме солнечных лучей, украшавшего изящные окна-розы. Ярчайшим образцом лучистой готики является часовня Сент Шапель в Париже.
- Пламенеющая готика. Конец XIV - начало XVI века. Название пламенеющей готики происходит от похожих на языки пламени узоров орнаментов и сильному удлинению фронтонов и вершин арок. Часты орнаменты в форме «рыбий пузырь».
В Англии и Германии выделяют несколько иные этапы готического искусства:
- Ланцетовидная готика. XIII век. - стадия развития готического стиля в архитектуре, характерным элементом которой являются расходящиеся пучки нервюр сводов, напоминающих ланцет. Самый ранний пример английской готики — собор в городе Дареме (ок. 1130—1133 гг.)
- Украшенная готика. XIV век. Как следует из ее названия, декоративность приходит на смену строгости ранней английской готики. Своды собора в Эксетере имеют дополнительные ребра, и кажется, будто над капителями вырастает огромный цветок.
- Перпендикулярная готика. XV век. Это название связано с преобладанием вертикальных линий в рисунке декоративных элементов. В соборе Глостера ребра разбегаются от капителей, создавая подобие раскрытого веера, - такой свод и называют веерным. Перпендикулярная готика просуществовала до начала 16 в.
- Тюдоровская готика. Первая треть XVI века. В этод период строятся здания по форме совершенно готические, но почти все без исключения светские. Самой важной отличительной чертой тюдоровских строений можно считать использование кирпича, который довольно внезапно распространился во всей Англии. Замки к тому времени были уже не нужны, так что укрепления - башни, высокие стены и т.п. - строили чисто для красоты.
Разнообразие готики в европейских странах.
Готический стиль во Франци:
Архитектурный стиль, который был широко распространен на территории современной Франции с 40-х годов XII века до начала XVI века, когда ему на смену пришёл Ренессанс. Зародившись в королевском домене в центре страны, готический стиль быстро распространился на территорию всей Франции и за её пределы. Готика как французский стиль стала образцом для подражания на территории большинства стран Западной и Центральной Европы, в которых она приобретала черты, характерные для их архитектурных традиций.
Готика зародилась в Северной части Франции в середине 12 в. и достигла расцвета в первой половине 13в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму.
Готический стиль в Англии:
Переняв от Франции вслед за романским готический стиль, Англия переработала его на свой лад. В Англии готические произведения отличаются тяжеловесностью, перегруженностью композиционных линий, сложностью и богатством архитектурного декора. На характере английской готики сказались условия, определившие историческое развитие английского государства.
Собор воздвигался не в центре города, а за городом, где помещался монастырь. Он гармонично вписывался в пейзаж, служивший ему живописным обрамлением, и потому разрастался в первую очередь не в высоту, а вширь, чтобы вольготнее расположиться на лоне природы. Вместительными были романские постройки, которые не требовали коренной перестройки. Усилия английских зодчих сосредоточивались чаще на декоративной, а не на конструктивной стороне нового искусства, нередко они как бы надевали на романское ядро готические одежды.
Готический стиль в Германии:
Становление германской готики пришлось на сложный период в жизни страны. Созданная германскими королями Священная Римская империя распалась на ряд самостоятельных княжеств. С 30-х годов XIII века начался закат немецкого рыцарства, а с ним и феодальной рыцарской культуры. Вместе с тем подъём городов в Германии достиг расцвета только в XIV-XV вв. и сопровождался уже новыми устремлениями в немецкой культуре. "Французская манера" лишилась в Германии своего ликующего оптимизма, упорядоченности, размеренности ритма. Немецкие мастера ощутили в готике в первую очередь её беспокойный мятущийся дух. Отражая сложные конфликты в жизни страны, они резче подчеркнули контрасты, заострили экспрессию образов, придали им драматическую, подчас экзальтированную одухотворённость. Оттого в Германии готика получила более отвлечённый, мистический, но страстный по силе выражения характер.
Как и в других странах, основу готического искусства в Германии составляла архитектура, в которой с сохраняющимися романскими традициями сочетаются драматизм и экспрессивность, отличающие немецкую готику. Планы соборов просты, большей частью в них отсутствует обходной хор и венец капелл. Во внешнем облике здания присущая готике устремлённость вверх получает предельное выражение. Часто встречается тип однобашенного собора, напоминающего гигантский кристалл, шпиль которого гордо врезается в небо. Наружные формы строги, свободны от резного или скульптурного декора.
Готический стиль в Италии:
В Италии получили распространение лишь отдельные элементы готики: стрельчатые арки, витражные "розы". Основа оставалась чисто романской. Это широкие приземистые храмы, гладкая плоскость стен которых часто инкрустирована цветным мрамором, создающим полосатую, очень нарядную поверхность фасада (собор в Сиене, т1229-1372; собор в Орвието, 1295-1310). Заимствуя некоторые элементы готики, итальянцы оставались чужды самой системе. Не вертикаль, а размеренность увлекала итальянских зодчих, даже когда они строили здания с остроконечными башнями, стрельчатыми арками и оконными переплётами.
Средневековый город. Собор, ратуша.
Собор был центром городской жизни в эпоху Средневековья. По воскресеньям в нём проходили мессы и религиозные церемонии. В остальные дни недели там велись деловые переговоры между купцами, шли заседания городской общины, имели место встречи простых горожан и, даже, детские игры. Собор играл большую роль в образовании, поскольку витражи представляли собой целые книги по религии, истории, ремеслам. Церкви служили убежищем для подозреваемых в преступлениях, которые хотели быть судимы по епископским законам, а не городским судом. Кроме решающей роли в общественной жизни города, собор играл не меньшую роль в его планировке. Ни одно здание не должно было соперничать с ними по высоте. Таким образом, собор определял силуэт города и, как правило, был виден издалека. Все улицы расходились от паперти, причем, чем ближе к собору, тем плотность улиц и домов увеличивалась. К концу средневековья паперти многих соборов были полностью застроены.
Строительство готических ратуш достигло своего наивысшего расцвета в городах Фландрии. Во французских городах, вольности которых рано были утрачены в связи с интенсивным процессом централизации страны, не очень богатых из-за постоянных поборов королевской власти, ратуши не играли той ведущей роли в политической жизни города, которая принадлежала им во Фландрии и Северной Германии. К тому же соборы, до конца XV в. служившие местом собраний горожан, в значительной степени восполняли потребность в большом городском общественном здании. Ратуши, как специальные здания, появились во Франции поздно, и архитектура их сравнительно скромна. Многие из них были разрушены в разгаре борьбы городов за свою независимость. Сохранившиеся ратуши большей частью относятся к XV—XVI вв.
Готический свод, нервюра и интерьер.
Свод (от «сводить» — соединять, смыкать) — в архитектуре тип перекрытия или покрытия пространства (помещения), ограниченного стенами, балками или столбами — конструкция, которая образуется наклонными поверхностями (прямолинейными или криволинейными).Своды позволяют перекрывать значительные пространства без дополнительных промежуточных опор, используются преимущественно в круглых, многоугольных или эллиптических в плане помещениях.
Готические своды:
Веерный свод — образуется нервюрами (ожива и тьерсерона), исходящими из одного угла, имеющими одинаковую кривизну, составляющими равные между собой углы и образующими воронкообразную поверхность. Типичен для английской готики.
Звездчатый свод — форма крестового готического свода. Имеет вспомогательные ребра — тьерсероны и лиерны. В каркасе четко выделяются основные диагональные ребра крестового свода.
Свод крестовый готический — крестовый свод, представляющий собой каркасную конструкцию в виде сетки нервюр, на которые опираются распалубки, что позволяет сосредоточить давление только на угловых опорах. Основной признак готического — четко выраженные профилированные диагональные ребра, составляющие основной рабочий каркас, воспринимающий основные нагрузки. Распалубки выкладывались как самостоятельные малые своды, опиравшиеся на диагональные ребра.
Нервюрный свод — свод на каркасе из нервюр, воспринимающих и передающих нагрузку свода на его опоры.
Нервюра в архитектуре (фр. nervure — жилка, прожилка) — выступающее ребро готического каркасного крестового свода.
Наличие нервюр в совокупности с системой контрфорсов и аркбутанов позволяет облегчить свод, уменьшить его вертикальное давление и боковой распор и расширить оконные проёмы. Нервюрный свод также называют веерным. Система нервюр (главным образом в архитектуре готики) образует каркас, облегчающий кладку свода.
Интерьер
Что касается цветовой палитры стиля готика в интерьере, то основными оттенками являются темно-красный, коричневый, черный, синий и желтый. Помимо этого, основной тон комнат дополняют серебристые и золотистые нити.
Основными материалами, использующимися в создании интерьера комнат, являются кожа, дерево, природный камень, металл и стекло.
Стены, как правило, отделываются деревянными панелями либо мозаикой. Потолок представляет собой балочные перекрытия. Напольным перекрытием выступает паркет.
Мебель в готическом стиле изготавливается из кедра, дуба, ореха и сосны. Главной особенностью мебели является ее стремление вверх: спинки стульев и шкафы высокие. Приветствуется резьба по дереву, а также украшение мебели бронзовой фурнитурой.
Стиль готика в интерьере так же подразумевает наличие стрельчатых арок, больших вытянутых окон в металлическом обрамлении и тяжелых деревянных дверей.
Аксессуарами, дополняющими интерьер помещения в стиле готика должны выступать сундуки, люстры времен рыцарства, а также камины, отделанные камнем.
Готика живопись, скульптура, декоративное искусство.
Живопись:
Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. В Англии и Франции переход от романского стиля к готическому произошёл около 1200 г., в Германии — в 1220-х гг., а в Италии позднее всего — около 1300 г.
Неизвестный художник. Иоанн Добрый (1359). Один из первых готических портретов, дошедших до наших дней
Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее — наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того, в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.
На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской литературы (рыцарские романы и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные часословы и псалтыри для домашнего пользования. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги, придворные миниатюристы герцога де Берри, создавшие знаменитый «Великолепный часослов герцога Беррийского» (около 1411—1416). Ярким представителем книжной миниатюры конца XV — начала XVI века был Робине Тестар, работавший при дворе графов Агулемских.
Развивается жанр портрета — вместо условно-отвлечённого изображения модели художник создаёт образ, наделённый индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами[4]. Примером может служить творчество Мастера графини Уорик и его «Портрет Эдварда Виндзора, 3-го барона Виндзора, его жены, Кэтрин де Вер, и их семьи», демонстрирующий повседневную жизнь английской провинциальной аристократии.
Завершается почти тысячелетнее господство византийских канонов в изобразительном искусстве. Джотто в цикле фресок Капеллы Скровеньи изображает людей в профиль, помещает на первом плане фигуры спиной к зрителю, нарушая табу византийской живописи на любой ракурс кроме фронтального. Он заставляет своих героев жестикулировать, создаёт пространство, в котором движется человек. Новаторство Джотто проявляется и в его обращении к человеческим эмоциям.
С последней четверти XIV века в изобразительном искусстве Европы господствует стиль, названный позднее интернациональной готикой. Этот период явился переходным к живописи Проторенессанса.
Скульптура:
Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены. Десятки тысяч скульптур, от цоколя до пинаклей, населяют собор зрелой готики.
Взаимоотношение скульптуры и архитектуры в готике иное, чем в романском искусстве. В формальном отношении готическая скульптура гораздо более самостоятельная. Она не подчинена в такой степени плоскости стены и тем более обрамлению, как это было в романский период. В готику активно развивается круглая монументальная пластика. Но при этом готическая скульптура — неотъемлемая часть ансамбля собора, она — часть архитектурной формы, поскольку вместе с архитектурными элементами выражает движение здания ввысь, его тектонический смысл. И, создавая импульсивную светотеневую игру, она в свою очередь оживляет, одухотворяет архитектурные массы и способствует взаимодействию их с воздушной средой.
Скульптура поздней готики испытала большое влияние итальянского искусства. Примерно в 1400 г. Клаус Слютер создал ряд значительных скульптурных работ для Филиппа Бургундского, такие как Мадонна фасада церкви погребения Филиппа и фигуры Колодца Пророков (1395—1404) в Шаммоле около Дижона. В Германии хорошо известны работы Тильмана Рименшнайдера, Вита Ствоша и Адама Крафта.
Декоративное искусство:
Эпоха позднего Средневековья характеризуется расцветом городской культуры, развитием торговли, ремёсел. С середины XIII века начинается строительство зданий светского назначения — городских ратуш, рынков, цеховых домов, а также роскошных замков знати. Все элементы экстерьера и интерьера сооружений подчинялись готической архитектурной форме. Одним из крупнейших европейских замков эпохи является Авиньонский папский дворец (1334—1364). Как и другие интерьеры Средневековья, убранство Папского дворца сохранилось лишь частично. Примечательны «шпалерные» росписи стен, изображающие сцены охоты и рыбной ловли, выполненные под руководством Маттео Джованетти.
Пришедшее через мусульманский Восток художественное ткачество получило вначале развитие в Скандинавии и Германии. Здесь шпалера не только украшала интерьер, но и выполняла функции защиты от сквозняков, утепления помещения. С конца XIV века производство шпалер в Европе стало важнейшей отраслью художественного ремесла. Возникают крупные мануфактуры в Париже, позднее в Аррасе[5]. Одним из выдающихся произведений позднего Средневековья, сравнимым с лучшими образцами фресковой живописи, является серия шпалер на сюжеты Апокалипсиса, так называемый Анжерский апокалипсис (1370—1375), созданная по заказу Людовика I Анжуйского. Подготовительные рисунки были выполнены миниатюристом Эннекеном из Брюгге. Образцом послужили миниатюры X века из «Комментария к Апокалипсису» Беатуса из Льебаны. Работу выполнили парижские мастера под руководством ткача Карла V Никола Батая. Шпалеры сохраняют плоскостное изображение, подчёркнутую двухмерность пространства миниатюр «Комментария». Тема противоборства человека и сил зла по сравнению с первоисточником решена в более мажорном ключе, с ярко выраженной фольклорной основой.
Разнообразие жанров русской живописи конца 19 века.
В 1863 году в Академии художеств разразился скандал, равных которому не было с момента создания этого учебного заведения. Четырнадцать выпускников, допущенных к конкурсу на золотую медаль Академии, отказались писать картины на заявленную Советом Академии тему. Художники попросили дать им право свободного выбора сюжета и, получив отказ, они приняли решение оставить Академию. Этот скандал вошел в историю как «бунт четырнадцати». А его участники впоследствии стали известнейшими художниками: И. Крамской. К. Маковский, А. Корзухин и др.
Что же толкнуло художников к такому поступку? Дело в том, что уже давно Академия перестала быть передовым учебным заведением, каким она была в XVIII веке. В Академии требовали делать только то, «что положено». Молодые художники рисовали бесконечную череду картин на античные и религиозные сюжеты, выполняли заказы двора. Известен случай, когда император Николай I потребовал от художника: «Повернуть голову собаки в другую сторону!». И это требование пришлось выполнить. «Искусство не свободно!» - именно такой вывод делали многие молодые художники.
Между тем, времена менялись. С приходом к власти нового императора Александра II была ослаблена цензура. Отмена крепостного права и Великие реформы вызвали серьезные изменения в русском обществе. Молодые художники считали, что живопись должна отражать эти изменения.
Уйдя из Академии художеств, поначалу они создали художественную артель, заработки в которой были общими. Только так они могли выжить. В 1864 году члены артели устроили в Нижнем Новгороде свою единственную выставку. В 1870 году на основе артели было создано Товарищество передвижных художественных выставок или Товарищество передвижников.
Передвижные выставки должны были познакомить русское общество с современной живописью, помочь художникам продавать их произведения. Вход на выставки был платным. Первая выставка была принята с восторгом. После этого выставки стали ежегодными. В России не было ни одного крупного художника, который не принимал бы участие в передвижных выставках. Крамской, Перов, Левитан, Суриков, Шишкин, Верещагин, Васнецов, Поленов, и другие. Программ передвижников включала два принципа: реализм и народность.
Шишкин Иван Иванович (1832—1898) Знаменитые картины Ивана Шишкина: «Утро в сосновом бору», «Сосновый бор», «Рожь», «Ручей в лесу», картина «О холодном крае на севере диком», один из любимых этюдов «Сосны освещенные солнцем», «Парк в Павловске», красиво проработанная в деталях картина, «Зима», с богатыми светотеневыми контрастами, «В лесу графини Мордвиновой», «Петергоф», «Корабельная роща» и множество других.Знаменитый художник, уникальный мастер по лесным пейзажам, его картины известны очень широкой публике. Занимательные полные душевного доверия жанровые сюжеты, задуманные художником в картинах, во многом способствовали огромной популярности среди современников. Шишкин как никто другой любил природу леса с его колоритными оттенками стволов деревьев, яркими полянами освещенные солнцем и воздушностью.
Илья Ефимович Репин (1844—1930) Знаменитые полотна кисти художника Ильи Репина. «Бурлаки на Волге», «Крестный ход», «В Курской губернии», «Письмо запорожцев», «Иван Грозный убивает своего сына», «Не ждали» и др. Портреты Льва Николаевича Толстого, военного инженера А. И. Дельвига, композиторы Мусоргский, В. А. Репиной, Третьякова П. М. Стрекоза.
Картины и портреты Репина отличаются своей разносторонностью, он написал ряд монументальных жанровых полотен, получивших огромную популярность у современников, чем произвел сильное впечатление на общественность. Грандиозная по размаху и композиционному замыслу картина: Торжественное заседание Государственного совета, в картине огромное число присутствующих политических фигур того времени, также на картине присутствует и Николай II. в этой непростой работе Репину удалось психологически правдоподобно описать характеристику каждого персонажа. Илья Репин Оставил значительный след в истории русской живописи.
Василий Дмитриевич Поленов (1844-1927) Самыми заметными работами Поленов засветился в таких замечательных картинах как, «Московский дворик», «Заросший пруд», «Золотая осень» и картину «Бабушкин сад», после этих работ он стал полноправным членом союза передвижников.
Прекрасный художник оставивший значительное наследие в русской пейзажной живописи 19 и 20 века, отличающейся трогательным эмоциональным восприятием и яркой насыщенностью колорита красок. Творческий потенциал Поленова был склонен к эпическому видению пейзажа, он очень любил русскую природу и соответственно тяготел к пейзажной тематике. По жизни творчество художника — это постоянный поиск прекрасного, пробуждающее к хорошему настроению и умиротворению. Творчество Василия Поленова отличается разносторонностью, он много работал, как театральный художник, расписывавший различные театральные декорации, кроме своих живописных дарований участвовал в архитектурных разработках, увлекался музыкой, способствовал продвижению различных новаторских решений.
Васнецов Виктор Михайлович (1848-1926) Знаменитый мастер - живописец. Его известные работы в этом жанре: «Ковер самолет», одна из самых популярных в народе картина «Три богатыря», «Витязь на распутье», картина «Аленушка», очень прекрасная работа по сказке «Иван-царевич на сером волке», «Царь Иван Грозный», картина «Баян», «Снегурочка» и многие другие работы.Многие эти полотна сыграли огромную роль в развитии русской национальной живописи. В составе передвижников с 1878 года. Один из первых замечательных русских художников, портретист и пейзажист, театральный художник. Творчество Васнецова было обращено к русскому фольклору, он создал много полотен на тему русской истории, народных сказаний и былин. Некоторое время Васнецов работал и для театра создавая различные декорации и костюмы к пьесам и сказкам, которые оказали огромное влияние на развитие театрально-декорационного искусства России. В своих знаменитых произведениях он стремился передать эпический характер Руси, навеянные искренней поэтичностью, проникнутые глубоко национальным восприятием родной старины.Василий Иванович Суриков (1848—1916) Замечательный русский художник, знаменитая картины «Боярыня Морозова», «Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в Березове», картина «Покорение Ермаком Сибири» и «Переход Суворова через Альпы», среди трагических его работ выделяется веселая и праздничная картина «Взятие снежного городка».
Суриков очень хорошо знавший русский быт и нравы прошедших эпох. Во многих своих произведениях Суриков избрал трагические фрагменты русской истории. На фоне картин В. Сурикова заметно выделяются замечательные исторические работы, в которых он отразил яркие психологические образы своих героев в крупномасштабных полотнах. Картины Сурикова уникальны в значительной мере преобладающим, живописным – колоритом, мастерских приемов и жизненной правдивостью. В более свободное время художник уделял написанию портретов, например, один из них Портрет Сурикова.
Федор Александрович Васильев (1850—1873) Творчество этого молодого художника, прожившего небольшую, короткую жизнь, обогатило русскую живопись многими пейзажами, такими как «Мокрый луг», «Оттепель», «В крымских горах», ярко в осенних тонах написана картина «Болото».
Васильев смог показать в своих работах природу переходного состояния от унылой непогоды к солнечному состоянию. Любимые мотивы в его картинах Богом забытые проселки, овраги, ухабы, вросшие в землю крестьянские ветхие домишки. До Васильева и Саврасова русские художники изображали швейцарские, итальянские виды, а родные русские места считались, недостойными воплощения. Васильеву удавалось раскрыть в пейзаже состояние унылой русской природы отображая ее истинную красоту, заставив современников восхищаться красотой природы до селе не виданной. Васильев прожил совсем короткую жизнь художника, но даже за такой короткий срок им было написано дюжина работ, прекрасных романтических пейзажей.
Архип Иванович Куинджи (1841—1910) Знаменитая картины Куинджи: «Лунная ночь на Днепре», привлекает спокойным величием природы, «Днепр утром», «Березовая роща».
В своих живописных произведениях, художник показал русскую природу в доселе невиданном приеме написания картин, раскрывающий возвышенный образ пейзажей, сверкающие необычным колоритом и контрастом чистых красок и света. Лучи света пробивающийся сквозь туман играющие в лужицах на раскисших дорогах, заметно подчеркивает мастерство художника в живописных приемах лунного света, таинственный свет луны в темную ночь, ярко красные отсветы зари на стенах украинских хат. Правдиво написал картину Забытая деревня, в которой смело отразил бедственное положение русского народа. Куинджи нашел свой неповторимый, самостоятельный путь в искусстве пейзажа.
Исаак Ильич Левитан (1860—1900) Великолепный мастер тихих и спокойных пейзажей. «Осенний день», «Сокольники», «Хмурый день», «Вечерний звон после дождя», и передающая яркое осеннее настроение «Золотая осень знаменитые полотна» - картины «Над вечным покоем», «Вечер», «Весна», «Большая вода», «Тихая обитель» и картина «Озеро», «Одуванчики».Картины Левитана требуют внимательной вдумчивости их нельзя быстро рассмотреть, не осмыслив всего замысла этого известного художника, оставившего нам свой неповторимый след в своих талантливых работах и в искусстве русской пейзажной живописи. Художник очень любил свою родную природу, часто он уединялся с ней находя в ней понимание ее красоты, которые отразились в его пейзажах. Даже в не очень хорошую погоду он находил свои редкие колоритные оттенки русской непогоды. Воспевая природу верхней волги, он показал миру его прекрасные шедевры.
Василий Васильевич Верещагин (1842—1904 гг.) — русский живописец, художник-баталист, путешественник. Почти всю жизнь В.В. Верещагин проводит в экспедициях, военных походах, разъездах и путешествиях.
"Туркестанская серия" ярких картин написана Верещагиным в Мюнхене в 1871-1874 годах. Состояла из целой группы батальных (практически документальных) картин, таких как "Пусть войдут", "Вошли", "Окружили", "Преследуют", "Напали врасплох". Так как сам Василий Васильевич считал, что лучшим способом обращения к зрителю является персональная тематическая выставка, его выставки имели колоссальный успех в Европе и России.
Талант художника отразил настоящую стоимость имперских амбиций императора в ближневосточных компаниях. Смерть солдат в чужих странах, борьба с восточными армиями и постоянными восстаниями местного населения. Быт и дикие нравы местного населения.
Но Верещагин очень высоко ценил собственное мнение, свободу и достоинство и не искал поддержки власть имущих, вообще избегал "высшего света", несмотря на свою известность в Европе и России. В 1874 году Верещагину предложено звание профессора Академии художеств. Но он публично отказывается от него, мотивируя это тем, что считает "все чины и отличия в искусстве безусловно вредными".
Иван Константинович Айвазовский родился 17 июля 1817 года в Феодосии в семье армянского предпринимателя, позднее разорившегося.
Появившаяся на академической выставке в 1835 году первая картина Айвазовского "Этюд воздуха над морем" сразу же получила хвалебные отзывы критики. В 1837 году живописец за три своих работы с морскими видами награждается большой золотой медалью.
Вскоре Айвазовский отправляется в Крым, получив задание написать ряд пейзажей с крымскими городами. Там он познакомился с Корниловым, Лазаревым, Нахимовым. Крымские работы художника также были успешно представлены на выставке в Академии художеств.
В 1840 году Айвазовский направляется по заданию Академии в Италию. Там он много и плодотворно работает, изучает классическое искусство. В Риме и других европейских городах проходят успешные выставки его работ.
Море предстает у Айвазовского как бы основой природы, в его изображении художнику удается показать всю жизненную красоту могучей стихии. Одной из самых известных картин Айвазовского стал его "Девятый вал", написанный в 1850 году.
«Мир искусства».
История возникновения:
«Мир искусства» (1898—1927) — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 года членами группы.
Предпосылки создания
Художественная жизнь в Российской империи в конце 1890-х годов осложнилась и приобрела новую красочность и неоднозначность. На авансцену художественной жизни вышла новая генерация художников, разочарованных в официально поддерживаемом академизме и критически относящихся к демократическому по направлению общества передвижников.
Новое художественное общество возникло в Санкт-Петербурге и первоначально соединило нескольких молодых художников и лиц, имевших разное, не всегда художественное образование (Александр Бенуа учился на юридическом факультете Петербургского университета. Сергей Дягилев и Дмитрий Философов - юристы по первому образованию, окончившие Петербургский университет).Они были разными по творческому потенциалу, активными в отстаивании собственных установок и взглядов на искусство, его роли в сознании и в обществе. Но взгляды и вкусы у самих этих молодых художников ещё находились в фазе формирования. Отсюда тяга к ретроспективизму, поиски идеалов в искусстве эпохи Петра I, в барокко середины XVIII века, в ампире времён Павла I. Поиски идеалов в искусстве предыдущих веков логично повернули деятелей общества к переоткрытию художественного значения и наследия барокко, российского рококо, раннего классицизма XVIII века, ампира и культуры русской усадьбы, к переоткрытию художественного значения старинной архитектуры, графики, фарфора, которые находились в состоянии кризиса или стагнации. Установки молодых художников имели признаки дворянской культуры и уважения к культурному достоянию Западной Европы.
Критик В. В. Стасов отчетливо почувствовал отчужденность от демократических установок нового общества и поэтому враждебно отнесся к его членам и видел в них представителей декаданса.
Компромиссные позиции выработала Петербургская Академия художеств, руководство которой тоже чувствовало кризисное состояние позднего классицизма и омертвение академизма. Именно из-за этого Петербургскую Академию искусств покинули, не завершив курса, А. Бенуа, К. А. Сомов. Леон Бакст учился в Академии полуофициально как вольнослушатель.
Состояние учебных дел в Академии несколько улучшило назначения ректором художника Репина. Но и Бенуа, и Сомов, и Леон Бакст совершенствовать свое мастерство уже за рубежом.
История
Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев.
Объединение громко о себе заявило, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году в Музее центрального училища технического рисования барона А. Л. Штиглица.
Классический период в жизни объединения пришёлся на 1900—1904 годы — в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. 24 февраля 1900 года в редакции журнала «Мир искусства» состоялось собрание участников выставок журнала, на котором присутствовали следующие художники: Л. Бакст, А. Бенуа, И. Билибин, И. Браз, И. Вальтер, Ап. Васнецов, Н. Досекин, Е. Лансере, И. Левитан, Ф. Малявин, М. Нестеров, А. Обер, А. Остроумова, В. Пурвитис, Ф. Рушиц, С. Светославский, К. Сомов, В. Серов, Я. Ционглинский, а также издатель-редактор журнала С. Дягилев. Были выработаны главные основания организации будущих выставок и избран распорядительный комитет по устройству следующей, уже третьей, выставки в январе — феврале 1901 года; в него вошли В. Серов, А. Бенуа и С. Дягилев.
После 1904 года объединение расширилось и утратило идейное единство. В 1904—1910 годах большинство членов «Мира искусства» входило в состав «Союза русских художников». На учредительном собрании 19 октября 1910 года художественное общество «Мир искусства» было возрождено (председателем избран Н. К. Рерих).
После революции многие его деятели были вынуждены эмигрировать. Объединение фактически прекратило существование к 1924 году. Последняя выставка «Мира искусства» проходила в Париже в 1927 году.
Характеристика
Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.
Теоретики «Мир искусства»
Мир искусства — ежемесячный иллюстрированный художественный журнал, выходил в Петербурге с 1898 по 1904 гг., целиком посвященный пропаганде творчества русских символистов и являвшийся органом одноименного объединения — «Мир искусства» и писателей-символистов.
Выпуском журнала первоначально занимались княгиня М. К. Тенишева и С. И. Мамонтов, однако с 1902 года эти полномочия перешли к С. П. Дягилеву, который одновременно выполнял обязанности редактора. Увеличение нагрузки привело к тому, что уже с 1903 года журнал стал редактироваться совместно с А. Н. Бенуа. Эта же вакансия предлагалась и А. П. Чехову, но тот ответил отказом: «В журнале, как в картине или поэме, должно быть одно лицо и должна чувствоваться одна воля. Это и было до сих пор в „Мире искусства“, и это было хорошо. И надо бы держаться этого».
Инициаторами журнала были А. Н. Бенуа и С. П. Дягилев (внесший крупный вклад в популяризацию русского искусства за рубежом).
«Мир искусства» первоначально предназначался лишь для публикации искусствоведческих статей и многочисленных высококачественных иллюстраций.
В роскошно представленном художественном отделе, посвящённом произведениям как русских, так и иностранных мастеров, принимали участие художники И. Е. Репин, К. А. Сомов, В. М. Васнецов и А. М. Васнецов, В. Д. Поленов, В. А. Серов, М. В. Нестеров, И. И. Левитан, К. А. Коровин, Л. С. Бакст, Е. Е. Лансере и многие другие. Это определило крайне высокий художественно-эстетический уровень издания. Многое в собственном оформлении журнала позднее было трактовано как классические образцы русского искусства конца XIX — начала XX веков, как классика «модерна».
Большое количество материалов было посвящено вопросам самостоятельной русской художественной промышленности — в том числе декоративно-прикладному искусству; особое внимание было уделено образцам старого русского искусства XVIII — начала XIX веков.
Литературный отдел в «Мире искусства» появился не с самого основания журнала, а лишь с 1900 г., при этом он был лишен беллетристики и состоял только из статей и рецензии. Во главе его стоял Д. В. Философов. Среди главных сотрудников отдела были Д. Мережковский и З. Гиппиус, В. Розанов, Л. Шестов, Н. Минский, Ф. Сологуб, К. Бальмонт, с середины 1901 г. — В. Брюсов, с 1902 г. — Андрей Белый.
Во внутреннем ядре журнала и движения «Мир искусства» наблюдался раскол на «консерваторов» (то есть тех, кого интересовало главным образом искусство прошлого) и «радикалов». К числу «консерваторов» принадлежали А. Бенуа, Е. Лансере, Д. Мережковский, иногда В. Серов, а к «радикалам» — А. Нурок, В. Нувель, Л. Бакст.
Нараставшее напряжение во взаимоотношениях среди сотрудников «Мира искусства» привело к выделению группы Мережковских в отдельный журнал «Новый путь», а в 1904 г. появился журнал Весы, а финансовые проблемы не позволили продолжать «Мир искусства». К тому же собственно художественные вопросы, ради которых первоначально учреждался журнал, были уже сформулированы, «поэтому дальнейшее явилось бы только повторением, каким-то топтанием на месте».
9 билет
Искусство Итальянского Возрождения.
Итальянский Ренессанс был началом общеевропейского Возрождения — периода великих перемен и достижений, который начался в Италии в XIV веке и продолжалось вплоть до XVI века, ознаменовав переход от средневековой к современной Европе.
Слово «возрождение» (итал. la rinascita) впервые употребил в 1550 году итальянский художник и историограф Дж. Вазари в работе «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Он назвал «возрождением» деятельность итальянских художников начала XVI века после долгих лет упадка в период «средневековья и варварства».
Этот термин также использовался в работах историков ХІХ века, таких как Жюль Мишле и Якоб Буркхардт. Эпоха Возрождения породила интерес в обществе к культуре классической античности. Время, последующее за периодом Возрождения гуманисты называли темными веками.
Самыми известными достижениями итальянского Возрождения являются достижения в области искусства и архитектуры. Кроме этого, этот период характеризуется серьёзными достижениями в литературе, музыке, философии и других искусствах, а также в области науки. В конце XV века Италия стала признанным Европейским лидером во всех этих областях и в той или иной степени сохранила это лидерство вплоть до 1600-х годов. Итальянское Возрождение сопровождалось крахом итальянской политики. В эти времена почти вся Италия была разделена на отдельные маленькие государства. Итальянский Ренессанс начался в Умбрии (Центральная Италия), с центром в городе Флоренция. Позже он распространился в Венеции, где сохранились остатки древней греческой культуры. Возрождение оказало значительное влияние на Рим. Итальянский Ренессанс достиг своего пика в середине XVI века, во времена иностранных вторжений, которые ввергли регион в хаос итальянских войн. Однако, идеи и идеалы эпохи Возрождения пережили время и распространились по всей Европе, затмив Северное Возрождение.
Итальянская живопись эпохи Возрождения оказывала доминирующее влияние на европейскую живопись на протяжении столетий. В это время там работали такие художники, как Джотто ди Бондоне, Мазаччо, фра Анджелико, Пьеро Делла Франческа, Доменико Гирландайо, Перуджино, Микеланджело, Рафаэль Санти, Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи и Тициан.
Архитектура итальянского Возрождения известна по работам архитекторов Филиппо Брунеллески, Леона Баттиста Альберти, Андреа Палладио и Донато Браманте. Среди их работ — Кафедральный собор Флоренции, Собор Святого Петра в Риме, кафедральный собор Темпио Малатестиано в Римини, множество великолепных особняков.
Особенности:
Итальянское Возрождение в целом характеризуется последовательностью процесса духовного раскрепощения, выходом из-под власти церкви (как экономически, так и политически - именно этот процесс получил название секуляризации), подъемом во всех областях художественного творчества, появлением новых жанров в искусстве (и собственно искусства в сегодняшнем понимании этого слова). Италия по праву считается родиной культуры Возрождения. Именно здесь эта культура впервые заявляет о себе фактом появления книги прозаических эссе и лирической поэзии Данте Алигьери (1265-1321 гг) "Новая жизнь", этого первого в Европе литературного произведения, выданного национальным языком.
Одним из ярких признаков итальянского Возрождения стало новое понимание искусства и науки, занятия которыми перестали считаться недостойными благородного человека. Поэтому в раздробленной на множество карликовых государств Италии, говорила на разных диалектах, деятели искусств - Мазаччо, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонаротти, Рафаэль Санти, Донателло и многие другие - были настолько известны, что их имена не нуждались даже фамилий, чтобы быть узнанными.
И все же эта эпоха вошла в историю как повел свободы, как рождение надежды. Именно в трактатах деятелей итальянского Возрождения впервые осмысленно большую роль новаторства, декларируется необходимость создания чего-то нового как оправдание человеческого существования.
Архитектура:
В эпоху Ренессанса не было необходимости возводить огромные строения для проведения спортивных состязаний или общественные бани, которые возводили римляне. Классические нормы архитектуры изучались и воспроизводились для того, чтобы служить современным эпохе целям. При строительстве большое внимание уделялось фасадам. Фасады в зданиях размещались симметрично относительно вертикальной оси. Церковные фасады, как правило, были оформлены с вертикальными выступами стен (пилястрами), арками и антаблементом, увенчаны фронтоном.
В период кватроченто были заново открыты и сформулированы нормы классической архитектуры. Изучение античных образцов вело к использованию классических элементов архитектуры и орнамента. Ранее Возрождение в искусстве проявлялось в стремлении к органичному сочетанию средневековых традиций с классическими элементами.
Пространство, как архитектурный компонент зданий, было организовано в видении, отличном от средневекового. В его основу встала логика пропорций, форма и последовательность частей стали подчиняться геометрии, а не интуиции, что было характерной чертой средневековых сооружений. Первым образцом периода можно назвать базилику Сан-Лоренцо во Флоренции, построенную Филиппо Брунеллески (1377—1446).
Фасад церкви Санта-Мария-Новелла, 1470г.
В храмовом строительстве Итальянского Ренессанса основным типом строений оставалась базилика с плоским потолком или с крестовыми сводами, различие наблюдалось в отдельных элементах — расстановке и отделке колонн и столбов, распределении арок и архитравов, внешнем виде окон и порталов. В стремлении образования обширных, свободных пространств внутри зданий зодчие ориентировались на греко-римские архитектурные памятники.
Во Флоренции Ренессанс в архитектуре связан с творчеством зачинателя новой европейской архитектуры, теоретика искусства эпохи Возрождения Леоне Баттиста Альберти. Он оказал влияние на формирование стиля Высокого Возрождения. Как и архитектор Филиппо Брунеллески (церковь Сан Лоренцо ), он развивал античные мотивы в архитектуре. По его проектам был построен Палаццо Ручеллаи во Флоренции (1446—1451), перестроены церковь Сантиссима-Аннунциата, фасад церкви Санта-Мария-Новелла (1456—1470), фасады церквей Сан-Франческо в Римини, Сан-Себастьяно и Сант-Андреа в Мантуе — здания, определившие основное направление в архитектуре кватроченто.
Основные памятники итальянской архитектуры этого времени — светские здания, отличались гармоничностью и величием своих пропорций, изяществом деталей, отделкой и орнаментацией карнизов, окон, дверей; дворцы с лёгкими, в основном двухъярусными галереями на колоннах и столбах. В храмовом строительстве наблюдалось стремление к колоссальности и величественности; в это время осуществился переход от средневекового крестового свода к римскому коробовому своду, купола стали опираться на четыре массивных столба.
Представителями архитектуры этого времени были Виньола, построивший Иль-Джезу в Риме и виллу Фарнезе в Витербо, живописец и биограф художников Вазари, им построен дворец Уффици во Флоренции, генуэзец Галеаццо Алесси, который возвёл церковь Мадонны да Кариньяно, дворец Спинола и дворец Саули в Генуе.
Художники:
ДжоттоДжотто ди Бондоне (1266—1337), по происхождению мальчик-пастух с холмов к северу от Флоренции, стал учеником живописца Чимабуэ и самым выдающимся художником своего времени. Джотто, возможно, под влиянием Пьетро Каваллини и других римских художников рисовал не основываясь на живописных традициях, а на основе жизненных наблюдений.
Считается, что в своём творчестве Джотто преодол стиль иконописи, общий для Италии и Византии. Плоское, двухмерное пространство иконы Джотто превратил в трёхмерное с использованием светотени, создающей иллюзию глубины пространства. Фигуры на картинах Джотто кажутся трехмерными; они стоят на земле, облачены в одежды со складками и структурой. Но больше всего характерно для Джотто то, что герои его картин испытывают эмоции. На лицах, изображаемых Джотто видна радость, гнев, отчаяние, стыд, злость и любовь.
Цикл фресок из жизни Христа и жизни Богородицы, которые он написал в капелле Скровеньи в Падуе установил новый стандарт для сюжетных изображений. Его картина Мадонна Оньисанти находится в галерее Уффици во Флоренции, в том же помещении, где и картины Чимабуэ Мадонна Санта Тринита и Дуччо Мадонна Ruccellai. По ним легко сравнивать особенности живописных традиций мастеров. Одна из особенностей проявляется в работах Джотто, связанных с наблюдениями за окружающей жизнью. Он считается предтечей эпохи Возрождения.
Большим художественным завоеванием мастеров живописи времен Джотто является светотеневая моделировка. У Джотто человеческие фигуры не отбрасывают теней, к изображаемым им сценам неприменимо понятие «освещенность». Светотень он использует для создания ощущения рельефности фигуры, используя при этом известный оптический эффект — глаз человека воспринимает более светлое — более близким, а тёмное — удаленным.
Леонардо да Винчи
Сфера интересов и степень таланта, которые демонстрировал Леонардо во многих областях науки и искусства, рассматривается как архетип «человека эпохи Возрождения». Но он был, в первую очередь, художник, опередивший свое время, художник, который опирался на знания разных областях жизни.
Леонардо был научным наблюдателем, имеющим свой взгляд на окружающие предметы. Он изучал и рисовал цветы, водовороты рек, формы скалы и гор, смотрел, как свет отражается от листвы и как сверкали драгоценности. Он изучал формы человеческого тела, препарируя тридцать или более тел невостребованных трупов из больниц для того, чтобы понять устройство и формы мышц и сухожилий.
Как ученый, он создал учение об «атмосфере». В его картинах, таких как Мона Лиза и Мадонна в скалах, он использовал свет и тень с такой проницательностью, что, за неимением лучшего слова, его стали называть Леонардо «дым».
Одновременно с приглашением зрителя в таинственный мир изменчивых теней, хаотических гор и водоворотов, Леонардо достиг в своем творчестве реализма в выражении человеческих эмоций, образов Джотто, но неизвестных Мазаччо в его Адаме и Еве. «Тайная вечеря» Леонардо, роспись в трапезной монастыря в Милане, стала эталоном для картин с религиозным сюжетом следующей половины тысячелетия. Идея расписать трапезную возникла после перестройки алтарной части монастырской церкви, превратив её в усыпальницу правителя Милана Лодовико Моро и его рода. Роспись Леонардо была закончена в 1497 году.
В картине изображены 12 апостолов, разбитых на 4 группы. Справа от Христа изображен апостол Фома, в правой части картины изображены апостолы Матфей, Фаддей и Симон. Слева картины изображены апостолы Варфоломей, Андрей, Иаков Младший. Леонардо отказался от традиции помещать Иуду отдельно и изобразил его среди апостолов. В настоящее время роспись находится в плохом состоянии. Процесс разрушения начался ещё при Леонардо, что отчасти связано с использованием в росписи фрески смешанной техники с преобладанием темперы. Леонардо, как свидетельствовал Вазари, работал медленно, долго обдумывал работы, вносил многочисленные поправки, отсюда — нарушение технологии росписи, требующей быстроты работы и не допускающей поправок.
Многие другие художники эпохи Возрождения рисовали версии тайной вечери, но только картине Леонардо суждено было быть воспроизведенной бесчисленное количество раз в дереве, алебастре, гипсе, на гравюрах, гобелене, вязании крючком и др.
Помимо непосредственного воздействия на людей самих работ, исследования Леонардо в области света, анатомии, пейзаже, технике также пошли на пользу последующим поколениям людей.
Микеланджело
В 1508 году римскому папе Юлию II удалось добиться согласия скульптору Микеланджело продолжить росписи Сикстинской капеллы. Потолок Сикстинской капеллы был построен таким образом, что на нём было двенадцать наклонных частей, поддерживающих свод. На потолке образовалась идеальная поверхность для росписи на тему двенадцати Апостолов. Микеланджело, который уступил требованиям папы, вскоре придумал совершенно другую схему, гораздо более сложную, как в дизайне, так и в иконографии. Масштаб работы, которую он выполнял в одиночку, за исключением некоторой помощи, был титаническим и занял почти пять лет.
По плану Папы, изображения Апостолов должны были тематически образовать живописную связь между Ветхим Заветом и Новым Заветом. Микеланджело избрал другую схему. Темой фресок был выбран рассказ о «первом возрасте» истории мира — ante legem (до дарования закона Моисея). Роспись свода осуществила связь с фресками боковых стен капеллы — от истории Моисея к жизни Христа. Центральный пояс свода включает девять эпизодов из Книги Бытия от истории о сотворении мира до опьянения Ноя. Девять сцен, по три в каждой группе, раскрывают темы Бога-творца до создания человека, Бога и человека в раю, человека, изгнанного из рая. На четырёх распалубках свода в углах капеллы представлены ветхозаветные истории спасения народа Израиля. В окончательной версии изображения пророков, сивилл, Ignudi (обнажённых) перекликаются с фигурами из первого проекта для гробницы папы Юлия. Центр свода занимает композиция Сотворение Евы — согласно христианской догме второй Евой, «непорочной», призванной исправить деяния Евы-грешницы, является Дева Мария, которая также олицетворяет церковь. Таким образом, в капелле, посвящённой Деве Марии раскрывается конвергенция Ева — Мария — Церковь.
В 1533 году папа Климент VII хотел получить Микеланжело написать на боковых стенах Сикстинской капеллы фрески «Страшный суд» и «Падение ангелов». Однако папа умер в 1534 году. Микеланжело же успел сделать наброски задуманных композиций. Новый заказ на фреску «Страшный суд» он получил от папы Павла III Фарнезе. Для новой фрески были сбиты как фрески самого Микельанджело в люнетах алтарной стены, так и фрески Перуджино. Работа над новой фреской была закончена в 1541 году. Микеланджело избрал для фрески нетрадиционную иконографию. На фреске все действующие лица не разделены на грешников и праведников, а охвачены смятением перед Страшным судом. Фреска встретила враждебное отношение клерикальных кругов, обвинившим художника в нарушении правил благочестия. По сообщениям Вазари, папа Павел IV собирался уничтожить фреску и дал поручение художнику Даниеле да Вольтерра написать поверх обнаженных фигур легкие ткани.
Рафаэль
Наряду с Леонардо да Винчи и Микеланджело, имя Рафаэля Санти является синонимом высокого Возрождения, хотя он был моложе Микеланджело на 18 лет и на 30 лет моложе Леонардо. Нельзя сказать, что он значительно обогатил живопись, как это сделали его знаменитые современники. Скорее, его творчество было кульминацией всех событий высокого Возрождения.
За свою короткую жизнь он выполнил ряд крупных алтарей, выдающихся портретов пап, иллюстрировал Ветхий и Новый завет. В то время, когда Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы, Рафаэль выполнял неподалеку серии настенных фресок в палатах Ватикана, включая Афинскую школу, Диспут, Парнас.
Фреска «Афинская школа» посвящена апофеозу философии и изображает встречу образованных древних афинян, собравшихся вокруг центральной фигуры Платона, которого Рафаэль лихо скопировал с образа Леонардо да Винчи. Задумчивая фигура Гераклита, который сидит на большом блоке из камня, — это портрет Микеланджело и ссылка на его фреску Пророк Иеремия в Сикстинской капелле. Собственный портрет Рафаэлы находится справа, возле своего учителя, Перуджино. Под видом Евклида, старика на чертежом в группе математиков справа художник изобразил архитектора, крупнейшего представителя архитектуры Высокого Возрождения — Браманте. Центральные фигуры фрески, Платон и Аристотель, олицетворяют, согласно воззрениям Ренессанса, два главных раздела философии — натуральную философию, изучающую природу и моральную философию, изучающую этику.
Основным источником популярности Рафаэля были не его основные работа, а маленькие Флорентийские картины Мадонны и младенца Христа. Он снова и снова рисовал один и тот же образ Мадонны с пухлыми младенцами. Его крупная работа, долгое время находящаяся в храме провинциальной Пьяченцы, Сикстинская Мадонна была использована в качестве образцов для бесчисленных витражных окон.
Мазаччо
Мазаччо — великий итальянский художник XV века. Полное имя художника: Томмазо ди сер Джованни ди Гвиди. Родился 21 декабря 1401 года в Сан-Джованни-Вальдарно, Тоскана. Известен как один из лучших художников своего времени, мастер флорентийской школы живописи.
Мазаччо — это великий художник раннего Возрождения. Он работал на самой заре расцвета живописи и внёс немалый вклад в становлении основных живописных законов и принципов. Учителями Мазаччо были Филиппо Брунеллески (1337-1446) и Донателло (1386-1466). Мазаччо стал известен именно своей религиозной живописью. Современные исследователи считают, что самым первым произведением Мазаччо был Триптих Святого Ювеналия, который сегодня хранится в церкви Сан Пьетро а Кашья ди Реджелло. Среди массы религиозных картин, фресок и росписей, также известны и три потерта Мазаччо. На всех трёх портретах Мазаччо изобразил молодых людей в профиль.
Итальянский художник Мазаччо часто работал вместе с другим художником Мазолино. Исследователи считают, что Мазаччо повлиял на творчество Мазолино, но всё-таки Мазолино был более успешен, так как писал более понятные для массового зрителя произведения. Известна одна картина, которую Мазаччо и Мазолино написали вместе — «Мадонна с младенцем и св. Анной».
Самыми знаменитыми картинами итальянского живописца 15 века Мазаччо стали такие произведения, как: фрески для капеллы Бранкаччи, «Изгнание из рая», «Чудо с сатиром», «Крещение неофитов», «Святой Пётр исцеляет больного своей тенью», «Раздача имущества и смерть Анании», «Мадонна с младенцем», «Св. Иероним и Иоанн Креститель» и многие другие. Великий художник флорентийской школы умер в Риме осенью 1428 года.
МантеньяАндре́а Манте́нья (итал. Andrea Mantegna, ок. 1431, Изола-ди-Картуро, ныне в области Венеция — 13 сентября 1506, Мантуя) — итальянский художник, представитель падуанской школы живописи. В отличие от большинства других классиков итальянского Ренессанса, писал в жёсткой и резкой манере.
Мантенья родился около 1431 года в итальянском местечке Изола-ди-Картура близ Венеции в семье дровосека. В 1441 году был усыновлен знатоком древностей и художником Франческо Скварчоне. Учился изобразительному искусству, а также латыни у Скварчоне, который пробудил в нём интерес к античности. В 1445 году был записан в цех живописцев Падуи.
В возрасте 17 лет Мантенья в суде добился независимости от Скварчоне и с тех пор работал как самостоятельный художник. Первой крупной работой художника стала роспись капеллы Оветари в Падуе совместно с Никколо Пиццоло. В молодости испытал влияние флорентийской школы, в частности Донателло.
В 1466–1467 Мантенья посетил Тоскану, а в 1488–1490 Рим, где по просьбе папы Иннокентия VIII украсил фресками его капеллу.
В своей живописи он следовал традиции флорентинца Мазаччо, но отдавал предпочтение более стойкой темпере, как это было принято у мастеров Венеции.
Скульптура итальянского Возрождения.
Скульптура Ренессанса — один из важнейших видов искусства Возрождения, достигший в это время расцвета. Основным центром развития жанра была Италия, главным мотивом — ориентация на античные образцы и любование человеческой личностью.
Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры, скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное значение. Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку. Наряду с сохраняющими свое значение образами христианской мифологии и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета, создаются конные статуи, украшающие площади городов. Значительно изменяется характер декоративного рельефа, образные возможности которого расширяются в связи с использованием приемов живописно-перспективного изображения и новых материалов, в частности полихромной керамики.
Скульптура раньше живописи прочно встает на новый путь развития, что объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых культовых сооружениях. При больших постройках создавались мастерские, которые готовили скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку, знакомясь с архитектурой, со строительным и ювелирным делом. Все эти познания помогали в работе над монументальной пластикой, отличавшейся особой тщательностью исполнения.
Донателло. Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло. Широтой своих исканий и разносторонностью таланта он оказал огромное воздействие на последующее развитие европейской пластики.
Торжество идеалов ренессансной скульптуры и утверждение статуарного начала знаменует первая обнаженная статуя в итальянской пластике Возрождения — «Давид».
Микеланджело
Микеланджело Буонарроти (Michelangelo Buonarroti; иначе - Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони) (1475-1564) - один из самых удивительных мастеров Высокого и Позднего Возрождения в Италии и в мире. По масштабу своей деятельности он был подлинным универсалом - гениальным скульптором, великим живописцем, архитектором, поэтом, мыслителем. Монументальность, пластичность и драматизм образов, преклонение перед человеческой красотой проявились уже в ранних произведениях мастера. Его творения утверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности
Великая страсть владела его существом, и он был страшен потому, что все подчинял своей страсти, не милуя ни других, ни себя. Он знал, чего хотел, и, как бывает даже у самых замечательных людей, твердо считал, что только его воля достойна уважения: что заветная цель ясна ему как никому другому. Вместе с Леонардо да Винчи и Рафаэлем, Микеланджело составляет триаду величайших светил, явившихся на горизонте искусства за всю христианскую эпоху. Он стяжал себе громкую, неувядающую славу во всех трех главных художественных областях, но был скульптор по преимуществу: пластический элемент преобладал в его гении до такой степени, что этим элементом запечатлены его живописные произведения и архитектурные композиции. Он был первым скульптором, познавшим строение человеческого организма и высекшим скульптуры из мрамора, показав всю красоту человеческого тела.
Трагедия Микеланджело состояла в том, что ему, гениальному скульптору, феноменально чувствовавшему мрамор, приходилось подчиняться прихотям покровителей-пап и заниматься живописью, архитектурой, бронзовым литьем и созданием фресок. Но даже в этих, не свойственных ему областях, проявлялась подлинная гениальность матера. К сожалению, многие его планы и идеи так и остались нереализованными, большое количество его творений не сохранилось до наших дней, многие проекты не были завершены при его жизни.
Микеланджело был одним из величайших скульпторов, величайших живописцев и величайших архитекторов своего времени; нет другого подобного ему человека, оставившего столь богатое наследие последующим поколениям. Во всем мире имя Микеланджело ассоциируется с фреской «Сотворение Адама», статуями Давида и Моисея, собором св. Петра в Риме. Наш сайт познакомит Вас также и с малоизвестными страницами его жизни и творчества, проведет по галерее его творений, в которой представлены: скульптуры Микеланджело, фрески Сикстинской капеллы, архитектурные сооружения Рима и Флоренции, картины, рисунки и наброски.
Статуя Давида, Галерея Академии во Флоренции
Статуя Давида является самой известной скульптурой в мире. Давид Микеланджело ваялся в течение трех лет, а взялся за нее мастер в возрасте 26 лет. В отличие от многих более ранних описаний библейского героя, которые изображают Давида торжествующим после сражения с Голиафом, Микеланджело был первым художником, изобразившим его в напряженном ожидании до легендарной схватки. Первоначально размещенная на флорентийской площади Синьории в 1504 4-метровая скульптура была перемещена в Галерею Академии в 1873, где и остается по сей день. Подробнее о Галерее Академии вы можете прочитать в подборке достопримечательностей Флоренции на LifeGlobe.
Скульптура Бахуса в музее БарджеллоПервая крупномасштабная скульптура Микеланджело — мраморный Вакх. Вместе с Пьетой, это одна из двух сохранившихся скульптур римского периода творчества Микеланджело. Это также одна из нескольких работ художника, сосредоточение на языческой, а не христианской тематике. Статуя изображает римского бога вина в расслабленном положении. Работы была первоначально заказана кардиналом Раффаеле Риарио, который в итоге от нее отказался. Тем не менее, к началу 16-го века Бахус нашел дом в саду римского дворца банкира Якопо Галли. С 1871 Вакх демонстрируется во флорентийском Национальном музее Барджелло вместе с другими работами Микеланджело, включая мраморный бюст Брута и его незаконченную скульптуру Давида-Аполлона.
Мадонна Брюгге, Церковь Богоматери в Брюгге
Мадонна Брюгге была единственной скульптурой Микеланджело, покинувшей Италию при жизни художника. Она была пожертвована церкви Девы Марии в 1514, после того как была выкуплена семьей продавца ткани Мускрона. Статуя несколько раз покидала церковь, сначала во время французских войн за независимость, после которых была возвращена в 1815, чтобы снова быть выкраденной нацистскими солдатами во время Второй мировой войны. Этот эпизод драматично изображен в фильме 2014 года "Охотники за Сокровищами" с Джорджем Клуни в главной роли.
Пьета в Базилике Св. Петра, Ватикан
Наряду с Давидом, статую Пьеты конца 15-го века считают одной из самых выдающихся и известных работ Микеланджело. Первоначально созданная для могилы французского кардинала Жана де Билье скульптура изображает Деву Марию, держащую Тело Христа после его распятия на кресте. Это была общая тема для похоронных памятников в ренессансную эру Италии. Перемещенная в собор Святого Петра в 18-м столетии Пьета — единственное произведение искусства, подписанное Микеланджело. Статуя понесла значительный ущерб за эти годы, особенно когда австралийский геолог венгерского происхождения Ласло Тот ударил по ней молотком в 1972 году.
Моисей Микеланджело в Риме
Расположенный в красивой римской базилике Сан-Пьетро-ин-Винколи "Моисей" был заказан в 1505 Папой Римским Юлием II, как часть его похоронного памятника. Микеланджело так и не успел закончить памятник до смерти Юлия II. Высеченная из мрамора скульптура известна необычной парой рогов на голове Моисея – результатом буквальной интерпретации латинского перевода библии Вульгаты. Предполагалось объединение статуи с другими работами, включая Умирающего Раба, ныне расположенного в Парижском Лувре.
Высокий Ренессанс в Венеции.
Венеция, сумевшая сохранить свою независимость, дольше хранит верность традициям Ренессанса.
Джорджио Барбарелли да Кастельфранко, по прозванию Джорджоне (1477-1510), первый в Венеции обратился к литературным и мифологическим темам. Объектом поклонения для него были пейзаж, природа и прекрасное нагое человеческое тело. Его лучшие произведения были исполнены в масляной технике. В картине «Гроза» Джорджоне изображает человека как часть природы. Он владеет тонкой и богатой палитрой. Изображение «Спящей Венеры» изящно, свободно и не лишено чувственной прелести. Но лицо целомудренно строго, в сравнение с ним Тициановские Венеры кажутся языческими богинями.
Тициан Вечеллио (1477?-1576) создал произведения и на мифологические и на христианские сюжеты, работал с портретом. Около 1520 года герцог Феррарский заказывает ему цикл картин, в которых Тициан воспевает античность, воплощает дух язычества: «Вакханалия», «Праздник Венеры».
Тициан много пишет на мифологические сюжеты. В 1545 году появляется его первый вариант «Данаи». Даная соответствует античным идеалам красоты. Толкование образа несет в себе плотское, земное начало, выражение простой радости бытия.
К концу жизни Тициана его творчество претерпевает изменения. Он ещё много пишет на античные сюжеты, но всё чаще обращается к христианским темам мучинечств, в которых языческая жизнерадостность сменяется трагическим мироощущением («Бичевание Христа», «Оплакивание»).
В конце XV века в Венеции уже очевидны черты надвигающейся новой эпохи в искусстве. Это видно в творчестве двух крупнейших художников Паоло Веронезе и Якопо Тинторетто.
Паоло Кальяри, по прозвищу Веронезе (1528-1588) суждено было стать последним певцом праздничной Венеции XVI века. Он чаще пишет большие картины маслом на холсте, алтарные образа для церкви. Всё что он написал это огромные декоративные картины праздничной Венеции, где нарядная венецианская толпа изображена на фоне венецианского архитектурного пейзажа.
Трагическое мироощущение проявилось в творчестве другого художника – Якопо Робусти, известного как Тинторетто (1518-1594). Он был прекрасным колористом. Его многочисленные произведения, в основном на темы мистических чудес, полны беспокойства, тревоги, смятения. Уже в первой известной картине «Чудо святого Марка» он представляет фигуру святого в сложном ракурсе, а людей в состоянии такого бурного движения, которое было бы невозможно в искусстве Высокого Ренессанса в его классический период.
Многие работы Тициана пронизаны ощущением одиночества, поглощенности человека пространством, чувством ничтожности человека перед величием природы, что глубоко чуждо гуманистическому искусству Высокого Возрождения.
2. Академизм и антиакадемизм в русской живописи. «Передвижники».
Понятие академизм в искусстве:
Академи́зм (фр. academisme) — направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.
Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. «Салонные» художники, насаждали в искусстве пышность, эротику, эклетику, поверхностную развлекательность и внешнюю виртуозность.
Словом «академизм» часто определяют два различных художественных явления- академический классицизм конца XVIII - начала XIX века и академизм середины-второй половины XIX века.
К представителям академизма относят Жана Энгра, Александра Кабанеля, Уильяма Бугро, Шарля Барга во Франции, Луиджи Муссини в Италии, Фёдора Бруни, Александра Иванова, Карла Брюллова в России.
Для русского академизма первой половины XIX века характерны возвышенная тематика, высокий метафорический стиль, многоплановость, многофигурность и помпезность. Были популярны библейские сюжеты, салонные пейзажи и парадные портреты. При сюжетной ограниченности тематики картин работы академистов отличались высоким техническим мастерством.
Карл Брюллов, соблюдая академические каноны в композиции и технике живописи, расширил сюжетные вариации своего творчества за пределы канонического академизма. В ходе своего развития во второй половине XIX века российская академическая живопись включила в себя элементы романтической и реалистической традиций. Академизм как метод присутствует в творчестве большинства членов товарищества «передвижников». В дальнейшем для российской академической живописи стали характерны историзм, традиционализм и элементы реализма.
Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.
В последние годы в западной Европе, США и России возрос интерес к академической живописи XIX века и к её развитию в XX веке. Современные интерпретации академизма присутствуют в творчестве таких российских художников, как Илья Глазунов, Александр Шилов, Николай Анохин, Сергей Смирнов, Илья Каверзнев и Николай Третьяков.
Художники
Крамской Иван Николаевич (1837 - 1887) Иван Крамской замечательный мастер портретного жанра, «Портрет неизвестной прекрасной незнакомки», «И. И. Шишкина» и др. Его знаменитая картина «Христос в пустыне» вызвала бурю эмоций и долго не утихавшую полемику.
Известный живописец, один из главных реформаторов в искусстве, известный своей антиакадемической деятельностью, пропагандирующий в пользу свободного развития молодых художников. им написанные ряд знаменитых портретов: Л. Н. Толстого, М. Е. Салтыкова - Щедрина, Некрасова, А. Д. Литовченко, Софьи Николаевны Крамской и множество других. Крамской главный учредитель и основатель ТПХВ. Без Крамского невозможно представить все те начинания художественной культуры с ее новейшими преобразованиями, открывшие народным массам всю правду жизни в искусстве. Художник в свое время набрал небывалую популярность, исходя из этого ему часто поручали заказ портрета, соответственно портреты его кистей постоянно дорожали при его жизни.
Перов Василий Григорьевич (Perov Vasily Grigorevich), русский живописец, один из организаторов общества «Товарищество передвижников». Автор жанровых картин («Сельский крестный ход на Пасхе», 1861), проникнутых сочувствием к народу («Проводы покойника», 1865, «Тройка», 1866), психологических портретов («А. Н. Островский», 1871; «Ф. М. Достоевский», 1872). Родился 21 декабря 1833 года в Тобольске. Незаконный сын барона Г. К. Криденера; фамилия «Перов» возникла как прозвище, которое дал будущему художнику его учитель грамоты, заштатный дьячок.
Учился Василий Перов в Арзамасской школе живописи (1846-1849) и в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1853-1861), в частности у Сергея Константиновича Зарянко. Жил и работал в Москве, а в 1862-1864 годах в Париже (как пенсионер Академии художеств). Василий Григорьевич Перов испытал особое влияние творчества Павла Андреевича Федотова, а также французской журнальной сатирической графики и немецкого бытового жанра дюссельдорфской школы. Перов был одним из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.
Ранние картины живописца Перова Василия Григорьевича проникнуты анекдотически «обличительным» настроением, представляя собой живописные карикатуры, в том числе на духовенство («Проповедь в селе», 1861; «Чаепитие в Мытищах», 1862); художник Перов тщательно выписывал характеры персонажей своих картин и обстановку, стремясь к нравоучительному эффекту. Любовь к анекдоту сохраняется у Перова и позже (картина «Приезд гувернантки в купеческий дом», 1866, Третьяковская галерея, Москва). Сатирическое настроение, однако же, с годами ослабевает, сменяясь драматической экспрессией либо добродушным юмором.
В зрелые годы колорит Перова обрел новую, более острую, тональную выразительность в таких картинах, как «Проводы покойника» (1865) и «Тройка. Ученики мастеровые везут воду» (1866; обе — там же); крестьянские похороны в первом случае и эпизод из жизни обездоленных детей-подмастерьев во втором предстают уже не просто социальной сатирой, но драмой об «униженных и оскорбленных», по смыслу своему общечеловеческой. Сила символико-психологического обобщения — и соответственно параллели с прозой Достоевского, — еще более значительны в «Утопленнице» и в особенности в картине «Последний кабак у заставы» (обе — 1868, там же). Туманный утренний город за фигурой женщины-самоубийцы и в картине с кабаком закат, гаснущий за городской чертой кажутся роковым порубежьем, придающим серой бытовой среде подобие земного ада.
Перов внес также большой вклад в искусство портрета. Живописец создал образы ряда известных деятелей русской культуры («Драматург Александр Николаевич Островский», 1871; «Писатель Владимир Иванович Даль», «Историк Михаил Петрович Погодин», оба — 1872; все — Третьяковская галерея). Портрет Федора Михайловича Достоевского кисти Перова (1872, там же) считается лучшим живописным изображением писателя. Персонажи Перова, — в том числе крестьянин «Фомушка-сыч» (1868) или купец И. С. Камынин (1872; оба — там же), полны особой внутренней значительности вне зависимости от своего социального и культурного статуса; яркая индивидуальность порой сочетается в них с беспрецедентной (для русской портретной традиции тех лет) напряженностью духовной жизни, иногда на грани мучительного трагизма (как в портрете Ф. М. Достоевского).Созерцая простых обывателей с их отнюдь не героической, но все же «человечкиной» душой, Перов здесь —если говорить о литературных параллелях — приближается к Н. С. Лескову. Впрямую его литературные симпатии сказываются в картине «Старики-родители на могиле сына» (1874, там же), написанной как иллюстрация к финалу тургеневских «Отцов и детей». Сам художник обнаруживает и писательский талант (рассказы из народной жизни «Тетушка Марья», 1875; «Под крестом», 1881).
В поздний период своего творчества Перов стремится к созданию грандиозных, обобщающих образов национальной истории. Однако законченные исторические картины Перова («Суд Пугачева», 1875, Исторический музей, Москва, вариант — 1879, Русский музей; «Никита Пустосвят. Спор о вере», 1880-1881, Третьяковская галерея) не принадлежат к числу его шедевров, поскольку как раз должной степени монументального обобщения в них и не удается достичь. Среди учеников Перова (когда он преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1871-1882 годах) были Н. А. Касаткин, С. А. Коровин, М. В. Нестеров, А. П. Рябушкин и другие художники. Скончался Василий Григорьевич Перов 29 мая (10 июня) 1882 года в селе Кузьминки (ныне Москва).
Александр Андреевич Иванов (1806—1858) — русский художник, академик; создатель произведений на библейские и антично-мифологические сюжеты, представитель академизма, автор полотна «Явление Христа народу».
Александр Иванов родился в семье художника Андрея Ивановича Иванова (1775—1848), который в том же году был утверждён адъюнкт-профессором исторического класса Императорской Академии художеств. В одиннадцать лет поступил «посторонним» учеником в Императорскую Академию художеств. Учился в академии при поддержке Общества поощрения художников, учился под руководством своего отца, профессора живописи Андрея Ивановича Иванова. Получив за успехи в рисовании две серебряные медали, был награждён в 1824 году малой золотой медалью за написанную по программе картину «Приам испрашивает у Ахиллеса тело Гектора». В 1827 году получил большую золотую медаль и звание художника XIV класса за картину «Иосиф, толкующий сны заключенным с ним в темнице виночерпию и хлебодару».
Покровительствовавшее Иванову общество решило послать его на свой счет за границу, для дальнейшего усовершенствования, но предварительно потребовало, чтобы он написал ещё одну картину на тему «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры». Выполнив это требование, Иванов в 1830 году отправился в Европу, и через Германию, с остановкой на некоторое время в Дрездене, прибыл в Рим.
В Италии первые работы Иванова состояли в копировании «Сотворения человека» Микеланджело в Сикстинской капелле и в написании эскизов на разные библейские сюжеты. Усердно изучая Священное Писание, в особенности Новый Завет, Иванов всё более увлекался мыслью изобразить на большом полотне первое явление Мессии народу, но прежде чем приступить к этой трудной задаче, хотел испробовать свои силы над менее масштабным произведением. С этой целью он в 1834—1835 годах написал «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине».
Картина имела большой успех как в Риме, так и в Санкт-Петербурге, где в 1836 году художник удостоился за неё звания академика.
Ободренный успехом, Иванов принялся за «Явление Христа народу». Работа затянулась на двадцать лет (1836—1857), и только в 1858 году Иванов решился отправить картину в Санкт-Петербург и явиться туда вместе с ней. Выставка самой картины и всех относящихся к ней эскизов и этюдов была организована в одном из залов Академии Художеств и произвела сильное впечатление на общественность.
Карл Павлович Брюллов родился 12 (23) декабря 1799 г., в Петербурге, в семье обрусевшего немца Брюлло. Отец был искусным скульптором-резчиком и писал интересные миниатюры.
Любовь к рисованию проявилась у Карла еще в детстве. Взрослым часто казалось, что карандаш является естественным продолжением руки “Карлуши”.
Когда мальчику исполнилось десять лет, его приняли в столичную художественную Академию. В ее стенах Брюллов Карл Павлович провел двенадцать лет.
Начало творческого пути
Закончив обучение на “отлично”, молодой художник продемонстрировал свою независимость. Он отказался оставаться в стенах академии и в 1819 г. поселился в мастерской своего старшего брата, который был активным участником возведения Исаакиевского собора.
В это время Карл Павлович писал портреты на заказ. Основными его заказчиками были меценаты А. Дмитриев-Мамонов и П. Кикин. По их просьбе, Брюллов написал такие картины, как “Эдип и Антигона” и “Раскаяние Полиника”.
Эти картины пользовались огромным успехом. За них юного художника наградили четырехлетней пенсионной поездкой в Италию. Поездка состоялась летом 1822 г., и продлилась 12 лет – до 1834г.
В Италии
В итальянских музеях Брюллов изучал живопись выдающихся художников прошлых лет. Больше всего его поразила “Афинская школа” Рафаэля. В течение 4 лет Брюллов работал над ее копией. Итоговый результат поразил не только “коллег по кисти”, но и критиков.
Творчество художника в эти годы было достаточно плодотворным. В 1827 г. была создана картина “Итальянский полдень”, в 1832 г. – “Вирсавия”.
Являясь выдающимся живописцем, Брюллов создал немало светских портретов. Одной из самых ярких портретных работ является “Всадница”.
Брюллов был признан при жизни. На Родину он вернулся уже будучи живым классиком.
Передвижники
В 1863 году в Академии художеств разразился скандал, равных которому не было с момента создания этого учебного заведения. Четырнадцать выпускников, допущенных к конкурсу на золотую медаль Академии, отказались писать картины на заявленную Советом Академии тему. Художники попросили дать им право свободного выбора сюжета и, получив отказ, они приняли решение оставить Академию. Этот скандал вошел в историю как «бунт четырнадцати». А его участники впоследствии стали известнейшими художниками: И. Крамской. К. Маковский, А. Корзухин и др.
Что же толкнуло художников к такому поступку? Дело в том, что уже давно Академия перестала быть передовым учебным заведением, каким она была в XVIII веке. В Академии требовали делать только то, «что положено». Молодые художники рисовали бесконечную череду картин на античные и религиозные сюжеты, выполняли заказы двора. Известен случай, когда император Николай I потребовал от художника: «Повернуть голову собаки в другую сторону!». И это требование пришлось выполнить. «Искусство не свободно!» - именно такой вывод делали многие молодые художники.
Между тем, времена менялись. С приходом к власти нового императора Александра II была ослаблена цензура. Отмена крепостного права и Великие реформы вызвали серьезные изменения в русском обществе. Молодые художники считали, что живопись должна отражать эти изменения.
Уйдя из Академии художеств, поначалу они создали художественную артель, заработки в которой были общими. Только так они могли выжить. В 1864 году члены артели устроили в Нижнем Новгороде свою единственную выставку. В 1870 году на основе артели было создано Товарищество передвижных художественных выставок или Товарищество передвижников.
Передвижные выставки должны были познакомить русское общество с современной живописью, помочь художникам продавать их произведения. Вход на выставки был платным. Первая выставка была принята с восторгом. После этого выставки стали ежегодными. В России не было ни одного крупного художника, который не принимал бы участие в передвижных выставках. Крамской, Перов, Левитан, Суриков, Шишкин, Верещагин, Васнецов, Поленов, и другие. Программ передвижников включала два принципа: реализм и народность.
Передвижники - художники, входившие в прогрессивное российское демократическое художественное объединение - Товарищество передвижных художественных выставок. Товарищество образовалось в 1870 в Петербурге по инициативе И. Н. Крамского, Г. Г. Мясоедова, Н. Н. Ге и В. Г. Перова в ходе борьбы передовых художественных сил страны за демократические идеалы и в противовес официальному центру искусства - петербургской АХ. Развивая лучшие традиции Артели художников, испытывая постоянное воздействие общественных и эстетических взглядов революционных демократов В. Г. Белинского и Н. Г. Чернышевского, передвижники решительно порвали с канонами и идеалистической эстетикой академизма. Освободившись от регламентации и опеки АХ, они организовали внутреннюю жизнь ТПХВ на кооперативных началах, развернули просветительскую деятельность. С 1871 ТПХВ устроило 48 передвижных выставок в Петербурге и Москве, показанных затем в Киеве, Харькове, Казани, Орле, Риге, Одессе и других городах.
Избрав основой своего искусства творческий метод критического реализма, передвижники обратились к правдивому изображению жизни и истории народа, родной страны, её природы; стремясь служить своим творчеством интересам трудового народа, они прославляли его величие, силу, мудрость и красоту, часто поднимались до беспощадного обличения его угнетателей и врагов, невыносимо тяжёлых условий его жизни. Ведущими жанрами в искусстве передвижников были бытовой жанр и портрет, позволявшие наиболее полно показывать жизнь народа, создавать образы передовых людей, прямо утверждать демократические идеалы. Значительное развитие получили также исторический жанр и пейзаж; в картинах на религиозные сюжеты воплощались актуальные нравственно-философские проблемы. В 1870-80-х гг., в пору своего расцвета, искусство передвижников развивалось в сторону всё более широкого охвата жизни, всё большей естественности и свободы изображения. На смену несколько скованной и суховатой манере письма тёмными красками приходят свободная, широкая манера, передача световоздушной среды с помощью светлой палитры, рефлексов, цветных теней; разнообразнее и свободнее становится композиция картины. В творчестве передвижников критический реализм в русском изобразительном искусстве достиг своей кульминации. Новаторское, подлинно народное искусство передвижников служило действенным средством демократического, общественного, нравственного и эстетического воспитания многих поколений и в конечном счёте стало важным фактором развития русского освободительного движения. В. И. Ленин, передовые деятели русского революционного движения и русской культуры дали высокую оценку творчеству передвижников.
ТПХВ объединяло почти все наиболее талантливые художественные силы страны. В его состав в разное время входили (помимо инициаторов) И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Е. Маковский, И. М. Прянишников, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. М. Максимов, К. А. Савицкий, А. М. Васнецов и В. М. Васнецов, А. И. Куинджи, В. Д. Поленов, Н. А. Ярошенко, И. И. Левитан, В. А. Серов и др. Экспонентами выставок ТПХВ были М. М. Антокольский, В. В. Верещагин, А. П. Рябушкин и др. Большую роль в развитии художественной деятельности передвижников играл критик-демократ В. В. Стасов; П. М. Третьяков, приобретая в свою галерею произведения передвижников, оказывал им важную материальную и моральную поддержку. Авторитет и общественное влияние ТПХВ неуклонно росли. Реакционная критика и АХ, вынужденные отказаться от первоначальной тактики зажима и травли передвижников, делали попытки подчинить себе их деятельность, оживить с их помощью академическую школу. В 1890-х гг. в состав АХ вошли видные передвижники (Репин, Маковский, Шишкин и др.). В числе передвижников были художники Украины (К. К. Костанди, Н. К. Пимоненко), Латвии (К. Гун), Армении (В. Суреньянц) и другие, оказавшие большое влияние на развитие своих национальных школ по пути реализма, народности и демократических идеалов. Огромное значение для русского реалистического искусства имела педагогическая деятельность Перова, Репина, Маковского, Крамского, Саврасова. Куинджи, Савицкого, Поленова и др.
На рубеже XIX и XX вв. искусство ряда передвижников стало утрачивать глубину отражения жизни, обличительный пафос. ТПХВ теряло былое общественное влияние, но основное ядро передвижников до конца сохранило верность реализму и демократическим идеалам. В 1890-1900-х гг. в творчестве передовой группы передвижников проявились социалистические идеи, отразившие развитие рабочего движения, рождались элементы социалистического искусства (Н. А. Касаткин, Л. В. Попов, С. В. Иванов и др.). Многие передвижники, войдя в советскую художественную культуру, явились носителями великих реалистических традиций XIX в. и помогли формированию искусства социалистического реализма. ТПХВ распалось в 1923. Его члены влились преимущественно в АХРР, продолжая в новых исторических условиях служить народу.
3.Реализм в западноевропейской живописи.
Понятие реализма в искусстве
Реализм — (от позднелат. reālis «действительный») — направление в искусстве, ставящее целью правдивое воспроизведение действительности в её типичных чертах.
Под реализмом в узком смысле понимают позитивизм как направление в изобразительном искусстве 2-й половины XIX века. Термин «реализм» впервые употребил французский литературный критик Ж. Шанфлёри в 50-х годах XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму. Господство реализма следовало за эпохой Романтизма и предшествовало Символизму.
Реализм в живописи
Появление реализма в живописи обычно связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе (1819—1877), открывшего в 1855 году в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма», хотя ещё до него в реалистической манере работали художники барбизонской школы (Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон). В 1870-е годы реализм разделился на два основных направления — натурализм и импрессионизм[2].
Реализм в литературе
В любом литературном произведении различают два основных элемента: объективный — воспроизведение явлений, данных помимо художника, и субъективный — нечто, вложенное в произведение художником от себя. Отсюда возникают два литературных направления. Это реализм, ставящий задачу максимально объективного воспроизведения действительности, и идеализм, видящий предназначение в дополнении действительности и создании новых форм. В российской публицистике и литературной критике указанный смысл термина «реализм» впервые определил Дмитрий Писарев. До этого момента термин «реализм» употреблялся Герценом лишь в философском значении, в качестве синонима понятия «материализм» (1846).
Реализм в театре
Реализм в театре, как реалистическая драма, представляет собой промежуточный жанр, граничащий и с трагедией, и с комедией, в котором конфликт обычно не доводится до трагического конца. Его существенной чертой является острая актуальность, интерес к современности и злободневности. Стремление к точности изображения является настолько определяющим для реалистов, что даже при обращении к прошлому, они остаются столь же щепетильными к фактам, как при изображении типов и событий современной им жизни.
Возникновение реализма
Становление реализма во-первых связано с фамилиями Стендаля и Бальзака во Франции, Пушкина и Гоголя в Российской Федерации, Гейне и Бюхнера в Германии. Реализм развивается начально в недрах романтизма и несет на себе печать последнего; не столько Пушкин и Гейне, ведь и Бальзак тянут в молодости мощное пристрастие романтичной литературой. Впрочем в различие от романтичного умения реализм не желает от идеализации реальности и связанного с ней преобладания необыкновенного составляющей, и еще от завышенного интереса к необъективно стороне человека. В реализме превалирует направленность к изображению широкого общественного фона, на котором проходит жизнь героев ("Человеческая комедия" Бальзака, "Евгений Онегин" Пушкина, "Мертвые души" Гоголя и т. д.). Глубиной понимания общественной жизни художники-реалисты от случая к случаю превосходят философов и социологов собственного времени.Возникновение реализма явилось одним из идеологических отражений величайшего прогрессивного переворота, пережитого человечеством в эпоху Возрождения.
или вот
Возникновение реализма явилось одним из идеологических отражений величайшего прогрессивного переворота, пережитого человечеством в эпоху Возрождения. Реализм возникает в эпоху, когдачеловек осознает свою собственную ценность и суверенность, осознает, что он несет в себе деятельное творческое начало. Освобождение человека от пут средневекового аскетизма, раскрепощение его чувств, жажда земных наслаждений, стремление к объективному, научному познанию жизни, бурное кипение страстей явилось почвой реализма Шекспира и других писателей Возрождения.
Жан-Франсуа Милле (фр. Jean-François Millet, 4 октября 1814 — 20 января 1875) — французский художник, один из основателей барбизонской школы.
Милле родился в семье зажиточного крестьянина из маленькой деревушки Грюши на берегу пролива Ла-Манш близ Шербура. Его художественные способности были восприняты семьёй как дар свыше. Родители дали ему денег и позволили учиться живописи. В 1837 г. он приехал в Париж и два года занимался в мастерской живописца Поля Делароша (1797—1856). С 1840 г. молодой художник начал выставлять свои работы в Салоне.
В 1849 г. художник поселился в Барбизоне и прожил там до конца своих дней. Тема крестьянской жизни и природы стала главной для Милле. «Я крестьянин и ничего больше, как крестьянин», — говорил он о себе.
Тяжесть труда крестьян, их нищета и смирение отразились в картине «Сборщицы колосьев» (1857г.). Фигуры женщин на фоне поля согнуты в низком поклоне — только так им удастся собрать оставшиеся после жатвы колосья. Вся картина наполнена солнцем и воздухом. Работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило мастера временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта.
Картина «Анжелюс» (1859 г.) показала, что Милле способен передать в своих работах тонкие эмоциональные переживания. В поле застыли две одинокие фигуры — муж и жена, заслышав вечерний колокольный звон, тихо молятся об умерших. Неяркие коричневатые тона пейзажа, освещённого лучами заходящего солнца, создают ощущение покоя.
В 1859 году Милле по заказу французского правительства написал полотно «Крестьянка, пасущая корову». Морозное утро, иней серебрится на земле, женщина медленно бредёт за коровой, её фигура почти растворилась в утреннем тумане. Критики назвали эту картину манифестом бедности.
В конце жизни художник под влиянием барбизонцев увлёкся пейзажем. В «Зимнем пейзаже с воронами» (1866 г.) нет крестьян, они давно ушли, бросив пашню, по которой бродят вороны. Земля прекрасна, печальна и одинока. «Весна» (1868—1873 гг.) — последняя работа Милле. Полная жизни и любви к природе, сияющей яркими красками после дождя, она закончена незадолго до смерти художника.
20 января 1875 года художник в возрасте 60 лет скончался в Барбизоне и был похоронен близ деревни Шалли, рядом со своим другом Теодором Руссо.
Милле никогда не писал картин с натуры. Он любил ходить по лесу и делать маленькие зарисовки, а потом по памяти воспроизводил понравившийся мотив. Художник подбирал цвета для своих картин, стремясь не только достоверно воспроизвести пейзаж, но и достичь гармонии колорита.
Живописное мастерство, стремление без прикрас показать деревенскую жизнь, поставили Жана Франсуа Милле в один ряд с барбизонцами и художниками реалистического направления, работавшими во второй половине XIX в.
Жан-Батист-Камиль Коро (фр. Jean-Baptiste Camille Corot, 17 июля 1796 (29 мессидора IV года Республики), Париж — 22 февраля 1875, там же) — французский художник и гравёр, один из самых выдающихся и плодовитых пейзажистов эпохи романтизма, оказавший влияние на импрессионистов. Зарисовки и эскизы Коро ценятся почти столь же высоко, как и законченные картины. Цветовая гамма Коро основана на тонких отношениях серебристо-серых и жемчужно-перламутровых тонов. Известно его выражение — «валёры прежде всего».
Коро получил свои первые уроки живописи у пейзажиста Мишалона, а после его смерти обучался у Бертена.
Исследователи находят определённую связь между работами Коро и его предшественников — Каналетто, Гварди и Лоррена. Но в целом его искусство очень самобытно. В частности, оно отличается от параллельно развивавшегося искусства барбизонцев, чьи пейзажи, посвященные быту французской деревни, были слишком статичны.
Большое значение для творчества Коро имело путешествие в Италию 1825—1828 годов. Позже он возвращался туда ещё два раза: в 1834 и в 1843 годах. Коро ездил в Бельгию и Нидерланды, Англию, регулярно посещал Швейцарию. Много путешествовал и по Франции: Нормандия, Бургундия, Прованс, Иль-де-Франс.
Работая на пленэре, Коро создал целые альбомы этюдов. Зимой он писал в студии картины на мифологические и религиозные темы, стремясь добиться успеха в Салоне, первые свои картины он отправил туда уже в 1827 году. Таковы, например, «Агарь в пустыне» (1835), «Гомер и пастухи» (1845). Однако наибольшей славы Коро добился в портрете и, особенно, в пейзаже.
На портретах Коро чаще всего изображены нежные и грустные девушки, иногда на фоне пейзажа. Например, «Портрет Клер Сеннегон» (1837, Лувр), где белое платье контрастирует с серым небом, или «Туалет» (1859, Частное собрание), где обнаженная девушка изображена на опушке леса.
Иногда портреты Коро перекликаются с работами Леонардо да Винчи и Рафаэля, руки портретируемых сложены таким же образом, как на картинах мастеров Возрождения («Женщина с жемчужиной» (1868/1870, Лувр)).Одни из лучших его портретов — «Женщина в розовой юбке» (Около 1865, Лувр), «Прерванное чтение» (1870, Художественный институт, Чикаго), «Цыганка с мандолиной» (Около 1874, Сан-Паулу, Музей искусств.), «Дама в голубом» (1874, Лувр).Большинство картин, написанных Коро — это пейзажи. Уже в начале своей карьеры в Италии он создал большое количество этюдов в стиле Мишаллона, наполненных воздухом и светом, например — «Вид на Форум от садов Фарнезе» (1826, Лувр), «Утро в Венеции» (1834, ГМИИ им. А.Пушкина).
Коро нельзя признать колористом. На его картинах всего несколько основных тонов, зато широкое использование валёров позволяет мастерски передать настроение, зачастую, осеннее, грустноватое. Среди различных осенних полутонов и оттенков только в одной точке картины может иногда мелькнуть яркое пятнышко, например, шапочки рыбака, как на эрмитажных картинах «Крестьянка, пасущая корову у опушки леса» (1865/1870), «Утро» и «Вечер» (конец 1850-х / начало 1860-х гг.).
Коро разделял этюды, написанные с натуры и фантазии, навеянные воспоминаниями о каком-либо примечательном месте. Вершина творчества Коро — «Воспоминание о Мортфонтене» (1864, Лувр).
Многие пейзажи Коро прославили те уголки Франции, где он писал свои лучшие произведения — «Мост в Манте» (1868/1870, Лувр), «Башня в Дуэ» (1871, Лувр), «Пляж в Этрета» (1872, Музей искусств Сент-Луиса).
Он оказал влияние на импрессионистов, с некоторыми из которых был знаком лично. «Больше всего мне нравится в Коро то, как он одним сучком дерева умеет передать вам всё», — говорил Огюст Ренуар. Творчество Коро явилось необходимым этапом развития французской живописи на пути от барбизонцев к импрессионистам.
Всего Коро написал более 3000 картин, помимо этого создал десятки офортов. Как и в случае с Айвазовским, такое количество произведений породило подделки, имитации и трудности в атрибуции, что позднее привело к падению спроса на работы Коро. Известны случаи, когда, встретив понравившуюся ему подделку «под Коро», художник в знак одобрения мастерства фальсификатора подписывал её своим именем.
Оноре́ Викторе́н Домье́ (фр. Honoré Victorin Daumier; 26 февраля 1808—10 февраля 1879) — французский художник-график, живописец и скульптор, крупнейший мастер политической карикатуры XIX века.
Домье родился в Марселе в 1808 году в семье стекольщика. С детства увлекался рисованием, освоил мастерство литографа. Поначалу зарабатывал на жизнь созданием литографий-иллюстраций для музыкальных и рекламных изданий. В 1832 году за карикатуру на короля («Гаргантюа», 1831) Домье был на полгода заключён в тюрьму. С 1848 по 1871 год создал не менее четырёх тысяч литографий и ещё столько же иллюстраций карандашом.
Составил себе в 1840-х годах громкую известность карикатурами на политические обстоятельства, общественную и частную жизнь выдающихся людей Франции того времени. В эпоху Луи-Филиппа начал работать в сатирическом журнале Caricature Шарля Филипона. Рисунок Домье сух и грубоват; но представляемые им типы и сцены полны жизни, поразительной правды, и, вместе с тем, едкой насмешки. Впоследствии сатирические рисунки Домье начали появляться в журнале «Charivari». Это были сцены из «Похождений Робера Макера» (с подписями Филипона).
Из живописных произведений Домье известны: «Восстание» (1848), «Мельник, его сын и осел» (1849), «Дон-Кихот, отправляющийся на свадьбу» (1851), «Прачка» (1861), «Шахматисты» (между 1863 и 1867). Он продолжал писать картины до самой смерти, даже когда совсем ослеп. Его гротескные, утрированные, нарочито грубо исполненные образы вызывали восхищение Мане и Дега; существует мнение, что Домье был первым импрессионистом.
Бодлер выделял Домье, которого уже в 1845 году поставил в один ряд с Энгром и Делакруа: «Домье поднялся до больших высот, сделал карикатуру жанром серьезного искусства, он великий карикатурист. Чтобы должным образом оценить Домье, нужно рассматривать его и с точки зрения мастерства, и с точки зрения содержания. Домье-художника отличает прежде всего уверенность. Его рисунок — это рисунок крупного мастера, он щедр и свободен, это своего рода непрерывная импровизация, но при этом в нём нет ничего от механических навыков художника, успевшего „набить себе руку“.
8 билет
1.Искусство междуречья.
Месопотамия, наряду с Египтом, Грецией и Римом считается одним из наиболее значимых центров мировой цивилизации. Возникновение культуры Месопотамии датируется IV тыс. до н.э. когда начали возникать города. На протяжении всего периода существования культуры Месопотамии (IV в. до н.э. – I в. н.э) ей было характерно внутреннее единство, связь органических компонентов и преемственность традиций.
Скорее всего, из-за особенностей строительного материала, распространенного в данном регионе, архитектура представлена, в основном, дворцами и всевозможными культовыми постройками. В связи с дефицитом природного камня, скульптура Месопотамии не получила особенного развития, но зато хорошо представлена мелкая пластика, которая применялась для декорирования предметов обихода. Мелкая пластика этого периода подразделяется на металлопластику и минеральную скульптуру.
Немногочисленными являются также материалы живописи Месопотамии, но все-таки они позволяют составить представление о типичных вариантах мозаик и росписей, а также характере используемых символов. До нашего времени сохранилось достаточно большое количество керамических изделий с характерными образцами росписи.
В чем жителям Месопотамии удалось достичь действительно высокого мастерства, так это в обработке металлов (в первую очередь, драгоценных).
Ну и, конечно же, говоря о Месопотамии нельзя не упомянуть одно из чудес света – «Висячие Сады Семирамиды», которые стали апогеем умения этих людей строить сады и парки невероятной красоты.
На начальных этапах культуры данного региона было изобретено своеобразное письмо, которое позднее превратилось в широкоизвестную в настоящее время клинопись. Именно клинопись стала основной цивилизации, которая позволяла обеспечивать преемственность и сохранять традиции. Как только письменность была окончательно забыта, перестала существовать и цивилизация.
Но она не исчезла в буквальном понимании этого слова – самые важные ценности Месопотамии были переняты арамеями, персами и греками, что позволяет говорить о существенном вкладе искусства и культуры Месопотамии в мировую сокровищницу.
Основной строительный материал в Междуречье
Основным строительным материалом в древнейшей Месопотамии в связи с почти полным отсутствием местного камня и леса был кирпич-сырец.
В Двуречье древнейшим видом жилища считаются хижины, плетеные из тростника и обмазанные глиной, а также глинобитные бескаркасные постройки, довольно непрочные. Вскоре был изобретен сырцовый кирпич. Изначально кирпичи изготавливали из глины вручную, иногда добавляли рубленую солому. В Джемдет-Насре были обнаружены остатки постройки конца IV - начала III тыс. до н.э. из тонких, плоских кирпичей, т.н. рихменов, односторонне-выпуклых, сделанных вручную. В начале III тыс. до н.э. кирпичи уже начали изготавливать в деревянных формах, сначала продолговатые (20 х 30 х 10 см), затем квадратные (31 х 34 х 10 см), т.н. старовавилонский кирпич. Кирпичная техника, сложившаяся в Месопотамии с древнейших времен, и связанные с ней сводчатые конструкции, сыграли огромную роль в дальнейшем развитии мировой архитектуры, т.к. были унаследованы античной архитектурой, а от нее - средневековой Европой.
Из сырцового кирпича возводились и массовое жилье, и монументальные сооружения. Кирпич обожженный и глазурованный, главным образом служил облицовочным материалом, и использовался довольно редко. Основу всех конструкций составляли мощные многометровые стены, внешняя сторона которых расчленялась выступами, а верхняя часть имела зубчатое завершение.
Зиккурат (от вавилонского слова sigguratu — «вершина», в том числе «вершина горы») — многоступенчатое культовое сооружение в Древней Месопотамии и Эламе, типичное для шумерской, ассирийской, вавилонской и эламской архитектуры. В поздние периоды зиккурат был не столько храмовым сооружением, сколько административным центром, где располагалась администрация и архивы.
Зиккурат представляет собой башню из поставленных друг на друга параллелепипедов или усечённых пирамид от 3 у шумеров, до 7 у вавилонян, не имевших интерьера (исключение — верхний объём, в котором находилось святилище). Террасы зиккурата, окрашенные в разные цвета, соединялись лестницами или пандусами, стены членились прямоугольными нишами. Внутри стен, поддерживающих платформы (параллелепипеды) находилось множество комнат, где жили священники и работники храма.
Рядом со ступенчатой башней-зиккуратом обычно находился храм, который являлся не молитвенным сооружением как таковым, а жилищем бога. Шумеры, а вслед за ними и ассирийцы с вавилонянами, поклонялись своим богам на вершинах гор и, сохранив эту традицию после переселения в низменное Двуречье, возводили горы-насыпи, соединявшие небо и землю. Материалом для постройки зиккуратов служил кирпич-сырец, дополнительно укреплённый слоями тростника, снаружи облицовывались обожжённым кирпичом. Дожди и ветры разрушали эти сооружения, их периодически подновляли и восстанавливали, поэтому они со временем становились выше и больше по размерам, менялась и их конструкция. Шумеры строили их трёхступенчатыми в честь верховной троицы своего пантеона — бога воздуха Энлиля, бога вод Энки и бога неба Ану. Вавилонские зиккураты были уже семиступенчатыми и окрашивались в символические цвета планет.
Прообразом зиккурата были ступенчатые храмы. Первые такие башни в форме примитивных ступенчатых террас появились в аллювиальных долинах Тигра и Евфрата в конце IV тысячелетия до н. э. Последний заметный всплеск активности в возведении месопотамских зиккуратов засвидетельствован уже в VI веке до н. э., в конце нововавилонского периода. На протяжении всей древней истории зиккураты подновлялись и перестраивались, составляя предмет гордости царей.
Великий зиккурат в Уре (зиккурат Этеменнигуру) — наиболее сохранившийся храмовый комплекс Древнего Междуречья. Возведён в XXI веке до н. э. (около 2047 до н. э.) в городе Уре местными царями Ур-Намму и Шульги, как и святилище Экишнугаль, в честь лунного божества Нанна. Впоследствии не раз перестраивался, был значительно расширен нововавилонским царём Набонидом.
Строительство зиккурата вела третья династия Ура, восстановившая местную государственность после нашествий аккадцев и гутиев. Зиккурат был призван служить не только храмом, но и общественным учреждением, архивом и царским дворцом. С его вершины как на ладони можно было созерцать весь город.
Зиккурат представлял собой 20-метровое кирпичное здание, которое располагалось на платформах различной ширины, с основанием 64 на 46 метров, с тремя этажами. Фундамент был сложен из сырцового кирпича, внешние стены выложены каменными плитами.
Вся поверхность здания была облицована кирпичами, которые предварительно прошли обработку битумом.
Три подъёма наподобие приставных лестниц (крутая-центральная и две боковые соединялись вверху) вели на первую площадку, откуда ступени вели в кирпичную надстройку, где помещалось главное святилище-храм богини луны Нанны. Верхняя площадка служила также жрецам для наблюдений за звездами. Внутри стен, поддерживающих платформы, находилось множество комнат, где жили священники и работники храма.
Надстройка не сохранилась. Первый исследователь сооружения, Леонард Вулли, полагал, что эти лестницы были в древности обсажены деревьями, чтобы всё сооружение напоминало жителям аллювиальной равнины священную гору.
Зиккурат в Уре служил чтимым образцом для зодчих Древнего Междуречья. Не исключено, что либо сам зиккурат Этеменнигуру, либо построенный по его образцу зиккурат в Вавилоне послужили прообразом описанной в Библии Вавилонской башни.
Клинопись междуречья
Кли́нопись — наиболее ранняя из известных систем письма. Форму письма во многом определил писчий материал — глиняная табличка, на которой, пока глина ещё мягкая, деревянной палочкой для письма или заострённым тростником выдавливали знаки; отсюда и «клинообразные» штрихи.
Большая часть клинописных систем письма восходят к шумерскому (через аккадскую). В позднем бронзовом веке и в эпоху античности существовали системы письма, внешне похожие на аккадскую клинопись, но иного происхождения (угаритское письмо, кипро-минойское письмо, персидская клинопись).
Древнейшим памятником шумерского письма является табличка из Киша (около 3500 г. до н. э.). За ней по времени следуют документы, найденные на раскопках древнего города Урук, относящиеся к 3300 году до н.э. Появление письменности совпадает по времени с развитием городов и сопутствующей этому полной перестройкой общества. В то же время в Древней Месопотамии появляется колесо и знание о плавке меди.
Между Тигром и Евфратом находилось Шумерское царство, а на востоке — царство Элам. В городах этих довольно урбанизированных государств жили управляющие, торговцы, ремесленники. Вне городов — крестьяне и пастухи.
Как торговые, так и административные контакты всех этих групп необходимо было запечатлеть в определённой форме. Именно из этой необходимости и появилась письменность.
Первыми систему записи создали шумеры. Элам, где использовали в то время лишь набор разрозненных пиктограмм, адаптировал шумерскую письменность под свой язык.
Цилиндрическая печать — выточенный из камня небольшой цилиндр с продольным осевым отверстием, который использовался в Древнем мире в качестве удостоверения личности автора документа или свидетеля его подписания. Боковая поверхность цилиндра (труцил) содержала уникальную резьбу по камню, как правило, содержащую религиозный сюжет. Наибольшее распространение цилиндрические печати получили в Месопотамии, где, начиная с шумерского периода, такая печать являлась важнейшим, всегда носимым с собой, атрибутом человека.
Цилиндрические печати обычно изготовлялись специальными мастерами из твердого камня. Известны цилиндрические печати из аметиста, гематита, мыльного камня, известняка, обсидиана, нефрита , сердолика, карнеола, халцедона и других природных минералов. Наиболее престижным материалом в Месопотамии для изготовления печатей среди простых горожан считалась Ляпис-лазурь, царские печати могли быть изготовлены из полудрагоценных камней. В Древнем Египте цилиндрические печати изготавливались также из стекла и фаянса.
Большинство цилиндрических печатей изготавливались таким образом, чтобы после прокатывания по мягкому материалу (например, по мокрой глине) получалось выпуклое изображение. Рисунки и орнаменты самой печати при этом делались вдавленными. Однако, некоторые цилиндрические печати, предназначенные в основном для других письменных материалов, сами изготавливались выпуклыми и использовались, например, для нанесения краски на документ из пергамента, папируса и др.
Цилиндрические печати в Месопотамии
Наибольшее распространение и применение цилиндрические печати получили в Месопотамии, где являлись неотъемлемым звеном документооборота. У культур этого региона было принято оформлять сделки на глиняных табличках с участием свидетелей, при этом продавец, покупатель и свидетели «подписывались» своими цилиндрическими печатями. Иногда сделку удостоверял местный чиновник, исполняя роль «нотариуса».
Если горожанин терял свою печать, было принято посылать гонцов в разные части города, которые кричали на каждой улице об утере печати таким-то человеком и о том, что более такая печать недействительна.
Цилиндрическую печать человека после его смерти обычно клали вместе с ним в могилу вместе с его другими личными ценностями.
Ворота богини Иштар в Вавилоне.
Построены ворота Иштар в Вавилоне, в 575 году до н.э., при царе Навуходоносоре и представляют собой огромную арку из кирпичей, покрытых ярко-синей эмалью. Стены арки украшают священные животные, драконы и быки, которых вавилоняне считали спутниками богов. Достаточно представить себе несколько недель кочевания по пустыне, где взгляд скользит по обожженной поверхности песка, пыльные улочки городов, сложенных из камней того же песочного цвета, и можно будет понять, насколько красочно смотрелись огромные ярко-синие ворота богини Иштар в Вавилоне посреди царства засухи.
Через ворота Иштар прежде проходили пышные священные процессии. Расположены ворота богини Иштар в легендарном Вавилоне. «Да возрадуются Боги, когда пройдут этой дорогой» — писал Навуходоносор.
Ворота богини Иштар: загадки
Грандиозность этого архитектурного творения заключается, как и дороги Мардука, не столько в размерах, сколько в эмали. Чтобы создать ворота Иштар требовались составляющие, которых в Вавилоне просто не было. Их привозили из таких стран, которые в то время считались окраинами мира. Температура, необходимая для изготовления эмали, должна постоянно поддерживаться на уровне не менее 900ºС.
Чтобы получить однородный синий цвет на всех кирпичах, количество красителя на каждую порцию эмали должно быть высчитано с высокой точностью. После того, как кирпичи покрывали эмалью, их обжигали в течение 12 часов при температуре свыше 1000ºС.
Сегодня такая высокая температура в печи поддерживается с помощью электроники, а необходимое количество красителя отмеряется на электронных весах. Как отмеряли количество красителя и поддерживали температуру в печах за 500 лет до н.э. – неизвестно.
Статуя крылатого быка Шеду.
Шеду — в шумеро-аккадской мифологии дух-хранитель человека, выражающий его индивидуальность. В сугубо мужской форме именовался шеду (по-аккадски) и алад (по-шумерски), в нейтральной (которая могла быть и женской) — ламма́су (по-аккадски) и ла́ма (по-шумерски). В искусстве изображался в виде существа с телом быка или льва, с орлиными крыльями и человеческой головой.
Мотив крылатого животного с головой человека характерен для древнего искусства всего Ближнего Востока; впервые он встречается в находках из Эблы начала III тысячелетия до н. э. В новоассирийскую эпоху шеду получил повсеместное распространение по всей Ассирии: фигуры «человекобыка» охраняли все значительные государственные сооружения и въезды в города.
Изваяния грозных и высокомерных крылатых быков с надменными человеческими глазами, стоящих на страже у ворот гигантского дворца Саргона II в городе Дур-Шаррукине (ныне Хорсабад в Ираке), имели магическую охранительную функцию. Пять ног крылатого чудовища создавали иллюзию движения,
позволяя видеть его неподвижным анфас или идущим в профиль в зависимости от положения зрителя. До сих пор это существо поражает воображение остроумным композиционным решением. Каменные чудовища из дворца Саргона II (весом в 21 тонну каждое) хранятся сейчас в Париже, в Лувре.
2. Разнообразие жанров в Русской живописи начала 20 века.
Данный период можно считать апогеем русского реализма в живописи. Огромное влияния на творчество художников оказали социальные волнения в стране, а также революция 1905 года. Появляются первые «ласточки» политической цензуры и критических очерков - власть осознала силу и эмоции, передающиеся людям при просмотре картин и последующий социальный эффект. Появляются даже первые запреты на публичные демонстрации картин.
Центральной темой изобразительного искусства по-прежнему является народ.
Художественный образ этого времени многопланов: реализм, символизм, модерн, импрессионизм, авангард, русский сезаннизм, абстракционизм. В экспозиции – произведения знаменитых художников реалистического направления И. Е. Репина, В.А. Серова, Б.М. Кустодиева, С.А. Коровина, работы Н.И. Фешина. Произведения крупнейших представителей объединения «Мир искусства» А.Н. Бенуа, К.А. Сомова, Л.С. Бакста, М.В. Добужинского, А.Я. Головина привлекают декоративностью станковой живописи, стремлением к символической многозначности, метафоричности образов, многоплановостью утончённой игры формы и содержания. Можно увидеть ранние работы таких мастеров, как К.С. Петров-Водкин, В.Э. Борисов-Мусатов. Многие крупные живописцы этого времени создали свой собственный мир.
Валентин Серов
Валентин Александрович Серов родился 19 января 1865 года в Петербурге.
У Валентина рано проявились художественные способности, сначала его учителем был А.Кемпинг, а затем И.Репин. Сначала занятия с Серовым Репин проводил в Париже, потом в Москве и Абрамцеве.
После поездки в Запорожье, в 1880 году, Репин направляет Серова в петербургскую Академию художеств, где его наставником становится П.Чистяков. Творчество Серова вызывает восхищение и у Чистякова, и у его современников.
Жизнь Серова в Абрамцеве и Домотканове оказала большое влияние на формирование его, как художника. Здесь он создает свои знаменитые портреты - "Девочка с персиками", на котором изображена дочь Мамонтова Вера, и "Девушка, освещенная солнцем", портрет двоюродной сестры. Оба портрета наполнены особой одухотворенностью и поэтичностью, что сразу выделило Серова среди других художников и сделало его популярным.
За картину "Девочка с персиками" Валентин Серов был награжден премией Московского общества любителей художеств, второй портрет купил для своей коллекции П.Третьяков.
В Домотканове Серовым были написаны такие полотна, как "Октябрь", "Баба с лошадью", "Стригуны".
Серов много и увлеченно работает, создавая произведения, ставшие позже классикой русской живописи. Им написаны портрет Мики Морозова , И. Левитана, Н. Лескова, М.Морозовой, С.Боткиной, М.Ермоловой и много других работ.
Во время революции 1905 года, когда Серов стал свидетелем расстрела рабочих, художник в знак протеста против действий правительства покидает Академию художеств. Появляются его политические карикатуры "1905 год: После усмирения", "1905 год. Виды на урожай 1906 года", картины "Баррикады, похороны Н. Э. Баумана", "Солдатушки, бравы ребятушки, где же ваша слава?".
В эти годы Серова увлекают темы истории и мифологии. Художник создает картину "Петр I". В мае 1907 года Валентин Серов едет в Грецию, которая произвела на него большое впечатление своими памятниками и скульптурами. В 1910 году им написано поэтическое сказание "Похищение Европы" и несколько вариантов "Одиссея и Навзикаи". Вместе с тем он продолжает и портретный жанр - появляются портреты О.Орловой, Г.Гиршмана.
Нестеров Михаил Васильевич, русский художник, выдающийся мастер историко-религиозного и портретного жанра. Родился 19 (31) мая 1862 года в Уфе в купеческой семье. Михаил Нестеров получил высшее художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где его наставниками были В. Г. Перов, А. К. Саврасов, И. М. Прянишников, а также в Академии художеств (1881–1884). Жил Михаил Нестеров преимущественно в Москве, а в 1890–1910 годах – в Киеве. Не раз бывал в Западной Европе, в том числе во Франции и Италии, много работал в Подмосковье (Абрамцево, Троице-Сергиева лавра и их окрестности).
Если ранние исторические картины Нестерова еще передвижнически достаточно бытописательны ("Избрание Михаила Федоровича на царство", 1886, Третьяковская галерея, Москва; "Выбор царской невесты. Первая встреча царя Алексея Михайловича с боярышнею Марией Ильиничной Милославской", 1887, Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера», Архангельск), то позднее, художник усиливает в своих образах фольклорные черты ("За приворотным зельем", 1888, Художественный музей, Саратов), атмосферу религиозной легенды ("Пустынник", 1888–1889, Третьяковская галерея).Знаменитое полотно "Видение отроку Варфоломею" (будущему Сергию Радонежскому; 1889–1890, Третьяковская галерея) – картина, где чувством чудесного проникнуты и фигуры, и среднерусский пейзаж. Михаил Васильевич Нестеров активно работал и в сфере религиозного монументально-декоративного творчества: росписи Владимирского собора в Киеве, мозаики и иконы церкви Спаса-на-крови в Петербурге, росписи храма Александра Невского в Абастумани, росписи Покровского храма Марфо-Мариинской обители в Москве. Здесь закрепляется традиция «церковного модерна», наполняющего канонические церковные сюжеты глубоким лиризмом.
По-своему монументально-лиричны портреты художника; наиболее выразительны созданные Нестеровым образы родных и духовно-близких людей (дочь художника Ольга Михайловна Нестерова, или так называемая "Амазонка", 1906; П. А. Флоренский и С. Н. Булгаков, или "Философы", 1917). В больших, «соборных» картинах Нестеров стремится выразить чаемые рубежи великого духовного обновления ("Великий постриг", 1898; "Святая Русь", 1901–1906). Самое большое полотно мастера - "На Руси. Душа народа." (первоначальное название "Христиане" 1914-1916) - включает в толпу «очарованных странников» фигуры Достоевского, Льва Толстого и Владимира Соловьева. Неизменно весьма важную, порой самоценную роль играет лирический пейзаж (написанная по соловецким впечатлениям картина "Молчание", 1903).
Не приняв революции, Нестеров уединяется в творчестве. Религиозные сюжеты (где мастер варьирует прежние мотивы) допускаются лишь на «экспорт», а единственная постреволюционная выставка картин Нестерова в 1935 году носит закрытый, «спецпропускной» характер. В эти годы художнику лучше всего удается выразить себя в портретах; он пишет людей искусства и науки как своего рода подвижников творческой силы и энергии (портреты художников П. Д. и А. Д. Кориных (1930), академика И. П. Павлова (1935), скульпторов И. Д. Шадра (1934) и В. И. Мухиной (1940; все работы – в Третьяковской галерее) и другие портреты.Константин Алексеевич Коровин (23 ноября (5 декабря) 1861 года, Москва — 11 сентября 1939, Париж) — русский живописец, театральный художник, педагог и писатель.
Родился в состоятельной купеческой семье. Дед - купец первой гильдии Михаил Емельянович Коровин.
В четырнадцать лет Константин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества, через год перешёл на отделение живописи. Учился у А. К. Саврасова и В. Д. Поленова.
Для завершения образования Коровин поехал в Санкт-Петербург и поступил в Академию художеств, но через три месяца ушёл оттуда, разочаровавшись в тамошних методах преподавания.
В 1894 году Коровин вместе с другом, художником В. Серовым, совершил путешествие на Север. В результате появились пейзажи «Гавань в Норвегии», «Ручей святого Трифона в Печенге», «Геммерфест. Северное сияние», «Мурманский берег».
Он совершил поездку в Париж в 1887, 1892 и 1893 годах, где познакомился с импрессионизмом.
В 1896 году К. А. Коровин оформил павильон «Крайний Север», построенный по его проекту на ярмарке в Нижнем Новгороде.
В 1900-х годах художник активно работал в театре, создавая эскизы костюмов и декорации к драматическим постановкам, а также операм и балетам. В частности, он оформил спектакли «Фауст» (1899), «Конёк-горбунок» (1901), «Садко» (1906), «Золотой петушок» (1909). Константин Коровин работал над оформлением спектаклей Большого театра, Мариинского театра и театра Ла Скала в Милане.
Значительное место в творчестве Коровина занимал Париж. Городские пейзажи созданы под сильным влиянием французских импрессионистов. Ему мастерски удалось передать жизнь французской столицы в часы утреннего пробуждения, но более всего вечером, в сиянии огней на улицах и бульварах («Париж. Бульвар Капуцинок», 1902, 1906 и 1911; «Париж утром», 1906. Все — ГТГ).В Париже К. Коровин увлёкся символизмом и, вернувшись в Россию, посещал лекции художника-эстета М. А. Дурнова, общался с поэтом К. Д. Бальмонтом. В эти годы он написал картины «Северная идиллия» (1892, ГТГ) и «Муза» (1890-е, ГТГ).
Во время Первой мировой войны К. А. Коровин работал консультантом по маскировке в штабе русской армии.
На протяжении десятилетий К. А. Коровин участвовал в выставках художников разных направлений и объединений — передвижников, «Мира искусства», «Союза 36-ти», Союза русских художников.
С 1901 года К. А. Коровин и В. А. Серов преподавали в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Среди его учеников были сценограф С. Ф. Николаев, будущий педагог, писатель и краевед С. П. Волков.
В 1902 году К. Коровин покупает у Саввы Мамонтова участок земли и строит дом в деревне Охотино. Сейчас это Переславский район Ярославской области. Чуть позже, часть земли, так называемую Ратухинскую пустошь, у него выкупает Фёдор Шаляпин, и по проекту Коровина также строит себе дом.
После октябрьской революции в России Коровин активно занимался вопросами сохранения памятников искусства, организовал аукционы и выставки в пользу освободившихся политзаключённых, продолжал сотрудничать с театрами. С 1918 года художник жил в имении Островно Вышневолоцкого уезда Тверской губернии, преподавал в свободных государственных художественных мастерских на даче «Чайка».
Врубель Михаил Александрович, русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Родился в Омске 5 (17) марта 1856 года. Учился Врубель в Петербургской Академии художеств (1880–1884) у Павла Петровича Чистякова; уроки акварели брал у Ильи Ефимовича Репина. Особое влияние на художника оказали живопись венецианского Возрождения (из современников – испанец М. Фортуни и английские прерафаэлиты).
Самобытная манера живописца – особого рода кристаллический рисунок, мерцающий тонами «сине-лилового мирового сумрака» – окончательно сформировалась в его киевские годы (1884–1889), причем в русле церковного искусства. Приглашенный для реставрации Кирилловской церкви (12 век), художник Михаил Врубель в ряде случаев должен был исполнить новые композиции (в частности, "Сошествие Святого Духа", 1884); тогда же он написал и икону "Богоматерь с младенцем" (Киевский музей русского искусства). Византийская традиция насыщается здесь острым, трагически-напряженным психологизмом нового времени.
Феерическое великолепие врубелевского колорита в полной мере проявилось в картине "Девочка на фоне персидского ковра" (1886, там же). После переезда в Москву Михаил Александрович
Врубель становится одним из самых активных членов художественной группы Саввы Мамонтова. Здесь живописец пишет ряд лучших своих картин, работает в майолике – скульптуры Царь Берендей, Лель, Волхова, – все в Третьяковской галерее, Москва; обращаясь к дизайну, исполняет эскизы керамической печи, вазы, скамьи (Музей в Абрамцеве).
«Русский стиль» этих вещей находит выражение и в его сценографии, связанной с Московской частной русской оперой Саввы Ивановича Мамонтова, в том числе в оформлении "Садко" (1897) и "Сказки о царе Салтане" (1900) Николая Андреевича Римского-Корсакова. Талант Врубеля-декоратора проявляется и в его огромном панно " Принцесса Грёза", заказанном для Нижегородской ярмарки (1896, Третьяковская галерея). Атмосфера волшебной сказки, характерная для картин "Пан" (1899), "Царевна-Лебедь", "К ночи", "Сирень" (все 1900), пронизана характерным для символизма чувством темного хаоса, таящегося за внешними покровами мироздания.
Экспрессивно-драматичны и портреты, исполненные художником, (К. Д. и М. И. Арцыбушевых, а также Саввы Мамонтова, все три 1897; все работы – в Третьяковской галерее). Подспудный трагизм достигает кульминации в тех врубелевских образах, которые восходят к его иллюстрациям к поэме Лермонтова "Демон" (акварель, белила, 1890–1891, Третьяковская галерея и Русский музей, Санкт-Петербург), – в картинах "Демон" (1890) и "Демон поверженный" (1902; обе работы – Третьяковская галерея).
Конгломерат искрящихся форм в последней картине близок уже к беспредметному искусству. В 1902 году живописца поражает тяжелый душевный недуг, но и в поздний свой период (проведенный в основном в частных клиниках Москвы и Петербурга) он создает немало работ, отмеченных изысканным мастерством ("Жемчужина", 1904; Портрет Валерия Яковлевича Брюсова, 1906), – работ, переходных от модерна к авангарду. В 1906 художник ослеп. Умер Михаил Александрович Врубель в Петербурге 1 (14) апреля 1910. Влияние его искусства было универсальным: в той или иной мере его испытали практически все крупные мастера русского искусства 20 века.
3.Западноевропейский классицизм и рококо.
Понятие классицизма в рококо.
К самым ярким и заметным направлениям архитектуры (и интерьеров) того времени можно отнести четыре стиля: барокко, рококо, классицизм и ампир. Эти стили существовали во всех развитых странах Европы, сменяли или дополняли друг друга, кроме того в каждой стране они обрели свои национальные отличительные особенности. Поэтому сегодня мы пользуемся такими понятиями как "русское барокко", английский классицизм" или "французский ампир". Несмотря на это, все стиле относятся к одной группе и к одному историческому периоду, поэтому мы можем выделить в них ряд общих особенностей.
- роскошь: эти стили использовались для оформления интерьеров аристократии, поэтому их иногда называют дворцовыми или королевскими (классицизм - самый скромный и сдержанный стиль в этой группе, хотя по современным меркам эти интерьеры - невиданная роскошь);
- большие просторные помещения с высокими потолками (в наименьшей степени это относится к стилю рококо);
- способы декорирования: лепнина, настенные росписи или картины с классическими сюжетами, резные изделия из дерева (в том числе использование резьбы в мебели).
Отличия рококо от классицизма:
- в классицизме наблюдается стремление к стройности и упорядоченности всех элементов архитектуры;
- классицизм стремится к сдержанности и простоте, избегая вычурных деталей;
- классицизм опирается на античную теорию архитектуры, и тщательно соблюдает пространственную гармонию.
Рококо
Термин рококо происходит от французского "rocaille" (произносится "рокайль"), а в переводе означает "ракушка". Стиль стал видоизмененным воплощением, более красивой и эффектной интерпретацией стиля Барокко, порождением французской аристократии и светской культуры. В отличие от других стилей, получивших распространение в различных областях искусства, рококо относится преимущественно только к интерьерам.
История. Стиль Рококо появился в XVIII веке во Франции, и уже в конце столетия он господствовал по всей Европе.
Этот стиль визуально часто путают с барокко, между ними действительно есть много общего, но есть и много узнаваемых отличий. Отличительные особенности стиля Рококо:
- для таких интерьеров характерны следующие эпитеты: изящный, лёгкий, игривый, затейливый;
- наряду с большими помещениями в планировке присутствуют маленькие комнаты, уютные пространства - альковы (большие ниши, например, для спальной зоны);
- цветовая гамма в светлых оттенках розового, голубого, нежно зеленого, жемчужного и перламутрового;
- отделка стен и потолка: тончайшие лепные узоры, резные панели, изысканные зеркальные элементы, гладкая покраска стен и потолка дополняется ручными фресками;
- полы: узорчатый паркет и ковры;
- декоры: позолота, текстильное убранство, хрустальные и стеклянные элементы;
Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что мы сейчас называем «рококо», в своё время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало.
Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Один из наиболее ранних случаев употребления этих терминов — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г.
Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры.
В 1960-70-е годы была распространена концепция рококо как результата измельчания барокко: «Вступая в фазу рококо, эмблематика все больше утрачивает самостоятельное значение, и становится частью общего декоративного убранства, наряду с нимфами, наядами, рогами изобилия, дельфинами и тритонами, „Амуры божества любви“ превращаются в — putti — рококо».
Классицизм
Как стиль интерьера и эстетическое направление Классицизм зародился в Европе вначале XVII века. В его основу легли спокойствие и строгой античной архитектуры, ее пропорции и гармоничность. В переводе с латыни "classicus" – это норма, порядок, образец. На развитие Классицизма значительно повлияло открытие Помпеи в 1755 году. В результате он стал результатом естественного развития и совершенствования архитектуры эпохи Возрождения.
Отличительные особенности стиля Классицизм:
- интерьер классицизма характеризуют следующие слова и словосочетания: спокойный, стремящийся к идеалу, лаконичный, благородный;
- интерьерное убранство характеризуется четкими геометрическими, максимально правильными формами;
- цветовая гамма: светлые и насыщенные тона нежной ванили, бледно голубого, цвет молодой листы;
- использование традиционных античных архитектурных конструкций: колоны, пилястры (полуколонны), фронтоны и фризы;
- орнаменты с античыми мотивами: строгие и геометричные;
- отделка стен. обои с роскошными ажурными рисунками или узорами, настенные плинтуса и бордюры, широко используется роспись;
- полы: – наборной художественный паркет из дорогих, элитных сортов древесины. В прихожей, холле или столовой зоне возможно использование мрамора или других покрытий из камня;
- декор не перегружен деталями и мелкими элементами.
Самым ярким представителем эпохи классицизма можно считать английского (шотландского) архитектора Роберта Адамса, на фотографиях ниже вы можете видеть выполненные им интерьеры.
В основе классицизма лежат идеи рационализма, нашедшие яркое выражение в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.
Как определенное направление сформировался во Франции в XVII веке. Французский классицизм утверждал личность человека как высшую ценность бытия, освобождая его от религиозно-церковного влияния. Об особенностях классицизма в Российской империи см. статью русский классицизм.
Во многом классицизм опирался на античное искусство (Аристотель, Гораций), взяв его за идеальный эстетический образец, «золотой век». Во Франции XVII века он назывался временем Минервы и Марса.
Пуссен Никола (1594-1665), французский живописец и рисовальщик. Учился у К.Варена и других французских художников; с 1624 Пуссен жил в Риме (в 1640-1642 - в Париже), испытал влияние Карраччи, Доменикино, Рафаэля, Тициана, Микеланджело, изучал трактаты Леонардо да Винчи и Дюрера, зарисовывал и обмерял античные статуи, занимался анатомией и математикой. С 1620-х годов живописец Никола Пуссен создавал картины высокого гражданственного звучания, заложившие основы классицизма в европейской живописи (картина “Смерть Германика”), поэтические композиции на литературные и мифологические темы, отмеченные возвышенным строем образов, эмоциональностью интенсивного, мягко сгармонизированного колорита (“Ринальдо и Армида”, “Танкред и Эрминия”, “Парнас”). Господствующий в произведениях Никола Пуссена 1630-х годов ясный композиционный ритм воспринимается как отражение разумного начала, придающего величие благородным поступкам человека (“Аркадские пастухи”, “Нахождение Моисея”). С 1650-х годов в творчестве Пуссена усиливается этико-философский пафос. Обращаясь к сюжетам античной истории, уподобляя библейских и евангельских персонажей героям классической древности, художник добивался полноты образного звучания, ясной гармонии целого (“Отдых на пути в Египет”, “Великодушие Сципиона”). Развивая принципы идеального пейзажа, Никола Пуссен делает природу воплощением целесообразности и совершенства (“Пейзаж с Полифемом”, около 1649, серия пейзажей “Времена года”, “Аполлон и Дафна”). Вводя в пейзаж мифологические персонажи, олицетворяющие различные стихии, используя в них
эпизоды библейских сказаний, Пуссен выражал идеи высшей необходимости или судьбы, как начала, регулирующего взаимоотношения человека и мироздания.
Ватто Жан Антуан (1684—1721), французский художник.
Родился в городе Валансьенн (на севере Франции) в семье кровельщика. Точная дата рождения неизвестна. Крещён 10 октября 1684 г.
Около 1702 г. Ватто приехал в Париж и начал работать как копиист. В Люксембургском дворце он имел возможность изучить картины П. П. Рубенса.
В 1717 г. Ватто получил звание академика за большую картину «Паломничество на остров Киферу». В 1719—1720 гг. художник посетил Англию. Расцвет творчества Ватто был непродолжителен. На протяжении менее чем десятилетия он написал полотна «Венецианский праздник», «Праздник любви», «Общество в парке», «Радости жизни», «Жиль»,
«Мецетен», «Вывеска лавки Э. Ф. Жерсена».
Ватто не датировал свои картины, но, скорее всего, его живопись становилась с годами более светлой. Художник сделал много рисунков.
Его постоянные любимые персонажи напоминают актёров, которые разыгрывают на полотнах Ватто длинную пьесу. В зрелую пору художник всё более театрализует композиции, в которых природа (деревья, холмы) становится похожей на декорацию. Театральные сцены и «галантные празднества» — основная тема его поздних сюжетов. Ватто, особенно его орнаментальные панно, оказал решающее влияние на развитие стиля рококо.
Жан Оноре Фрагонар (5 апреля 1732, Грасс — 22 августа 1806, Париж), французский живописец и график. Учился у Ж. Б. С. Шардена и Ф. Буше в Париже. В 1756-1761 годах работал в Италии, где исполнил циклы пейзажных рисунков (окрестности Рима и Неаполя). Привязанность к конкретно-неповторимому и непосредственно-эмоциональному в живой реальности побудила Фрагонара перейти от опытов исторической живописи ("Корез и Каллироя", 1765, Лувр, Париж) к бытовому жанру, пейзажу и портрету. Продолжая традиции "галантного" жанра Буше, порой отдавая дань условности и изощрённости рококо, Фрагонар вместе с тем достигал особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной (в т. ч. народной) жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Отличающиеся свежестью и изысканной декоративностью колорита, лёгкостью и темпераментностью письма, плавными композиционными ритмами, произведения Фрагонара исполнены чувствительной неги, полнокровного наслаждения жизнью ("Качели", 1766, собрание Уоллес, Лондон, "Праздник в Сен-Клу", 1775, Французский банк, Париж; "Купающиеся наяды", Лувр, Париж), пронизаны чуть заметной насмешкой над жеманным томлением персонажей ("Поцелуй украдкой", Эрмитаж, Ленинград) или согреты искренним, несколько сентиментальным сочувствием судьбе героев ("Бедное семейство", Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва; "Дети фермера", Эрмитаж, Ленинград). Утончённые эффекты светотеневой градации характерны для его многочисленных рисунков (сангиной, бистром, реже - сепией) и офортов.
Шарден Жан-Батист Симеон (1699-1779) — французский живописец, ученик П.-Ж. Каза и Ноэля Куапеля.
Помогая последнему исполнять аксессуары в его картинах, приобрел необычайное искусство изображать неодушевленные предметы всякого рода и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению.
В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы, битых животных, хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников, и только с 1739 г. расширил круг своих сюжетов сценами домашнего быта небогатых людей и портретами.
Картины этой второй категории, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти, еще более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в ее советники, в 1750 г. принял на себя должность ее казначея; кроме того, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук, словесности и изящных искусств.
Наиболее известные между ними — "Карточный замок", "Молитва перед обедом", "Трудолюбивая мать", "Битый заяц и охотничьи принадлежности", "Плоды на мраморном столе" и "Атрибуты искусства", "Три мальчика, пускающие мыльные пузыри", "Кухонный стол с провизией и посудой", портрет г-жи Жофрен, "Девушка, читающая письмо", "Возвращение с рынка", "Кухарка, чистящая репу", и повторения "Молитвы перед обедом", повторение "Карточного замка" и "Молитвы перед обедом" и "Прачки", "Молодая женщина, вышивающая ковер", "Служанка, наливающая воду в кувшин", "Битый заяц и медный котел" и повторения "Прачки" и "Молитвы перед обедом" и "Мать и дитя".

Приложенные файлы

  • docx 10951656
    Размер файла: 374 kB Загрузок: 0

Добавить комментарий